Музей ЧерномырдинаЖивопись вид озобразительного искусства. Станковые картины это
Живопись вид озобразительного искусства
Живопись — вид изобразительного искусства, который разделяется на шесть видов. Все шесть видов характеризуются созданием изображения при помощи нанесения красок на какую-либо поверхность.
1. Станковая живопись — это живопись, которая наносится на холст, доски или другую поверхность. Станковая живопись не зависит от места написания, то есть изображение красками на стене или каких либо объектах и поверхностях определённой местности не относятся к станковой. Станковая живопись создаётся при помощи различных красок: масляные, акриловые краски, темпера и другие. Чаще всего станковая живопись создаётся на холсте, который натянут на раму или наклеен на картон.
2. Монументальная живопись — это вид живописи, когда изображение при помощи красок наносится непосредственно на стены, потолки, поверхности зданий и сооружений. К монументальной живописи относится также фреска (живопись по сырой штукатурке).
3. Декоративная живопись — способ декоративного украшения стен, предметов интерьера, мебели. Относится к декоративно-прикладному искусству. Сюда же можно отнести монументально-декоративную живопись (декоративная роспись на стенах, панно).
4. Театрально-декоративная живопись или Декорационная живопись — живописное украшение стен, предметов интерьера, мебели (декораций) и так далее в театральных постановках.
5. Миниатюрная живопись — живописные произведения малых форм. В миниатюре краски наносятся на поверхности небольших форм — на фарфоре, кости, камне, дереве, металле и др.
6. Иконопись — живопись на религиозную тематику.
{yandex}
Живопись в изобразительном искусстве подразделяется на жанры. Таких жанров существует большое количество. Как пример, что такое жанры живописи, можно назвать: портрет, пейзаж, натюрморт, историческая и батальная живопись, религиозная и мифологическая живопись, марина, анимализм, фигуративная живопись и так далее.
Живопись подразделяется не только на виды и жанры, но также и направления: классицизм, романтизм, академизм, реализм, импрессионизм, модернизм, экспрессионизм, абстракционизм, фовизм, кубизм, футуризм, супрематизм, сюрреализм, поп-арт и другие.
Также живопись подразделяется на техники, которые характеризуются способами и методами создания изображений художником — способ нанесения, вид красок, способ подготовки холста или другой поверхности: энкаустика (с воском), темперная (с яйцом), акварельная живопись, живопись гуашью, акрилом, пастелью, граттаж, лессировка, пуантилизм, живопись сухой кистью, живопись керамическими и силикатными краски, сфумато, сграффито, карнация, смешанные техники и так далее.
Основы живописи для начинающих от художника Игоря Сахарова:
Вашей компании или организации необходимо качественное оборудование? В «Эпицентр техно» вы можете выбрать Бетономешалки из большого ассортимента. Строительное, сварочное и насосное оборудование, компрессоры, электродвигатели, электростанции и многое другое.
art-assorty.ru
Читать книгу Современный художественный рынок и станковая картина Бориса Арватова : онлайн чтение
Борис Игнатьевич АрватовСовременный художественный рынок и станковая картина
I. Потребитель станковой картины
A. Советское госмеценатство.
К Октябрьской годовщине советское правительство заказало ряду станковистов картины на так называемые революционные темы. В связи с выставкой этих картин в газетах и журналах проводилась и проводится следующая идея:
Эволюция искусства определяется так называемым социальным заказом; в капиталистическом обществе заказ производится стихийно, через рынок, скрыто от сознания художников; в обстановке советского хозяйства заказчиком оказывается государство, а заказ производится прямо. Поскольку советские станковисты сильно нуждаются и лишь изредка находят сбыт своим произведениям в богатой «загранице», постольку периодически организуемые госзаказы не только определяют эволюцию искусства, но и поддерживают ее материально, пока общий подъем и благосостояния не укрепит сбыта советской художественной продукции.
В настоящей работе, отсылая читателей к работам социологов-производственников, где имеется много указаний на неизбежную гибель станковизма, я намерен вкратце подвергнуть критике указанную идею с ее собственной – экономической – точки зрения. Так как вопрос достаточно сложен, то дальнейшее будет скорее рядом тезисов, чем статьей: на 2–3 страницах иного не достигнешь.
B. Происхождение картины.
Картина произошла из фрески, алтарной иконы, оконной росписи, книжной иллюстрации и так называемой «прикладной» живописи (роспись вещей) посредством специализации художественного труда и выделения из него изобразительности как особой самостоятельной профессии, когда понадобилось, чтобы изобразительная вещь могла продаваться, переходить от владельца к владельцу и, следовательно, быть независимой от места и времени ее потребления и от индивидуальных свойств потребителя. Материальным осуществлением подобной независимой изобразительности явилась станковая картина, экономически говоря, – товарная форма пространственных искусств.
Причиной было развитие менового хозяйства, возраставшая художественная конкуренция, которая влекла за собой специализацию и обособление так называемого частного быта с господством в нем личного эстетического потребления. В то время как раньше изобразительная форма была тесно связана с вещью и социальным бытом, потреблялась в обрядах, праздничных церемониях и утилитарной деятельности («прикладная» изобразительность), – станковая картина оказалась прочно прикрепленной к частной квартире, а ее потребление сделалось внеутилитарным1 Утилитарным я называю целесообразное не только чисто идеологически, а социально и технически: икона, плакат, иллюстрация и т. д.
[Закрыть] и отчасти украшательским.
C. Цель станкового творчества.
Стимулом какого бы то ни было художественного творчества является организация быта; но если смысл живописи средневекового художника был в участии ее в строительстве коллективного быта (храм, утварь и т. д.), то станковиста толкало к работе над картиной стремление проникнуть в индивидуальный быт, чтобы созерцающему потребителю показать «преломленный сквозь призму» и т. п. мир.
Фрески, иллюстрация и прочее – изобразительные приложения к реальному миру; станковая картина хочет заменить реальность, вместить ее в себя, быть реальным бытом в изобразительно-эфемерном существовании.
Поэтому-то преобладание частноквартирного быта есть непременное условие развития станкового искусства. И если одной из форм социального потребления картины оказалось музейное потребление, то постольку, поскольку общество не могло не изымать так называемых «образцов» для себя в целом, – изымать из монополии частных покупателей.
D. Меценатство.
Отсюда очевидно, каким образом станковое искусство могло развиваться благодаря помощи меценатов, – развиваться, следовательно, «искусственно», т. е. путем сознательной поддержки и прямых заказов: третьяковские и щукинские музеи вырастали из украшенных картинами зал частных особняков, как лувры – из дворцов, этих королевских особняков, развернутых в знак классовой демонстрации квартир тринадцатых и остальных Людовиков и Фридрихов.
Для музеев художники не писали, писать не могут и не будут, какие бы могущественнейшие идеи ими ни владели.
E. Общественная организация и станковизм.
Следующий вывод: меценатство по отношению к станковому искусству может осуществляться лишь частным путем или через частных лиц как потребителей. Коллективное меценатство, а тем более коллективизированный заказ в качестве постоянной меры есть сплошная утопия, нечто внутренне-противоречивое, дестанковизация станковизма, попытка оторвать форму от способов ее социального использования.
Государство, профсоюз, кооператив и т. д. в качестве потребителей станковой картины суть владельцы настоящих или долженствующих создаться музеев; Наркомпрос не человек, а учреждение, и если даже допустить, что заказы будут производиться для развески в многочисленных общественных помещениях, то рано или поздно они станут превращаться в музейные коллекции; станковизм будет отсрочен на время, если он вообще может быть отсрочен подобными мероприятиями: история не знает ни одного случая, когда бы формы художественного производства противоречили бы формам художественного потребления.
Вывод: станковизм или продолжит существование как «частно-квартирное» искусство или погибнет.
F. Будущее станковизма.
Современная строительная техника заставляет оставить надежды на возможность возрождения фрески; фотография вскоре совсем изгонит из книги иллюстрацию; вот почему если изобразительность выживет, то в форме станковой картины. Здесь кроется трагизм социально-воодушевленного изобразительника наших дней: коллективизированная эпоха, казалось бы, нуждается (если она вообще нуждается в продуктах ремесленного искусства), казалось бы приспособлена к так называемым монументальным произведениям, – такова идеологическая традиция, – а между тем социально-технические тенденции эпохи слишком «монументальны» сами по себе, чтобы не воспрепятствовать соответствующей эстетике: сочетание фрески с бетоном и стеклом было бы «вкусовым» варварством – раз, нарушением элементарного «режима экономии» – два. А посему – станковая картина. Но ей нечего делать в залах профсоюзов, клубах фабрик и т. д. Опыт доказал, что там прививается сменяемая и утилитарная форма; станковая же картина рассчитана на «навсегда» и «на вообще». Никакой социальный заказ – прямой и на тему – неспособен побудить станковизм к творчеству. Если нынешние советские художники кое-что создали к годовщине, то в той мере, в которой они до того писали аналогичные произведения и в которой заказанное было для них своеобразным прикладничеством, – отдельным фактом на фоне обычного станкового производства для обычных станковых целей.
II. Покупатель станковой картины.
A. Стоимость станкового художественного труда.
Однако, повидимому, совершенно не обязательно, чтобы станковому искусству требовалось бы меновое хозяйство. Социалистический строй не уничтожит частной квартиры, частного быта и частного потребления; вероятно, даже, что в социалистическом обществе личность будет во многом свободнее, чем в капиталистическом, не только экономически, но и бытово. Допустим далее, что люди изобретут новый способ распределения художественной продукции; предположим, что удастся сочетать станковую профессию с коллективизмом; согласимся, наконец, со сторонниками станковизма, что будущая механическая живопись с ее гигантскими формальными возможностями, превышающими во много раз возможности тюбика и кисти, не вытеснит их из мастерской художника, – почему бы тогда не сохраниться картине? Ответ: потому, что станковая живопись есть ремесленная, т. е. наименее производительная форма труда, а искусство есть наивысший по квалификации вид общественной деятельности: стоимость станковой картины при условии ее индивидуального потребления, – коллективное, как было указано, неосуществимо – слишком велика для социалистического человека.
Любое графическое произведение кроме рисунка, не теряя в квалификации и не переставая быть оригиналом, обходится обществу, вследствие своей размножимости в тысячу раз дешевле, чем картина – крайнее овеществление ремесленности, неповторяемое и единичное.
Иными словами, вопрос о распределении станковой продукции есть вопрос о распределении прибавочной стоимости; для того чтобы народилось и победило станковое творчество, понадобилась не просто буржуазия, а – соответственно художественной иерархии – иерархия класса: крупные буржуа для «генералов», средние – для чином поменьше, мелкие – в качестве покупателей репродукций, копий и пр.
B. Рынок и иерархия искусства.
Пойдем в уступках дальше: социалистическое общество оказывается настолько благоволящим к станковому искусству, к картине в частности, что решает взять на свой счет лучших мастеров, «обобществить» их (правда, термин здесь звучит бессмысленно: что это значит – обобществить личный труд? – но пускай…), а соответствующую продукцию распределять – ну, хотя бы лотерейным путем – среди желающих. Не говоря о явной нелепости подобного распределения, – а какое может быть предложено взамен? – понятие «социальный заказ» не тождественно с понятием «заказ общественной организации»; в то время как на заказ общественной организации могут работать постоянно или временно некоторые, – на социальный заказ работает каждый.
Эволюция искусства состоит в чередовании так называемых художественных течений: импрессионизма, экспрессионизма и т. д. Течения слагаются из методов творчества наличных мастеров, из которых в буржуазном обществе рынок выделяет небольшое число «генералов», «вождей», «рафаэлей». Но эти «рафаэли» существуют постольку, поскольку сотрудничают с безымянными по большей части художниками; художественное течение – социальный процесс, единство которого обусловливается и обеспечивается единством – общественным и техническим – форм творчества. Оторвать «рафаэлей» экономически, изолировать их, сделать их работниками-избранниками – означает лишить искусство его социально-производственных корней: армия без командиров есть такая же чушь, как и командиры без армии.
Кроме того решение проблемы экономического положения группы художников ничего не говорит о том, чем будут существовать – в хлебном отношении – остальные.
C. Экономические возможности современного станковизма.
Итак, станковое искусство предполагает не только индивидуального потребителя, но и соответствующего покупателя и иерархию доходов, т. е. предполагает наличие буржуазного общества.
Как-то во время спора один из лучших советских станковистов сказал: «Вы, производственники, можете как угодно доказать неизбежную гибель станкового искусства, а картина будет продолжать существовать, потому что вопреки логике ваших безупречных построений художники хотят писать и будут писать, а люди хотят видеть и будут видеть; станковое искусство нравится, оно отвечает глубоким запросам человеческого духа, и потому никакой социализм ему не страшен». Аргументация была явно идеалистической, но за ней крылась апелляция к фактам: после «беспредметного разложения» станковизм вновь как будто подымается и во Франции, и в Германии, и в Советском союзе.
Но вот я знаю целый ряд художников; во время военного коммунизма они хотели искренно – проектировать мебель, изобретать плакаты и шить костюмы; эти же художники после нэпа начали хотеть писать станковые картины. Полагаю, что здесь не было случайности: станковизм происхождением, реализацией продукции, а следовательно, своим будущим прикован к частно-хозяйственному капитализму. Даже госкапитализм, если таковой придет, пообрежет станковые крылышки; неудивительно, что нынешний подъем станковизма выражается лишь в количественном усилении продукции; качественно современный «неореализм» есть эстетическая реставрация, которая, очевидно, поможет картине продержаться художественно те десятилетия, в которые ей будет помогать экономически продержаться капитализм.
iknigi.net
Станковое искусство - это... Что такое Станковое искусство?
Станковое искусство Станковое искусствотермин, которым обозначаются произведения живописи, скульптуры и графики, имеющие самостоятельный характер и значение (в отличие, например, от произведений монументального искусства, прикладной и книжной графики и др., специально предназначенных для каких-либо сооружений, изданий или изделий и образующих с ними нерасторжимое единство). Идейно-художественной значение произведений станкового искусства не изменяется в зависимости от места, где они находятся, хотя их художественное звучание и зависит от условий экспонирования. Термин "станковое искусство" произошёл от "станка", на котором создаются многие произведения искусства (в живописи, например, им является мольберт). Станковое искусство получило широкое развитие начиная с эпохи Возрождения, с распадом универсальных комплексов средневековой художественной культуры и формированием многих видов светского искусства, рассчитанных на более интимное и непосредственное восприятие. Станковые формы искусства получили особенно широкое распространение в конце XVIII-XX вв., когда в эпоху бурных социальных движений они приобрели большое общественное звучание.
(Источник: «Популярная художественная энциклопедия.» Под ред. Полевого В.М.; М.: Издательство "Советская энциклопедия", 1986.)
.
- Стамо Евгений Николаевич
- Станок скульптурный
Смотреть что такое "Станковое искусство" в других словарях:
СТАНКОВОЕ ИСКУССТВО — СТАНКОВОЕ ИСКУССТВО, род изобразительных искусств, произведения которых носят самостоятельный характер и не имеют прямого утилитарного или декоративного назначения (картины, статуи, эстампы, рисунки). Название происходит от станка (мольберт и… … Современная энциклопедия
СТАНКОВОЕ ИСКУССТВО — род изобразительных искусств, произведения которых носят самостоятельный характер и не имеют прямого декоративного или утилитарного назначения (в живописи картины; в скульптуре статуи, бюсты, группы, станковые рельефы; в графике эстампы,… … Большой Энциклопедический словарь
Станковое искусство — род изобразительных искусств, произведения которых носят самостоятельный характер и не имеют прямого декоративного или утилитарного назначения (в живописи – картины; в скульптуре – статуи, бюсты и др.). Название происходит от станка (мольберт,… … Энциклопедия культурологии
Станковое искусство — СТАНКОВОЕ ИСКУССТВО, род изобразительных искусств, произведения которых носят самостоятельный характер и не имеют прямого утилитарного или декоративного назначения (картины, статуи, эстампы, рисунки). Название происходит от станка (мольберт и… … Иллюстрированный энциклопедический словарь
Станковое искусство — род изобразительных искусств, произведения которых носят самостоятельный характер и не имеют прямого декоративного или утилитарного назначения (в отличие, например, от произведений монументального искусства или книжной иллюстрации). В живописи… … Википедия
станковое искусство — род изобразительных искусств, произведения которых носят самостоятельный характер и не имеют прямого декоративного или утилитарного назначения (в живописи картины; в скульптуре статуи, бюсты, группы, станковые рельефы; в графике эстампы,… … Энциклопедический словарь
Станковое искусство — термин, которым обозначаются произведения живописи, скульптуры и графики, имеющие самостоятельный характер и (в отличие, например, от произведений монументального искусства (См. Монументальное искусство) или книжной иллюстрации (См.… … Большая советская энциклопедия
Станковое искусство — раздел изобр. иск ва, включающий произв., имеющие самостоят. характер и значение, не связанные с к. л. худож. ансамблем или с утилитарными функциями. Термин С. И. связан со станком, на к ром создаются мн. произв. иск ва (напр., мольберт). С. И.… … Российский гуманитарный энциклопедический словарь
изобразительное искусство — ▲ пластическое искусство ↑ изображение, действительный изобразительное искусство группа искусств, основанных на воспроизведении конкретных явлений жизни в их видимом предметном облике. художество живопись … Идеографический словарь русского языка
Изобразительное искусство Азербайджана — Возможно, эта статья содержит оригинальное исследование. Добавьте ссылки на источники, в противном случае она может быть выставлена на удаление. Дополнительные сведения могут быть на странице обсуждения. (25 мая 2011) … Википедия
dic.academic.ru
СТАНКОВАЯ И ДЕКОРАТИВНАЯ КОМПОЗИЦИЯ — Мегаобучалка
Данный раздел включен в программу, так как задания, которые рекомендуется выполнить, способствуют формированию у студентов профессиональных навыков художника-графика, художественного вкуса, чувства стиля, высокого исполнительского уровня.
Композиция в дизайне связана с необходимостью передать основной замысел, идею произведения наиболее ясно и убедительно. Главное в композиции - создание художественного образа. Картины, написанные в разные эпохи, в совершенно различных стилях, поражают наше воображение и надолго запоминаются во многом благодаря четкому композиционному построению., целостность композиции сразу разрушается, равновесие частей утрачивается.
К станковым относятсякомпозиции в графическом, скульптурном и живописном исполнении. Это портреты, пейзажи, картины сюжетного характера, гравюры, эстампы, литографии и скульптурные композиции. К декоративным и декоративно-прикладным композициям относятся всевозможные эскизы росписей по ткани, стеклу, фарфору, дереву, керамике, резьбы по дереву и многое другое. К монументально-декоративным - мозаика, панно, витражи, скульптурные рельефы , композициипредметов прикладного искусства - дизайн стекла, металла, мебели, промышленный дизайн, моделирование одежды и др.
Станковая композиция - это создание картины на станке – мольберте. С одной стороны это - творческий процесс сочинения, создания произведения искусства от появления замысла до его завершения, явление во многом интуитивное, трудно поддающееся изучению. С другой - комплекс средств раскрытия содержания картины, основанный на законах, правилах и приемах, служащих наиболее полному, целостному и выразительному решению замысла
Термин декоративность прежде всего указывает на художественный метод, направленный на создание объемного художественного образа.
Декоративная композиция, которая выполнена на плоскости, является разновидностью декоративно-прикладного искусства. Полностью готовая декоративная композиция представляет собой самостоятельное произведение искусства, которое передает зрителю эмоции, мысли, чувства.
В данном разделе студенты выполняют ряд заданий станковой графики в технике имитации офорта (материалы: тушь, перо) или декоративные хроматические композиции , выполненные на основе натурных зарисовок ( материалы: гуашь).В качестве исходных материалов служит натурная зарисовка пейзажа или фотография. Выполненные задания очень красивы, так как представляют собой самостоятельные графические листы. Они могут войти в творческое портфолио студента, а также составить выставочный фонд.
Примерные темы для заданий:
1. Каналы Петербурга. Станковая композиция (тушь, перо, гелевая ручка, тонированная бумага).
2. Храмы. Декоративная композиция (акварель, гуашь, тонированная бумага).
3. Сказочный персонаж. Костюм. Создание имиджа. Смешанная техника, коллаж.
4. Маски. Смешанная техника, коллаж.
Рис.23.Работы студентов по станковой композиции. Пейзаж
Рис.24. Работы студентов по декоративной композиции. Храмы.
СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ
Основные источники:
1. Голубева О.Л. Основы композиции. – М.: Изобраз. Искусство, 2006.- 156 с.
2. Устин В.Б. Композиция в дизайне: методические основы композиционно – художественного формообразования в дизайнерском творчестве: Учебное пособие для вузов. Изд. 2-е, уточнен. и доп. – М.: АСТ, 2007. – 239 с.
Дополнительные источники:
1. Стоун Т. Л., Адамс С., Мориока Н. Дизайн цвета: Практикум. (практическое руководство по применению цвета в графическом дизайне). – М.: РИП-холдинг, 2006. – 240 с.
2. Сурина М. О. Цвет и символ в икусстве дизайне архитектуре: учебное пособие для вузов. – Ростов н/Д.: МарТ ИЦ, 2006. – 152 с.
3. Зайцев А. С. Наука о цвете и живопись. – М.: Искусство, 1990. – 240 с.
4. Волков Н.Н. Цвет в живописи.– М.: Искусство, 2002. – 256 с.
5. Раппопорт С.Х. От художника к зрителю. Как построено и как функционирует произведение искусства. – М.: Искусство, 1978. – 182 с.
6. Раушенбах Б.В. Геометрия картины и зрительное восприятие. – М.: Искусство, 2002, 232 с.
7. Даниэль С.А. Искусство видеть. – М.: РИП-холдинг, 2006, 216 с.
8. Логвиненко Г.М. Декоративная композиция. – М.: Искусство, 2004. – 143 с.
9. Арнхйем Р.С. Искусство и визуальное восприятие. – М.: Искусство, 1984. – 234 с.
Интернет-ресурсы
1. Композиция в изобразительном искусстве: [Электронный ресурс.] http://compose-place.ucoz.ru/index/teorija_kompozicii/( дата обращения 18.09.2012)
2. Композиция. [Электронный ресурс.] http://www.coposic.ru/kompoziciya-predmet/predmet-kompozicii/ (дата обращения 12.12.12)
megaobuchalka.ru
Станковая графика — Сайт с говорящим названием — Про искусство и его ведение
Просмотры: 4 068
К станковой графике относятся произведения графического искусства, имеющие самостоятельное значение. Они не связаны с литературным текстом (как, например, книжная графика) и не имеют узкого практического назначения (как, например, произведения прикладной графики). Станковой эта группа графики называется по аналогии со станковой живописью, произведения которой создаются на специальном станке – мольберте. Для станковой графики характерны широта тематики и разнообразие изобразительных средств. Чтобы разносторонне раскрыть избранную тему, графики нередко создают целые серии станковых произведений. Все листы таких серий объединены не только общей темой, но и приемами исполнения.
Станковая графика условно делится на рисунок и эстамп. В свою очередь рисунок обычно рассматривают, с одной стороны, как оригинальное произведение графики (уникальная графика), а с другой стороны, как вспомогательный вид. Существует огромное множество узких определений вспомогательного рисунка: учебный рисунок, академический рисунок, подготовительный рисунок и т.п. Грани между различными видами весьма туманны, и в рамках данного пособия раскрыть их общие черты и различия проблематично. Лишь отметим, что рисунком называют изображения самого различного характера, исполненные самыми разными материалами на разных поверхностях и выполняющие различные функции, – на том основании, что ведущая роль в них принадлежит линии. В дальнейшем речь пойдёт только о рисунке в его особом, самостоятельном явлении искусства графики.
«Собственно» рисунок сложился совсем недавно по сравнению с рисунком, понимаемым как всякое изображение линиями (который и является самым древним, самым первым способом изображения).
Х.Грин. Рисунок.Перо, бистр, 1503.Становление рисунка как особой сферы художественного творчества вызвано причинами, возникшими на той ступени развития общества и искусства, которая получила название эпохи Возрождения. Три момента имели решающее значение для появления и быстрого расцвета рисунка: гуманизм, противопоставивший религиозным идеалам культ человека; познание природы, развитие наук; изменения в самом искусстве, обусловленные характером и достижениями новой эпохи, в том числе изучением памятников античности. Важнейшими среди этих изменений были: индивидуализация творческого процесса в противовес опыту коллективной работы средневековых мастеров; расширение тематических границ, развитие светского направления, общий светский характер искусства; стремление создавать произведения на научной основе; сложение новой системы художественного видения, когда изображение стало строиться как реальная картина визуально воспринимаемой действительности; наконец, интенсивное развитие станковой живописи, графики и скульптуры.
В этих условиях рисунок стал незаменимым орудием художника для достижения многих целей: для изучения натуры и приёмов её изображения на плоскости, разработки научных основ изобразительного творчества, «записи» наблюдений, впечатлений, мыслей, фантазий, для подготовки к созданию живописных и других произведений. И в это же время исполнялись рисунки, имеющие совершенно независимый характер. Рисунок стал использоваться столь широко и многообразно, он столь полно раскрыл свои возможности и достиг таких художественных высот, что это позволяет утверждать: именно в эпоху Возрождения рисунок становится особым, самостоятельным явлением искусства.
Новый художественный принцип – подражание природе – и новый принцип создания произведений – свобода от канонов, свобода
А.Дюрер. Рисунок. Перо, бистр, 1511.сочинения, вымысла – позволили, наконец, развиться двум главным специфическим способностям рисунка: быть самой прямой – в сфере художественного изображения – связью руки и глаза и самой прямой связью руки и мысли. Два направления становятся главенствующими: рисунок с натуры как незаменимое средство постижения реальности и способов её изображения на плоскости и рисунок как непосредственное выражение размышлений и переживаний художника, как средство разработки индивидуальных замыслов. Они и раскрывают в основном особенности освоения мира в рисунке.
В то же время рисунок привлекал художников и как форма творчества, которая способна и достойна воплощать значительные замыслы, предназначенные специально для него. Большой силы и высоты самостоятельный станковый рисунок достиг в творчестве Андреа Мантеньи, который разработал своеобразный тип рисованного изображения, приближающегося по композиции и характеру моделировки к барельефу, а по духу – к античным образцам. Поллайоло в рисунках «Адам» и «Ева» обратился к сюжетам, которые позволили ему сделать изображения мужского и женского обнажённого тела основой станкового рисунка. Микеланджело Буонаротти исполнил целый ряд рисунков на темы античных мифов «Падение Фаэтона», «Ганимед», «Наказание Тития», А.Альтдорфер и Х.Грин – многочисленные листы на религиозные и мифологические сюжеты, венецианские и нидерландские художники создавали пейзажи, отличающиеся масштабностью, разработанной композицией, завершённостью исполнения.
Тициан. Женский портрет. Уголь.Таким образом, в эпоху Ренессанса рисунок обрёл всю полноту проявления, всё многообразие своих форм. Особенно ярко это раскрывается в творчестве художников Высокого Возрождения, о чём можно судить по рисункам таких титанов итальянского и Северного Возрождения, как Леонардо да Винчи и Дюрер.
С освоением в конце XV века таких инструментов, как уголь (после изобретения способов его фиксирования), итальянский карандаш (или чёрный мел), в рисунок пришла широкая, монументальная манера изображения. Линии перестают быть столь чёткими и определёнными, они переходят в тон, сливаются с моделировкой. Складываются два различных подхода к изображению, два способа передачи формы: объёмный и живописный. При первом, развитом в творчестве художников большинства итальянских школ, форма выделяется чётким
Станковый рисунок. Р.Хачатрян. Натюрморт. Левкас, сепия, 1982.контуром и моделировкой объёма; при втором – контуры и сама форма словно бы растворяются, расплавляются в окружающем воздушном пространстве. Живописный, или тональный, рисунок (так как в нём большую, а часто и основную роль играют пятна того или иного тона) характерен в основном для венецианских художников – Джорджоне, Тициана, Тинторетто; в нём достигается передача воздушной среды, вибрации света, динамики форм. Использование сангины, сочетание нескольких техник, применение грунтованной бумаги различных цветов, на которой рисовали чёрным тоном и белилами, создали в рисунке свою полихромию, свои проблемы цвета и тона, свою колористическую выразительность. Всё это широко раздвинуло возможности рисунка и сделало его способным к несению только ему присущего художественного образа.
Поворотным моментом в развитии рисунка стало использование бумаги. Как отметил А.А.Сидоров, «вытеснение пергамента бумагою и есть одна из тех решающих перемен, которые определяют собой прогресс искусства, не только рисуночного». Появление в XIV веке этого дешёвого материала (в Китае бумага известна с 105 г. н.э.) дало возможность художникам создавать пробные, вспомогательные зарисовки, подготовительные работы, рисунки для себя. В этих случаях художник мог рисовать свободнее, острее, индивидуальнее, что способствовало сложению личного стиля мастера и определило разработку специфического языка рисунка.
Свободный рисунок. Е.Забелина. Деревня. Учебная работа. Карандаш, 1999.Безусловно, на всём протяжении развития рисунка происходили различные – и в том числе существенные – изменения в его характере; но, как представляется, эти изменения не дают возможности говорить о принципиально новом положении рисунка в какой-либо из эпох после Возрождения. Основание к этому в известной степени даёт рисунок рубежа XIX и XX веков, когда произошла смена художественных систем и графика окончательно сложилась как вид искусства.
Специфической особенностью рисунка является многообразие и многозначность его форм. Следует отметить наиболее часто встречающиеся типы рисунка: станковый, свободный, подготовительный, композиционный. Станковый рисунок представляет собой однородное по своему характеру, своей структуре произведение, которое для воплощения замысла специально построено и завершено само в себе. Такое произведение замкнуто на выражении определённой идеи, определённого суждения о мире и при этом завершено с точки зрения художественного воплощения этой идеи.
Простота материалов и процесса изображения позволяют создавать рисунки непосредственно в тот момент, когда у художника возникает стремление запечатлеть своё наблюдение, мысль, представление. Такие рисунки – а их огромное множество – не имеют в своей основе
Пример самостоятельного этюда.А.Филипович. Мирский замок. Учебная работа. Тушь, перо, 1996.замысла и не обладают чертами, обусловленными его воплощением; движущий мотив их создания можно назвать побуждением, а сами рисунки – свободными. Они характеризуются именно свободой исполнения, передают прямое общение художника с окружающей действительностью, непосредственное выражение его впечатлений, чувств, фантазий. В них реализуется потребность художника в постоянном живом контакте с миром. Если станковые рисунки выражают определённое суждение о жизни, понимаемое как слитность переживания, осмысления и оценки, – точнее, как некая идея, рождаемая этой слитностью, то свободные рисунки можно сравнить с отдельными высказываниями; эти высказывания раскрывают отношение человека к миру, но не имеют той углубленности и завершенности, которые свойственны суждению.
Среди самостоятельных работ, помимо станковых и свободных рисунков, принято выделять такой тип произведений, как самостоятельные этюды. Они служат средством изучения окружающего мира в различных его проявлениях,
И.Е.Репин. Композиционный рисунок к картине «Арест пропагандиста». 1879.создания «багажа» наблюдений, впечатлений, средством совершенствования мастерства; с помощью этюдов происходит художественное освоение самых разных элементов окружающего мира. Однако и для таких работ во многих случаях характерна типологическая неопределенность, невозможность отделить их от станковых рисунков.
Подготовительные этюды и эскизы, составляющие огромную часть рисунков, также чрезвычайно неоднородны по своему характеру и неоднозначны по восприятию. В рисунках этих типов предмет освоения двойствен: в эскизах это и композиция как таковая, её разработка для воплощения замысла произведения другого вида искусства, и сам сюжет; в этюдах это и персонаж картины или фрески, и натура, которая служит моделью для этого персонажа. Соотношение этих «составляющих» в конкретных рисунках различно, что создаёт неоднородность рисунков внутри каждого типа.
Каллиграфическийрисунок. П.Семченко. Роза. Тушь, перо, 1992.Композиционный рисунок, который как тип является аналогом картины, не оттесняет произведения других типов, не обладает бесспорным правом представлять собой рисунок как явление искусства: и на выставках, и в
В.Серов. Подготовительный рисунок к картине «Похищение Европы». 1910.музеях, и в воспроизведениях мы обычно видим рисунки всех типов. Может быть, именно положение композиционных работ среди типов рисунка и их несравненно меньшее развитие особенно наглядно выражают иной характер рисунка по сравнению с другими видами.
Особую роль в структуре мира рисунка играет набросок. Набросок – специфически рисуночный тип художественного произведения. Он развит только в рисунке, и развит очень широко; особенности рисунка раскрываются в нём наиболее обнаженно, предстают в своем крайнем выражении.
Как тип рисунка набросок неоднозначен. С одной стороны, он как будто не является отдельным типом, поскольку представляет собой либо эскиз, либо этюд, либо самостоятельный рисунок. То есть набросок можно рассматривать как манеру изображения, в которой, кроме того, бывают также исполнены и литографии, и офорты, особенно в XX веке. Но, с другой стороны, в различных по характеру набросках ощущается своя, единая основа, которая позволяет говорить о нём как о типе произведений, но типе особом: он является как бы точкой схода различных по назначению и характеру рисунков; в нём и сохраняются типологические отличия, и обретается общая направленность. Эта направленность – в схватывании, выделении, заострении главного, что интересует художника в изображаемом объекте.
Н.Совца. Набросок.Учебная работа.Карандаш, 2002.Говоря о рисунке, следует отметить особым типом каллиграфический рисунок. Он представляет собой конкретное изображение образа по памяти точным и непрерывным движением пера или иного инструмента. Предшествует этому глубокий анализ натуры. Для каллиграфического рисунка характерна стилизация формы через неповторимую, плавную, изменчивую и пластичную линию, которая условно и ассоциативно выражает графический образ.
Кроме многообразия типов, разнообразны и материалы рисунка. Нам известно много замечательных произведений графики в технике карандаша. Художники пользуются довольно разнообразным ассортиментом
П.Шмидт. Толпа. Карандаш, 1928.карандашей. Самыми распространенными являются графитные карандаши различных степеней мягкости. Штрих графического карандаша отличается красивым серым тоном и имеет легкий отблеск. Очень красивый насыщенно черный и бархатный штрих дают так называемые итальянские и угольные карандаши. Нередко графики работают карандашами, изготовленными из цветных пигментов (сангина, цветные меловые карандаши и др.). Карандаш – материал очень гибкий, послушный и позволяющий разнообразно работать в пределах небольшого листа.
Уголь является излюбленным материалом многих художников. Угольный рисунок обычно выполняется на шероховатой бумаге, а иногда на холсте, и отличается красивым бархатистым тоном, широким и энергичным штрихом.
Часто встречается в графике соус – рисовальный материал из очень мелкого черного порошка, скрепленного клеящим веществом. Иногда соус применяется в виде сухого порошка, но чаще всего разбавляется водой.
К.Кольвиц. Обнаженная. Уголь, 1904.Особым качеством обладает перьевой рисунок. Работает художник разбавленной тушью или специальными чернилами,
Фешин. Портрет. Уголь.применяя обычные стальные, а также гусиные и тростниковые перья, особым способом затачивая их. Перьевой рисунок красив своей четкостью, чистотой и изяществом разнообразных по форме штрихов.
Широко распространен в графике прием рисования жидкими черными материалами (чаще всего тушью) при помощи кистей, так называемого фетрового пера или заточенных деревянных палочек. Этот прием отличается очень разнообразным, свободным и темпераментным сочетанием штрихов одного глубокого черного тона.
Но особенно широко распространена в графике работа тушью, черной акварелью, гуашью, темперой и другими черными материалами, разбавленными водой. Бесконечны тональные нюансы этой техники. Необычайного совершенства достигли в этой области китайские мастера. Трудно передать все богатство этой техники. В одних местах рисунка художник быстрым и точным движением наносит тушь более сухой кистью, тушь не успевает расплыться на бумаге и ложится четко. В других местах влажная кисть намеренно дольше задерживается на бумаге, тушь расползается и дает мягкие, расплывчатые сочные пятна.
П.Митурич. Ель. Тушь, кисть, 1948.Рисунки выполняются не только в какой-нибудь одной технике. Очень часто графики в одной работе сочетают две, три и даже большее
Р.Хачатрян. Портрет. Картон, сепия, 1978.число различных техник, что расширяет творческие возможности и обогащает запас изобразительных средств художника. Нередко станковые произведения выполняются черным материалом с применением цвета в характерной для графики сдержанной, скупой манере цветовых решений.
Великолепные образцы станковых рисунков создали итальянские мастера Микеланджело, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Тинторетто, немецкие художники Гольбейн, Дюрер, Менцель, голландские и фламандские мастера Рембрандт, Рубенс, Ван Дейк, французские художники Ватто, Фрагонар, Энгр, Домье и многие другие художники различных стран мира.
Из русских художников прошлого назовем таких мастеров рисунка, как О.Кипренский, А.Иванов, П.Федотов, И.Репин, В.Серов, М.Врубель. Среди графиков Беларуси видное место занимают А.Тычина, Л.Ран, В.Соколов, С.Романов, Г.Поплавский, В.Савич, В.Шарангович, М.Басалыга, А.Кашкуревич и др.
Пикассо. Голова женщины. Тушь, перо, 1924.Сюй Бэй-хун. Быстро скачущая лошадь. Тушь, кисть, 1930.Рембрандт. Пейзаж. Бистр, перо, кисть, 1630.О.Кипренский. Портрет Е.Чаплица. Итальянский карандаш, 1813.
Вконтакте
Google+
LiveJournal
Одноклассники
Мой мир
iskusstvoed.ru
| Когда мы говорим об основных признаках произведения народного искусства, то прежде всего имеем в виду его высокие художественные достоинства, завершенность формы, виртуозность исполнения, непосредственность и искренность выражения творческой мысли, гармоничное сочетание художественных качеств произведения с его функциональным назначением.
Однако, когда мы обратимся к произведениям живописи, то увидим, что этот вид народного искусства имеет свои специфические черты и иногда перерастает рамки декоративно-прикладного искусства. Мы встречаемся с народной живописью в виде настенных росписей жилищ или хозяйственных построек; живопись масляными красками издавна широко применялась для украшения домашней мебели (полок для посуды, сундуков и т. п.), деревянной посуды; красками расписывалась круглая деревянная скульптура. К живописи относятся и многокрасочные рисунки на бумаге, известные под названием «малёвок», росписи писанок, росписи на стекле (распространенные преимущественно в западных областях Украины), подлаковые росписи, станковые, т. наз. «народные картины» и т. п. Некоторые из этих видов народной живописи относятся к декоративно-прикладному искусству, поскольку они призваны украшать вещи утилитарного назначения. Но в настенных комнатных росписях или писанках, не говоря уже о произведениях станковой живописи, утилитарность отходит на второй план, а то и вовсе исчезает. Первостепенное значение приобретает эстетическая сторона. Зарождение украинской народной живописи относится к тем временам, когда начала формироваться украинская народность. В рукописных книгах XIV—XVI вв. уже можно увидеть немало цветных заставок, инициалов и концовок с мотивами, которые встречаются в позднейших украинских народных вышивках и в керамическом или резном орнаменте Несомненные влияния народной живописи можно заметить и в древней иконописи. Сохранился очень интересный образчик т. наз. деревенской иконописи с изображением Иоанна, где и фигура святого, и широко развернутый пейзаж по характеру трактовки близки к народным картинам позднейшего времени. Народные орнаментальные росписи встречаем и в деревянных церквах XVII—XVIII вв. Все они имеют уникальный характер, ибо сохранились буквально единицами. Значительно больше дошло до нас произведений народной живописи — станковых картин и различных декоративных росписей, датируемых второй половиной XVIII в. Центральное место, как утверждает К. Широцкий в своей статье «Декоративное убранство украинского дома», и в настенных росписях, и в станковых картинах принадлежало в это время изображению народного героя «Казака Мамая». Одна из таких настенных росписей хранится в Киевском музее украинского искусства. На ней «Казак Мамай» изображен с кобзой в руках. Ниже рифмованный текст: «Сидить козак в кобзу грае, що замислить, то все мае». В одних станковых картинах изображен только Мамай, в других он рядом с конем на фоне несложного пейзажа (в большинстве случаев это изображение дерева, к которому привязан конь). Встречаются и более сложные композиции, где рядом с Мамаем видим то польского пана, то шинкаря. Иногда в картину введена жанровая сценка. Так, в одной из них под музыку Мамая танцует запорожец с шляхтянкой, в другой танцуют три запорожца, тут же два казака таскают друг друга за чубы.
В то время как изображение самого Мамая во всех картинах отличается статичностью, персонажи жанровых сцен поданы в движении. Подобное явление наблюдается и в украинской народной иконописи: основная канонизированная фигура в композиции изменяется со временем медленнее, чем персонажи, введенные в композицию позднее. Большинство картин с «Казаком Мамаем» сопровождаются стихотворными текстами, являющимися вариантами старого текста, происхождение которого связывается с вертепной народной драмой. Сюжет картин о «Казаке Мамае» развивался одновременно в двух планах — героическом и юмористическом или сатирическом; при этом фигура самого Мамая оставалась неизменно монументальной, а элементы юмора или сатиры вносились в изображения других персонажей: шляхтича, шинкаря или ростовщика. Рядом с обобщенным образом «Казака Мамая» в украинской народной живописи XVIII ст. появляются портреты реальных героев — Гонты и Железняка. К тому же времени относятся народные картины на бытовые темы. Здесь и по- грудный портрет казака, подперевшего рукой голову , и интимная семейная сценка — «Гапка просит у отца благословения» и др. В первой половине прошлого столетия народная картина тематически значительно расширяется. Ее сюжеты, как правило, связаны с сельской жизнью того времени. Едва ли не самой выразительной такой композицией является «Судьба крестьянина», известная в нескольких вариантах по всей Украине. На картине изображен крестьянин, рядом с ним волы или конь, запряженные в плуг. Обязательная стихотворная подтекстовка под картиной раскрывает ее содержание. В стихотворных строках говорится о невыносимом крепостном ярме. Крестьянин спрашивает у неба, когда же придет конец несчастью. К картинам этой же группы относится интересная композиция «Рыбак на берегу», где фигура рыбака изображена на фоне двухпланового пейзажа. Наряду с картинами ярко выраженного социального содержания создавались чисто бытовые композиции: пряха за работой или девушка с ведрами возле перелаза, известная под названием «Наталка Полтавка». Интересная картина «Сватанье», где изображены сваты, жених, родители невесты и сама невеста. В таких картинах народные мастера придерживаются тех же живописных приемов, что и в «Мамаях»; правда, фигуры здесь менее статичны, пейзаж более развит, колорит разнообразнее. В первой половине XIX в. сюжеты для народной картины иногда брались из литературных источников и из произведений художников-про- фессионалов. Так, в 1840-х годах неизвестным народным мастером была создана композиция «Панько Рудый — пасечник». В верхней части картины, над ульями, написаны имена И. Котля- ревского, Е. Гребёнки, Г. Квитки-Основьяненко. Известны свободные народные переработки произведений Т. Шевченко («Судная рада», «Сваты», «Приятели»), В. Тропинина, В. Штернберга. Классовое расслоение крестьянства и быстрое обеднение основной его массы при капитализме отрицательно сказалось и на дальнейшем развитии станковой народной картины, а появление на рынке дешевых печатных лубочных картинок завершило ее упадок. Да и сама народная картина становится предметом купли - продажи. Теперь мастер делал ее не по вдохновению, а на заказ или для рынка и поэтому был вынужден угождать вкусам покупателей. К концу XIX в. народная картина в традиционном своем виде почти не встречается. Однако старые традиции не были окончательно утрачены. Уже в советское время народная картина возродилась в новой форме, устоявшиеся сюжеты получили новую трактовку. В собрании украинского советского скульптора И. Гончара хранится картина «Мамай на коне», датированная 1928 годом. Картина эта происходит из села Остапье на Полтавщине. Казак здесь изображен в красноармейской форме верхом на коне: фигуры всадника и коня поданы в сложном, не свойственном старым композициям повороте. Но кобза в руках Мамая и развешанные на дереве колчан со стрелами и лук — это детали, которые свидетельствуют о давней традиции. Традиционный сюжет «Казака Мамая» сохранился до нашего времени и в других видах народного искусства. Так, в 1920-х годах борзенский художник А. Саенко создал большую композицию «Казак Мамай» в технике инкрустации соломой. Одним из последних произведений мастера народной керамики Е. Железняка была композиция «Казак Мамай», показанная 1963 году на Республиканской выставке народного искусства в Киеве. К этому сюжету обращаются и художники - профессионалы. «Казака Мамая» можно увидеть и в произведениях станковой графики, и на керамической декоративной плитке. Наряду с традиционным «Казаком Мамаем» наблюдается возрождение и развитие бытовой народной картины. На Киевской областной выставке народного искусства (1947 г.) экспонировалась картина «Проводы в Красную Армию», в которой чувствовался отголосок старой народной картины на слова популярной песни «Козак од’їжджае, дiвчинонька плаче». Новую интерпретацию получает и старый сюжет «Судьба крестьянина». На одной такой картине-диптихе с Тернопольщины изображены крестьянин-единоличник на маленьком клочке земли и здесь же как сопоставление — тракторист, ведущий своего «коня» широким полем (1957 г.). Б. С. Бутник-Сиверский 1964 г. |
Отсюда вытекает определение народного искусства как искусства декоративно-прикладного. И действительно, достаточно посмотреть на изделия гончаров, ткачей, резчиков, чтобы стало ясно, насколько назначение изделия обуславливает характер его художественного решения.
Но, несмотря на всю разницу сюжетов, подобные картины объединяет общность композиционных приемов и средств передачи содержания. Независимо от сложности сюжета и количества изображенных персонажей общая композиция всегда фронтальна, так же фронтально подана и каждая отдельная фигура. Моделировка формы совсем незначительна, отсюда впечатление некоторой плоскостности. Колорит картин очень сдержанный: в более ранних произведениях преобладает темная красно-коричневая гамма, в позднейших — общий тон светлее, а гамма становится богаче главным образом за счет добавления серо-синих и зеленых цветов.art.sovfarfor.com
