Музей ЧерномырдинаАрхипов Абрам Ефимович «Прачки». Описание. Прачка картина
Центр современного искусства "Облака"
«Прачка»: самая дорогая картина Анри де Тулуз-Лотрека
Личный ценовой рекорд французского художника Анри Де Тулуз-Лотрека в 2005 году установила картина «Прачка». До продажи на нью-йоркском аукционе Christie's она находилась в частной коллекции Бетт и Нисона Харрисов. Наследники собрания приняли решение дать полотну возможность уйти с молотка. Новый владелец «Прачки» заплатил за нее 22,4 миллиона долларов.
Точный год написания полотна в доступных источниках не указывается – в биографиях встречается временной период от 1884 до 1890 года. Героиней картины стала молодая девушка, которая делает перерыв в тяжело работе и смотрит в окно. На ней объемная белая рубашка и широкая коричневая юбка. Непослушный локон волос прячет от зрителя глаза героини. Тяжело опираясь на стол, девушка смотрит перед собой, но что открывается перед ней – остается загадкой. Эта работа относится к доплакатному периоду творчества Тулуз-Лотрека. Внимание к личности с ее темными и светлыми сторонами уже тогда становится отличительной чертой художника, поэтому «Прачка» превращается в законченный образ с ярко выраженной собственной энергетикой. Позировала художнику Сюзанна Валадон – дочка прачки, которая из-за травмы была вынуждена отказаться от карьеры цирковой акробатки. Она неоднократно становилась моделью, и нередко любовницей других известных художников того времени - Пьера Пюви де Шаванна, Ренуара, Дега. Впоследствии, под покровительством Дега и Тулуз-Лотрека, она сама начала писать картины и сумела занять особое место в творческом мире Парижа.
На момент продажи «Прачки» эксперты отмечали особый интерес современных коллекционеров к творчеству импрессионистов и постимпрессионистов, что обеспечивало рост продаж работ Тулуз-Лотрека, Моне, Сезанна и других представителей того периода.
При жизни к творчеству французского художника относились неоднозначно. Даже отец уже покойного мастера граф Альфонс сказал: «Я считаю, что они (прим. произведения) большей частью небрежны... Только потому, что художника уже нет в живых — пусть даже это мой сын, — я не могу восторгаться его топорной работой, которая свидетельствует лишь о его горячем темпераменте». Тем не менее, сегодня его художественное наследие оценивается как одно из самых больших по количеству и одно из самых разнообразных по техникам и жанрам.
artoblaka.ru
Архипов Абрам Ефимович «Прачки». Описание
В конце 90-х годов девятнадцатого века вся Россия встала на путь индустриализации. В связи с этим многие крестьяне вынуждены были отправляться на приработок в город. Такую сцену новой городской жизни случайно увидел Абрам Ефимович Архипов, проходя по московским переулочкам в районе Смоленского рынка, он в приоткрытую дверь подвала увидел двигающиеся фигуры и почувствовал щелочной запах прачечной.
Заглянув в заполненную паром, звуками плещущейся воды и женскими голосами комнату, он увидел нескольких женщин разного возраста, которые стирали, колотили, отжимали и стряхивали бесчисленные полотна.
Художник познакомился с женщинами и пригласил их к себе в ателье позировать для картины.После своей картины «Подёнщицы на чугунолитейном заводе», имевшей на XXIV передвижной выставке большой резонанс, тема судьбы простой сельской женщины в России стала для Архипова смыслом всей его художнической деятельности. Никто так не воспел красоту и самобытность северной крестьянки, как Архипов в своих красочных и живописных портретах односельчанок.Ему понадобилось несколько лет, чтобы прийти к окончательному варианту этой картины. Первый вариант изображает всех женщин в их привычных рабочих движениях. Второй же вариант базируется на контрасте механического повторения рутинных движений работающих женщин и неподвижно сидящей прачки в чрезвычайно выразительной позе смертельно усталого человека. Лица, фигуры, позы и одежда настолько индивидуальны, что кажется, ты знаешь этих женщин давно.
Композиция картины стремится в перспективе к маленькому окошку, дающему слабый свет, сквозь пар, поднимающийся от раскалённых чанов. Распаренные лица, насквозь промокшие от пота, пара и мыльной воды одежда, волосы, платки, руки и лица. Вся эта движущаяся масса делится на две части мастерски написанным светлым пятном мокрого пола. Общий серебристо серый с лилово-пурпурными включениями колорит напоминает старинную икону. Виртуозная живописная манера, благодаря точности и достоверности деталей создаёт впечатление лёгкости и свободы.
На своём долгом и успешном творческом пути Абрам Ефимович Архипов напишет множество чудесных картин, достаточно вспомнить его «крестьянский» цикл портретов женщин в красочных северных народных нарядах, но «Прачки» останутся живописным шедевром, значение, которого трудно переоценить. Его живописная, психологическая и художественная ценность останется достоянием России.
Посмотреть еще картины Архипова А.Е. с описаниями
Автор И. Шмитц
www.hudojnik-peredvijnik.ru
Живопись Шар ден Жан Батист, «Прачка», «Атрибуты искусств», описание картины
Живопись XVIII в.
Во Франции XVIII в. стал эпохой «здоровой и трезвой культуры нарождающегося класса буржуазии», которая вступила в непримиримую борьбу с вычурным, легкомысленным стилем рококо, не давшим истории, по сути, ни одного крупного художника. Все лучшее в искусстве этого времени создавалось вдали от королевского двора, от его почестей и церемоний.
Во французской живописи XVIII в. развивался ряд направлений, отвечавших запросам третьего сословия. Однако это не значит, что рокайль и любое из этих течений были полярны по отношению друг к другу, т. к. стиль рококо вовсе не ограничивался удовлетворением запросов представителей аристократии. Как бы широка ни была пропасть между аристократией и буржуазией, диффузия идей в сфере искусства была неизбежна.
Жан Батист Шарден родился в Париже в семье мебельщика. С детских лет его окружал скромный быт, мир простых, повседневных вещей. Из этой обыденной жизни он черпал незамысловатые сюжеты своих жанровых картин. Они скромны и серьезны, как натюрморты, но совершенны по живописи и проникнуты добрым, любовным 'отношением к человеку.
Жан Батист Шарден был наиболее ярким художником от третьего сословия, однако не отвергал и некоторые тенденции живописи рококо, поэтому его нельзя назвать ярым оппозиционером рокайльному искусству. Его жанровые сцены, изображающие хлопочущих по хозяйству матерей и их детей, или натюрморты, составленные из самых простых предметов обихода, выглядят исключительно мирными, однако само его внимание к простым вещам или житейским мотивам явилось смелым вызовом аристократическим вкусам того времени.
Великий французский просветитель Дени Дидро очень высоко ценил Шардена, называя его первым гением нового искусства. Как же велика разница между женщиной, вышедшей из-под кисти Шардена, и ее современницами – женщинами Буше и Натье, кажущимися старательно сработанными куклами. Героини Шардена имеют гораздо большее право представлять эту эпоху во французской истории, хотя бы уже потому, что шарденовских женщин было во много раз больше. Будучи настоящим мастером, Шарден не чуждается привносить в свои работы такие элементы рокайльного стиля, как сентиментальность, элегичность, отчего его персонажи кажутся по-особому живыми и настоящими.
Один из наиболее ярких примеров жанровой живописи Шардена – картина «Молитва перед обедом», написанная в 1740 г. Сюжет картины взят из разряда наиболее любимых художником тихих моментов обыденной жизни: женщина, накрывая стол, приглашает дочерей совершить предобеденную молитву. Девочки уже сложили руки в молитвенном положении, но молится пока только одна из них – та, что сидит лицом к зрителю. Сестра ее смотрит на мать, словно спрашивая о чем-то. Кажущийся с первого взгляда слишком сдержанным колорит Шардена при более пристальном рассмотрении поражает органической связью с содержанием и общим замыслом произведения.
«Прачка» (1737 г.) – еще одна из знаменитых работ Шардена. На полотне за стиркой белья изображена юная прачка. Ее руки механически выполняют привычную каждодневную работу, а задумчивый и немного мечтательный взгляд обращен к невидимому окну, как бы заглядывая в будущее. Все окружающие ее предметы просты и будничны, но благодаря искусству художника выразительно повествуют о тяжелой и скромной жизни людей труда. Деревянный бак, медный таз, глиняная миска переданы художником так трепетно, такими нежными оттенками красок, какими современные ему портретисты передавали тончайшие кружева на одеждах аристократов.
Будучи человеком очень серьезным и целеустремленным, Шарден много работал. Его настойчивый и непрерывный труд вместе с природным талантом принесли ему славу живописца. Особая заслуга принадлежит ему в утверждении жанра натюрморта, работе над которым он посвятил всю свою жизнь. Им была открыта незнакомая прежде область натюрморта – мир домашних вещей. Художник воспринимал изображаемые вещи очень серьезно и уважительно, словно они имели характер, лицо, – он считал их полноценными моделями, которые надо изучать так же усердно и трепетно, как и человеческую натуру. Через изображение этих нехитрых вещей художник стремился показать историю жизни простого люда.
Гипсовая голова Меркурия, инструменты для рисования и черчения, книги в кожаных переплетах, рулон бумаги – вот все детали натюрморта «Атрибуты искусства». Каждый предмет весьма символичен и наделен внутренним смыслом. Меркурий известен как покровитель искусств, рисовальные принадлежности вызывают мысли о высоком статусе рисунка в ряду пластических искусств, книги вводят человека в мир изящного, они – универсальная точка отсчета духовного развития мастера и каждого человека.
Бюст мифологического героя на полотне представляет собой центр композиции. Его голова – сильная и упрямая – словно приказывает другим деталям картины подстраиваться под нее, что и делают коробочка для грифелей, мелки, медный инструмент, свернутые в рулон бумажные листы. Мягкая, упругая форма этого рулона подобна сговорчивому человеку, легко поддающемуся чужому влиянию. Некоторым диссонансом выглядят тяжелые книги с красноватыми переплетами. Неуступчивыми стражами стоят они вертикально по краям холста, словно охраняя этот маленький мирок вещей, ни во что не вмешиваясь и отделив себя от других угловатостью форм и четкостью линий.
Изумительную жизненность предметам натюрморта сообщают отголоски цвета. В белоснежности бюста глаз зрителя различает голубоватые и охристые оттенки. Уголок бумаги бросает на тисненую кожу фолианта зеленоватую тень, а на неполированной доске стола можно различить красноватые отблески книжного обреза. Художник словно хочет испытать свое мастерство, изображая близкие или подобные по фактуре и цвету предметы. Он искусно изображает гладкую белизну мрамора рядом с белой бумагой, а теплую по тону, шероховатую кожу книжных переплетов – на фоне столешницы цвета мореного дуба.
В натюрморте отсутствует палитра художника, но Шарден неспроста уделил столько внимания набору инструментов для рисования. Известны его слова о том, что художническое обучение – один из самых трудных и длительных процессов, в котором рисование так же важно, как первые шаги ребенка. «Атрибуты искусства» – своеобразная дань художника тяжелому труду постижения тайн рисунка.
Кисти Шардена принадлежит еще один натюрморт на тему атрибутов искусств, но если на предыдущем полотне дается перечисление способов работы мастера, то здесь художник определяет путь человека в мир искусства. Бюст Меркурия в окружении закатанных в трубку листов бумаги и увражей символизирует мир искусства, а книги, обрамляющие композицию, – единственное связующее звено между миром искусства и человеческой жизнью и в то же время стены, защищающие от нее этот мир.
Bermakle 18/03/2017Владелец http://healbio.ru/ лох.
AlexMaster 18/04/2017Help ban account Google AdSense. Send an abuse to Google Adsense on the following sites: http://gdenauka.com/ http://hapume.com/ http://indelous.com/ http://usature.com/ http://monforexe.com/ We block this account Google AdSense together.
Elvira 21/05/2017http://www.wttavern.com/
Elviral 05/06/2017https://pregnant.guru/
Semin 06/07/2017http://videochat.bz/
Klamin 02/08/2017http://komp-pomosch.ru/
Sevenday 14/08/2017http://videochat.mx/
https://pl.id-forex.com/
Appeawlpawket 08/09/2017http://lawyers.cafe/
RobertoDob 02/11/2017Кому xevil рекомендуется в первую очередь
Xevil скачать бесплатно полная версия
---------------- русские красавицы кончают онлайн
jivopis.org
Женские образы из коллекции музея.
Приглашаю в Екатеринбургский музей ИЗО.
Зал Западноевропейского искусства XIV-XX в. в. примечателен полотном, принадлежащим кисти Паскуале Челомми (1851 — 1928). Улыбающаяся молодая женщина в ярком народном костюме изображена стирающей белье. Картина так и называется - «Прачка».
Паскуале Челомми, провинциальный итальянский художник второй половины XIX – начала ХХ века, родившийся в маленьком городке Розето-делья-Абруцци на берегу Адриатического моря на востоке Италии. Герои картин живописца – рыбаки, сапожники, торговцы, крестьяне. Он писал также морские и сельские пейзажи той местности, где жил и работал. За светлый колорит его произведений и легкость исполнения другой итальянский мастер и современник Франческо Паоло Микетти назвал однажды Челомми «художником света».Его портретные работы крайне лаконичны. Фигура прачки изображена на фоне побеленной кирпичной стены крупным планом, все внимание автора сосредоточено на женском лице и руках. Итальянка словно на мгновение отвлеклась от своего занятия и смотрит прямо на зрителя. Она одета в национальный костюм, состоящий из рубахи, рукава которой для удобства закатаны наверх, длинной широкой юбки, плотно облегающего фигуру корсажа, передника и шейного платка. Подобные платки, которые носили как женщины, так и мужчины, были распространенной деталью одежды в итальянских деревнях. Художником очень тщательно выписаны все детали: цветочный узор на накинутом на плечи платке, вьющиеся локоны волос, обрамляющие лицо, золотые серьги в ушах, каждая бусина на шее. Челомми намеренно поместил модель на полотнетаким образом, чтобы в центре оказались ее крепкие мокрые руки, написанные удивительно натуралистично.Впервые этот прекрасный образ девушки с натруженными от работы руками увидели посетители выставки, устроенной специально для провинциальных рабочих в 1888 году в городке Терамо провинции Амбруццо в центральной Италии. О чувствах художника к изображенной девушке говорит хотя бы тот факт, что сохранилось более двух десятков картин, изображающих образ этой девушки — музы художника. Вот здесь-то и кроется загадка картины, находящейся в Екатеринбургском музее изобразительных искусств. В отличие от сохранившегося в Италии аналога, на екатеринбургском холсте художник… признался в любви к своей модели! Всмотритесь в фон работы, и вы обязательно увидите «прочерченное» на стене слово « amore ». Эта привязанность к своей модели закончилась в 1928 году, когда художник скончался от почечной недостаточности.
Свердловская картинная галерея приобрела картину художника В 1947 году Назвали в музее ее просто «Прачка». Едва ли не лучшее в уральских собраниях произведение европейского реализма конца XIX века сразу же заняло достойное место в залах галереи. Происхождение картины (сразу после Великой Отечественной войны) наводит на «трофейное» прошлое, ведь сам художник часто продавал свои работы заказчикам Мюнхена и Берлина. Художник не просто нарисовал на картине понравившуюся девушку, он нарисовал свою землячку, ведь его родиной тоже была щедрая земля Амбруццо. Ко времени написания работы у него за плечами уже была учеба в Академии изящных искусств во Флоренции. Художника Челомми Паскуале наградили за его «Прачку из Терамо» на Международной итало-американской выставке в Генуе в 1892 году. Ныне же эта работа 1888 года хранится в Национальном музее Абруцци в Неаполе. Именно тогда-то в Генуе вероятнее всего и заказали ему авторское повторение. А вот эскиз к этой работе приобрела Пинакотека «V. Bindi».
Эскиз картины «Прачка из Терамо», 1888 г.
Второй зал отдан на откуп русскому искусству первой половины XIX века. Одна из самых известных картин, представленных здесь, – «Девушка с папиросой» Петра Заболоцкого.
Девушка с папиросой, 1830-е
Заболотский Петр Ефимович (1803-1866), русский живописец, художник-портретист, автор жанровых сцен, близких венециановской школе. Родился в 1803 году в семье мещанина в городе Тихвин. Уже в раннем детстве у Заболотского проявилась тяга к рисованию. Но родные не одобряли увлечения мальчика. Подростком Заболотский подрабатывал коробейником, потом устроился приказчиком. Путь будущего живописца в большое искусство был нелегким. Заболотскому крайне повезло, что в жизни ему удалось встретить известного мецената, собирателя и ценителя картин русских живописцев Алексея Романовича Томилова, который был дружен со многими известными художниками той поры. Томилов помог сыну мещанина поступить в 1826 году в Академию Художеств сначала в качестве вольноприходящего ученика, затем и окончить официальный курс обучения живописи. Учителями Заболотского в Академии были художники Александр Григорьевич Варнек и Алексей Егорович Егоров. Сильное влияние на формирование Заболотского, как художника, оказали Орест Адамович Кипренский, Алексей Гаврилович Венецианов и особенно Василий Андреевич Тропинин.Петр Заболотский писал скромные правдивые портреты.
Мужской портрет, 1827,Тверская картинная галерея
«Портрет девушки в красном бархатном платье» 1842 Холст, масло 67х53,2 Государственный Русский музей
В 1836-1837 Заболотский обучал рисованию Михаила Юрьевича Лермонтова. Молодой поэт познакомился с Заболотским у своих родственников Философовых в Петербурге и, став офицером лейб-гвардии Гусарского полка, брал у художника уроки живописи.
Заболотский П.Е. Михаил Юрьевич Лермонтов, 1837, Третьяковская галерея.
В 1842-1848 годах Заболотский преподавал в Рисовальной школе общества поощрения художеств. В 1857 году за большой вклад в развитие бытового портрета Петр Ефимович Заболотский был удостоен звания академика. Картины художника, представленные во многих музеях России и за ее пределами, подтверждают высокую степень таланта Заболотского и его заслуги перед русским искусством.
В самом большом по размерам зале, третьем, царит искусство второй половины XIX века. Передвижники и академисты, маринисты и пейзажисты. Обращают на себя внимание красочное, полное трагизма полотно Константина Флавицкого «Княжна Тараканова».
Флавицкий К.Д. Княжна Тараканова. 1862 ЕМУИЗО
Константин Дмитриевич Флавицкий (1830-1866) остался в истории русского искусства «художником одной картины». Отчасти это обусловлено его короткой жизнью, но в гораздо большей степени – необыкновенно серьезным и требовательным отношением к собственной живописи. Свидетельством этого являются этюды, эскизы и варианты прославившей автора «Княжны Таракановой», которые находятся ныне в различных музейных собраниях. За это полотно художнику было присвоено звание профессора исторической живописи, а в собрании известного коллекционера Павла Третьякова картина стала первым произведением на историческую тему.Сюжетом своего большого холста Флавицкий избирает одну из легенд, связанную с именем мнимой княжны Таракановой. В 1774 году она появилась в Риме, объявив себя дочерью императрицы Елизаветы Петровны и ее фаворита А.Г. Разумовского и заявив о своих правах на русский престол. Властвующая императрица Екатерина II направила в Италию графа Алексея Орлова, который хитростью доставил иноземную авантюристку в Петербург. Ее заточили в Алексеевский равелин Петропавловской крепости, где она умерла от чахотки в 1775 году. С такой версией Флавицкий мог познакомиться в статье М. Логинова из журнала «Русская беседа» за 1859 год. В действительности самозванка именовалась принцессой Владимирской, но народная молва присвоила ей титул княжны Таракановой и приписала гибель не от болезни, а во время печально знаменитого наводнения 1777 года, когда вода затопила тюремные камеры Петропавловской крепости, унеся жизни многих узников. Флавицкий сознательно берет за основу своего сюжета именно это предание, позволившее усилить драматический эффект происходящего и внести в картину гибели одной из политических жертв екатерининского царствования ассоциативную связь с арестами начала 1860-х годов молодых демократов, выступивших против существующего самодержавия.«Княжна Тараканова» (1862) из собрания Екатеринбургского музея является первоначальным вариантом знаменитого полотна. Различия между ними заключаются не только в размере холста, но и в самой образной трактовке – вариант 1862г. несколько меньше, а в лице и фигуре молодой женщины еще нет того захватывающего трагизма и последнего отчаяния, которые и сейчас заставляют зрителей замирать перед полотном в зале Третьяковской галереи. 
Княжна Тараканова. 1864 Холст, масло. 245 × 187 см Государственная Третьяковская галерея
Хотя легенда о гибели Таракановой от наводнения не соответствует действительности, благодаря Флавицкому именно эта версия её смерти закрепилась в народной памяти. Например, в стихотворении «Душа» Борис Пастернак пишет: «ты бьешься, как билась княжна Тараканова, когда февралём залило равелин».
Любого поразит драматизм и натуральность этого произведенияНа картине мы видим Тараканову, стоящую на почти ушедшей под воду кровати, на которую в надежде спастись забираются крысы. Она, в отличие от них, прислонилась в полной безысходности к стене и, закрыв глаза и направив лицо к небу, ждет своей неминуемой участи. О чем она думает? Скорее всего – раскаивается, жалеет не прожитую жизнь. Основа картины – сильные контрасты, как цветовые, так и в деталях: роскошное прошлое, в котором «княгиня» ни в чем себе не отказывала, и от которого осталось лишь роскошное платье, противопоставлено сущности унылого настоящего.А дышащее красотой и жизнью тело девушки контрастирует с приближающейся гибелью и ужасом, который застыл на ее лице. А как живописно автор картины выделяет яркое одеяние княжны и ее одеяло, сверкающее в солнечных лучах, на фоне мрачного и тусклого колорита, что делает картину еще трагичнее: вот он – отрывок из оборванной из-за собственной же ошибки жизни девушки, которая окружена смертью со всех сторон.
Картина Флавицкого в свое время вызвала большое недовольство царской семьи из-за разглашения истории, которая тщательно скрывалась от общественности, причем в такой форме. Но, несмотря на это, мастерски написанное полотно, в котором больше человечности, выразительности и правды, чем чего-то, хоть отдаленно бросающего тень на известную фамилию, не было уничтожено.
И последний женский портрет.
Илья Ефимович Репин: Женский портрет (Е. Д. Боткина). 1881
Илья Ефимович Репин – выдающийся русский художник и наставник целой плеяды талантливых художников, таких как В.А. Серов, Б.М. Кустодиев, И.Э. Грабарь, Ф.А. Малявин. Работая в самых разных жанрах живописи - историческом, бытовом, портретном, мастер создал немало произведений, ставших знаковыми для русского искусства.
Наряду с портретами замечательных деятелей искусства и культуры, Репин написал большое количество заказных портретов, в которых также проявил себя как непревзойденный мастер-реалист. «Портрет Елизаветы Дмитриевны Боткиной» был создан художником в 1881 году. Изображенная на нем особа являлась дочерью известного предпринимателя и коллекционера Дмитрия Петровича Боткина, племянницей Афанасия Афанасьевича Фета. В 1889 году Елизавета Дмитриевна вышла замуж за инженера Константина Густавовича Дункера, получив от Фета написанное по случаю бракосочетания любимой племянницы поздравительное послание. Чета Дункер вошла в историю русского искусства тем, что супруги «открыли моду на живопись М.А. Врубеля», решив украсить ею стены своего особняка на Поварской улице в Москве. Но все эти счастливые события и хлопоты по устройству семейного гнезда еще впереди, пока же с репинского портрета на нас внимательно смотрит привлекательная своей молодостью девушка в бело-голубой пене платья, богато украшенного кружевами и цветами. Свежесть и естественность модели превосходно переданы мастером, они подчеркиваются внимательно написанными деталями эффектного туалета героини и преобладающими на холсте светлыми и легкими тонами. Здесь все дышит гармонией, красотой и покоем, а взятые из отцовской коллекции роскошные аксессуары и старинное массивное кресло, в котором так непринужденно сидит юная модель, намекают на ее принадлежность к богатому и почтенному семейству.
И ещё одна работа Репина, не совсем по теме. В начале августа в музее была репинская неделя. И посетителям музея очень понравилось это произведение, особенно юным.
В собрании музея находится написанный в 1894 году своеобразный портрет домашнего питомца художника – собаки по кличке Пегас.
Несмотря на то, что Репин не был анималистом, немало рисунков и живописных произведений он посвятил своему любимцу - все они отмечены особым проникновенным чувством и подлинным мастерством.
vladimir71.mirtesen.ru
Картины, описание картин — Прачки 1895 *
Опи сание картины Абрама Архипова: Прачки.
Свой творческий путь в области жанровой живописи А. Е. Архипов осуществлял, рисуя разнообразные эпизоды из жизни крестьян. Полотно «Прачки», раскрывающее тему тяжёлого, изнурительного труда, Архипов начал в конце 1890-х годов и закончил в 1901 г. За это время было создано два варианта картины. Работа «Прачки» является одной из самых известных и одновременно одной из наиболее важных в творчестве художника.Картина была задумана в Москве и вдохновлена посещением прачечных, располагавшихся неподалёку от Смоленского рынка. Однако для позирования было выбрано другое место – угол в мастерской Архипова, где освещение соответствовало подвалу прачечной.Первый вариант полотна охватывает большее количество фигур, второй более лаконичен. В первом варианте группа прачек образует композиционный круг и выглядит как единое целое. Мастерство художника передаёт их изнеможение, вызванное непомерным трудом, а эффект движения достигается через использование рефлексов света, играющего на мокрых поверхностях предметов и бледных лицах женщин. Во втором варианте картины тема тяжёлого труда раскрывается через образ старухи-прачки, сидящей возле корыта с бельем и сгорбившейся от усталости.Колорит картины стоится на оттенках серого, пурпурного и сиреневого цветов. Широкие мазки передают блеск мокрого пола, насквозь пропитанный влагой воздух, клубящийся вокруг прачек пар и бледное освещение из крошечного окошка, край которого виден на картине.В полотне «Прачки» в первую очередь прослеживается социальный мотив: предельная усталость от тяжёлой работы и осознание безвыходности своего положения, вызывающее у женщин ещё и душевную тоску, чувство безысходности и апатии. Кроме социального подтекста, в картине реализуется новая художественная манера: обобщенность формы, почти полный отказ от детализации в изображении, работа широкими мазками и стремление к свободному письму.
www.art-drawing.ru
Репродукция картины "Маленькая прачка" Поля Гогена
Интернет-магазин BigArtShop представляет большой каталог картин художника Поля Гогена. Вы можете выбрать и купить понравившиеся репродукции картин Поля Гогена на натуральном холсте.
В возрасте 17 лет он вместе с командой торгового судна совершил несколько долговременных морских путешествий.
Когда ему исполнилось 23, начал строить весьма успешно деловую карьеру в Париже. Финансовое благополучие позволило Гогену заняться коллекционированием произведений импрессионистов.
В плане художественного образования он получил несколько уроков у Камиля Писсаро.
В 1883 он оставил коммерческую деятельность, решив посвятить себя живописи; это привело к нищете и разрыву с семьей.
Как художник он нуждается в уединенной жизни в гармонии с природой.
В 1887 Гоген отправляется на остров Мартиника. Затем некоторое время проводит в Бретани. Лучшие пейзажи Гогена и картина «Желтый Христос» относятся к бретонскому периоду творчества.
Гоген становится лидером нового направления - синтетизма, по-новому используя цвет и форму, смело очерчивая объекты, упрощая образы, сопоставляя большие участки чистого цвета для достижения эмоционального эффекта.
В конце 1888 Гоген провел несколько месяцев в Арле вместе с Ван Гогом. Здесь Гоген создал несколько прекрасных рисунков и полотен, но пребывание в Арле закончилось ссорой, во время которой Ван Гог отрезал себе ухо; вскоре Гоген уехал из Арля.
В начале 1891 Гоген устроил аукцион своих работ, чтобы на вырученные деньги совершить путешествие на остров Таити. Гоген ненавидел буржуазное общество и в возрасте 43 лет он решил уехать подальше от цивилизации. Остров Таити стал его второй родиной, но болезнь и нищета заставили Гогена в 1893 вернуться в Париж. Двумя годами позже он вновь приехал на Таити. На этом острове он написал более сотни картин.
В 1898, практически без средств к существованию, в полном отчаянии, Гоген пытался покончить с собой. В 1901 он перебрался на остров Доминик (Маркизские острова), где, больной и одинокий, умер 8 мая 1903.
Помимо картин Гоген оставил литературное наследие, которое включает его дневники и письма, исследования таитянской культуры и мифов, мемуары До и После. Гоген писал также критические статьи в периодические издания и основал на Таити сатирический журнал.
Текстура холста, качественные краски и широкоформатная печать позволяют нашим репродукциям Поля Гогена не уступать оригиналу. Холст будет натянут на специальный подрамник, после чего картина может быть оправлена в выбранный Вами багет.
bigartshop.ru
