Музей ЧерномырдинаФарфоровые и керамические картины и панно. Картины фарфоровые
Фарфоровые и керамические картины и панно
Картины и панно позволяют подчеркнуть стиль интерьера, придать ему особую изысканность и уникальность. Дизайнеры прекрасно знают насколько важен декор для создания и поддержания определенной атмосферы. Всего несколько акцентов способны невероятным образом преобразить помещение. Классическим примером могут служить фарфоровые картины. Немецкие дизайнеры и художники воплощают в них свои задумки, декорируя картины дорогим и в то же время невероятно изысканным золотым рисунком в виде дерева или женского образа.
Не меньшего восхищения достойны керамические картины, выполненные по эскизам итальянских дизайнеров. В своих работах они в очередной раз подчеркивают изящность цветов, наполняя картины изысканными букетами из роз и нежными орхидеями.
Настенное керамическое панно станет достойным дополнением гостиной комнаты или спальни. Красивая рамка и цветовая гамма, выгодно подчеркивающая убранство помещения, дают возможность преобразить помещение, придав ему более дорогой вид или, напротив, более простой, что во многом зависит от целей дизайнера. Так, для стилей Ампир и Барокко керамические и фарфоровые панно должны отличаться богатым оформлением: репродукции известных картин, цветы и прочие изображения, обязательно помещаются в дорогую рамку с витиеватыми формами и драгоценным напылением. Напротив, интерьер загородного дома не требует подобных изысков, а декор отличается большей простотой и легкостью.
Решив купить керамическое панно, подумайте о его роли в декоре вашего дома. Ошибочно полагать, что простое панно будет слишком незаметным на фоне незамысловатого интерьера, например, в стиле Прованс. Ненавязчивая простота панно станет для него идеальным дополнением, но будет слишком невзрачна для Ампира, где каждый элемент декора должен быть отражением роскоши и богатства.
Керамические, фарфоровые картины или панно станут замечательными подарками на юбилей, свадьбу и любое другое торжественное событие. Такой подарок непременно обрадует своего владельца, ведь ничто так не украшает помещение, как красивая картина.
В этой категории нет товаров.
do-mi-k.ru
300 лет и три года. МЕЙСЕНСКАЯ ФАРФОРОВАЯ МАНУФАКТУРА. Часть II
Читайте:фарфор Мейсен скульптура "Играющая в мяч"."Шоколадница" MEISSEN„Schneeballdekor“- декор "снежный ком"(снежные лепестки).Zwiebelmuster-что такое луковый орнамент и др.До сих пор не понимаю, как устроен данный сайт.Для того, чтобы можно было открывать и рассматривать картинки одну за другой,лучше читать данный пост здесь:http://n-dank.livejournal.com/56109.html
В этой технике рисунок наносят на поверхность тарелки через шаблон, порошок проникает сквозь крошечные отверстия(1) и оставляет точечную разметку орнамента на поверхности(2). Подглазурными красками наносится рисунок(3). На экспонате (4) половина тарелки покрыта глазурью, которая после обжига при температуре 1400 градусов становится прозрачной, меняют после высокотемпературного обжига свой цвет и подглазурные краски(5). Порошок- это толчёный древесный уголь. Подглазурные краски быстро впитываются и не смываются, подкорректировать рисунок очень сложно.Фарфор покрывают глазурью (неглазурованный фарфор называется бисквитным) и расписывают надглазурными красками. Глазурь — стекловидное покрытие на поверхности керамического изделия. Живопись по глазурованному фарфору имеет существенные преимущества, ошибочно нанесенный мазок можно легко смыть (скипидаром?) или аккуратно стереть тряпочкой. В Мейсенской мануфактуре используют более 10000 различных красок, рецептуру изготовления которых держат в секрете. Многоступенчатый обжиг сложных изделий длится порой неделю. Глазурью изделия покрывают дважды. Помимо исходного сырья важную роль играет и высокая температура обжига - 1400 градусов (обычный обжиг производится при температуре 950 градусов), поэтому у мейсенского фарфора такая высокая плотность, белизна, такими насыщенными и яркими выглядят краски.
следующие шесть картинок были загружены в фотоальбом ЖЖ, но пропали, восстанавливаю картинки 31.10.13Всего за ночь пропало 11 фотографий...
Две фотографии- фарфоровые цветы, образцы. Музей при мануфактуре.
Кисточки беличьи, причём белки наши, сибирские. Спросила, мол, что ж это в Германии своих белок мало:)Не тот мех, не тот, без наших сибирских белок никуда, встанет производство.
Kugelspielerin, высота 30 и 36 см. Игра в мяч, "Играющая в мяч", скульптур Walter Schott, модель 1900 года. Пока юная красавица предпочтительнее появляется в зелёном, но есть варианты и голубых одежд.*Если быть точным: Kugel- это шар, ядро.
в магазине мануфактуры
Так выглядит золотое покрытие: до и после обжига (изменение цвета) и отполированное.Тарелочка- музейный экспонат.
В мае 2013 года на аукционе Sotheby’s в Лондоне фарфоровая скульптура обезьяны (в натуральную величину), одна из ранних работ Johann Joachim Kändler(а) 1732 года, была продана в два раза выше заявленной ориентировочной цены: £ 200.000 – 400.000, а именно, за £ 818 500 ( € 968 828). Обезьяна нюхающая табак была когда-то сделана для Августа Сильного, она пополнила коллекцию фарфоровых скульптур знаменитого зверинца в Японском дворце Дрездена. В настоящее время известны две другие копии, одна находится в Амстердаме, а другая в Дрездене.А эта пара цапель 1731 года, также выполненная для Японского дворца в Дрездене, на аукционе Christie’s 2005 года в Париже была продана за $6.8 миллионов долларов. Одна из таких цапель (правая) сейчас украшает музей фарфора при мануфактуре,вторую заменяет белоснежный павлин.
Скульптура обезьяны "Affe mit Dose" высота 49 см
Johann Joachim Kändler, Gottlieb Kirchner и другие мастера мануфактуры в Мейсене создали в общей сложности порядка 500 фарфоровых фигур животных для зверинца Августа Сильного. В процессе работы возникало множество проблем, особенно с крупными экземплярами, высотой до метра. Фарфор при обжиге давал трещины. Из-за риска получения трещин мастера отказались от повторного обжига, данная проблема не позволила раскрасить зверей надглазурными красками. Фигуры животных остались белыми: Viele Tiere, die erhalten werden konnten, sind weiss, da das das Risiko diese mit Aufglasurfarben zu bemalen und dann im Ofen ein zweites Mal zu brennen, zur gross war. Были попытки "холодной" росписи с использованием масляных красок, но такой способ оказался недолговечным.
"Легенда о создании этой картины такова: в 1745 году австрийский аристократ князь Дитрихштайн (Dietrichstein) зашёл в венскую кофейню, чтобы попробовать новый шоколадный напиток, о котором так много шло разговоров в это время. Его официанткой оказалась Анна Бальтауф (Anna Baltauf), дочь обедневшего дворянина Мельхиора Бальтауфа. Князь был покорён её обаянием, и, несмотря на возражения своей семьи, он взял девушку в жёны. «Шоколадница» стала свадебным подарком для новой княгини, заказанной молодожёном у модного швейцарского художника Лиотара. Портретист изобразил невесту в костюме служанки XVIII века, увековечив любовь с первого взгляда. (Именно эта версия, настоящая история золушки, была популяризирована в буклетах компании Baker).
Согласно другой версии, будущую княгиню звали Шарлотта Бальтауф, её отец был венским банкиром и картина написана в его доме — как гласит надпись, сохранившаяся на копии картины, хранящейся в Лондоне в «Orleans House Gallery». Также встречается вариант, согласно которому это был не заказной портрет, а картина, написанная по собственному желанию художника, поражённому красотой девушки, камеристки императрицы Марии-Терезии, по имени Бальдуф, ставшей позже женой Иосифа Венцеля фон Лихтенштейна. В любом случае, личность модели точно не установлена.
С 1765 года картина находится в Дрезденской галерее. Во время Второй мировой войны картина была перевезена нацистами в крепость Кёнигштайн, где была найдена советскими войсками." (с)
Известная картина швейцарского художника XVIII века Ж.Э. Лиотара (Jean-Étienne Liotard 1702-1789), изображающая служанку, несущую на подносе горячий шоколад, выполнена в технике пастели на пергаменте в 1744 году. По мотивам этой картины в 1843 году мастера Мейсенской мануфактуры изготовили фарфоровую статуэтку " Schokoladenmädchen". Шоколадница MEISSEN приглашает Вас на горячий шоколад, сделанный по оригинальному рецепту 18 века в ресторане MEISSEN.
Картина "Шоколадница" (82.5 × 52.5 см) и фарфоровая статуэтка в магазинчике при мануфактуре Мейсен.
Данная фарфоровая фигурка, украшающая витрину музея, выполнена около 1920 года.Музейный экспонат 1920 года — фотографировала со вспышкой, получился блик, напоминающий пар над кружкой, ну, о-очень горячий шоколад:) И ещё две фотографии современных шоколадниц, выставленных на продажу, большие по 6700, маленькие (покупательница решила рассмотреть поближе) по 3707 евро.
EustachiusЕвстафий Плакида, человек высокого и славного рода, был язычником, но украшал себя праведными делами, кормил голодных, поил жаждущих, одевал нагих, помогал бедствующим. Была у него жена, тоже язычница, но, как и он, творила она добрые дела. У них родились два сына, и они воспитали их в тех же добрых обычаях. Он был храбрый воин и искусный охотник и всегда развлекался охотой. ...однажды Плакида отправилсяна охоту и увидел он оленя, самого крупного и самого красивого во всем стаде, и отделился тот олень от стада, пока его преследовали, все обессилели, и Плакида один продолжал гнаться за оленем. Долго гнал он оленя, вдруг олень вскочил на высокую скалу и стал на ней. Над рогами оленя показался святой крест, светящийся как солнце, и между рогами — образ святого тела Христова...
Johann Joachim Kaendler разработал около 80 композиций на религиозные темы. Он был сыном протестантского пастера.
фотографии увеличиваются правой мышиной кнопкой(к сожалению, в ЖЖ невозможно увеличить и рассмотреть фотографию простым щелчком мышки, после просмотра необходимо возвращаться и открывать пост заново, не знаю, кто это всё придумал)
Вот ещё один музейный экспонат, увы, не знаю названия этой огромной (под два метра) фарфоровой вазы.Тут, как говорится, ангелочки в натуральную величину...
Две фарфоровые статуэтки из музея. Количество их огромно и все достойны внимания.Все фотографии можно увеличить и рассмотреть при желании.
Как правильно ловить мышку. Наглядное пособие от мануфактуры Мейсен всего за 4545 евро.
Императрица Екатерина II сделала заказ Мейсенской мануфактуре на изготовление сорока фигурных композиций из фарфора. Изделия предназначались для кабинета в павильоне на Катальных горках дворцово-паркового ансамбля в Ораниенбауме (Ломоносове). Над этим "Большим русским заказом" с 1772 по 1775 год работали мастера J.J.Kaendler (1706 – 1775) и Michel Victor Acier (1736–1799).Сфинкс, мастер Michel Victor Acier, модель 1774 года, экспонат 1880 года. Музей.Не какой-нибудь там, а русский сфинкс.
Можно купить. Вес 2770 грамм. Высота 22,5 см. Поставки ограничены до пяти штук в год.В данном случае краски подобраны как в музейном варианте...цвет волос ангелочка отличается,но ангелочек пересажен с правой стороны на левую, значит, и такие вариации допускаются (или это парный вариант).
В 1776 году Екатерина II заказала на мануфактуре фигурное изображение своей любимой собачки левретки Земиры. Мастерам было отправлена картина с изображением животного и его описание.Фарфоровая левретка Земира в натуральную величину, сидящая на подушечке на приступке турецкого дивана в Парадной опочивальне императрицы в Большом Петергофском дворце, выглядит вот так :
Но является ли именно эта фигурка собаки, выставленная в Диванной Большого Петергофского дворца, работой мастеров Мейсенской мануфактуры, я не знаю. Есть предположение, что данную статуэтку изготовили петербургские мастера.
Вероятно из-за шикарной подушки, на которой разлеглась собака, в сети перепутали левретку Екатерины II и вот эту фарфоровую статуэтку собаки, фотография музейной витрины (в музее есть и другой вариант в цвете). Это не левретка, у неё хвост пышный.
На сайте мануфактуры данный экземпляр ↑ проходит под незатейливым названием "Russischer Windhund" — русская гончая. О Екатерине II на табличке рядом с музейным экспонатом не упоминается. Мастер J.J.Kaendler.
Это тоже экспонат музея при мануфактуре, вариант в цвете, видна табличка.
Но аукционное описание утверждает, что это ↓ любимая собака Екатерины II:A porcelain model of Empress Catherine II's favourite dog MEISSEN, SECOND HALF 19TH CENTURY 43 cm. long Продана за 11.250 евро.
"В те времена, когда фарфоровые пастушки с нотными листами в руках пасли фарфоровых овечек среди фарфоровых цветов..."(с)Пасторальные сцены. Музей.На переднем плане- мастер Leuteritz, Ernst August (1818-1893) (с его вазы "Флора" я начинала рассказ)"Schäferpaar" Пастух и пастушка.18.5 cm
конечно, вся эта красота приумножается и продаётся и сегодня.
крупный такой план
Ещё часики. Раз уж знаю автора, пусть будут и часики.Uhr „Die vier Elemente“Friedrich Elias Meyer, 1750-60
Четыре элемента, рыжий-рыжий, конопатый- это огонь. Магазин мануфактуры.
они всё-таки очень разные, можно сравнить с рекламным фото
ещё вариант
Четыре элемента „Die vier Elemente“. Вазы достаточно большие, я бы сказала, метр высотой.Modell Johann Joachim Kaendler + Johann Friedrich Eberlein, 1742Время создания 1870-1924. Музей при мануфактуре.Все фотографии можно увеличить и рассмотреть.Воздух и Огонь.
Земля и Вода.Если увеличить фотографию, то можно рассмотреть рельефные изображения парусников, очень красиво.В музее я этого не заметила, рассматривала Нептуна и русалочку.
Эти четыре вазы (высотой от 60 см) производятся мануфактурой и сегодня.Всяческие аллегории искусств, наук, добродетелей - любимая тематика мейсеновского фарфора, в лучших традициях XVIII века .
Johann Joachim Kändler Боевой слон. Фото- музей Мейсен. Из серии "Большой русский заказ"
слоны смотрятся в паре, это фото из сети, аукционное, указана дата 19 век.
Чашечки, тарелочки, сервизы...Не могу объяснить, вообще-то мне очень нравятся фарфоровые чашечки,но в магазинчике при мануфактуре я даже в руки ни одну не взяла. Китайских драконов пусть уж на тарелках рисуют сами китайцы, при всём уважении. На моих фотографиях эти изделия попали в кадр. Современный дизайн не понравился совсем.Поняла, что изобилие золота на чашках мне тоже (почему-то) не нравится.Вот такое нравится! Но такого в продаже не предлагалось.Всё-таки лучше фирмы Мейсен цветочки из фарфора никто не делает.
Meissen, 1860-1924. Фото из сети.
Луковый орнамент.
Луковый орнамент, используемый в подглазурной росписи фарфора, был получен комбинированием растительных орнаментов восточно-азиатского стиля. В Мейсенской мануфактуре орнамент был разработан в 1730 году, примером послужили образцы китайского бело-голубого фарфора династии Мин, датируемые приблизительно 1400 годом. Популярность данного орнамента не всегда была столь высока, например, почти не производились изделия с луковым орнаментом в период 1790-1830 г.г. Начиная где-то с 1860 года данный орнамент входит в моду, в аристократических кругах Германии считалось хорошим тоном иметь дома такую посуду. Название "луковый"- Zwiebelmuster получилось в результате ошибочной интерпретации, изображение граната на китайских вазах и тарелках было принято за луковицу, отсюда и название орнамента, оно вошло в обиход начиная с 1850 года, до 1850-го использовались термины „ordinaire Mahlerey“ или „ordinair blau“- обычный голубой.Тарелочка аукционная. Meissen um 1860 Zwiebelmuster mit GoldrandНа салфетке хорошо видны луковицы, те которые на самом деле гранаты.
вот хороший пример, аукционная супница Meissen конца 19 века с луковым орнаментоми корзинки для специй.
MEISSEN® steigt in die TOP 10 der deutschen Luxusmarken.Август 2013 MEISSEN® попадает в 10-ку немецких люксовых брендов, положение значительно улучшилась, по сравнению с прошлым годом MEISSEN® в рейтинге поднялся с 15-го места на 10-е.
И ещё. Когда-то всё началось с того, что китайский фарфор поразил воображение европейцев, он был принят в Европе со всеми возможными почестями. 300-лет назад европейцы решили разгадать тайну китайского фарфора и это им удалось. Зимой 2013 года в Китае открылся первый бутик фирмы MEISSEN®...
Schneeballblüten. Снежные лепестки.
Johann Joachim Kaendler в 1739 создал декор „Schneeballdekor“ -снежный ком, в немецком языке Schneeball- это ещё и калина с мелкими белыми цветами, похожими на цветочки, которыми усыпаны ваза и чайник. August III( 1696 -1763)- сын Августа Сильного в 1739 году порадовал новинкой Марию Жозефу Австрийскую- Maria Josefa (1699—1757).
Чайник выпущен к 300-летнему юбилею, в 2009 году. Поставки ограничены до 50 чайников в год, чайник увесистый- 2430 грамм и высотой 29 см. Ваза высотой 53 см весит 4860 грамм, это современное изделие, прототипом ей послужила старинная ваза, созданная около 1750 года, мастер Johann J. Kaendler.На французский манер данный декор называется- «буль-де-неж» (boule de neige).Декор очаровал прусского короля Фридриха Великого (Friedrich der Große )и в 1760 году он заказывает шесть фарфоровых ваз в мелкий цветочек.
Показалось интересным объединить эти две картинки. Сервиз, модель которого была впервые создана в 1740 году, а рельефный орнамент с изображением сливы (Prunusblütenrelief ) разработан в 1710-1712 году.И открытие в Берлине юбилейной выставки , посвящённой 300-летию мейсенского фарфора, апрель 2010. Вот он, чайник, усыпанный цветами калины.На фото: Dr. Christian Kurtzke, Vorsitzender der Geschäftsführung der Staatlichen Porzellan-Manufaktur MEISSEN® und Sachsens Ministerpräsident Stanislaw Tillich.
Исторические фотографии © archiv Meissen
фрагмент фото и почтовая открытка 1910 года в ознаменование 200-летия со дня основания завода Мейсен.Скульптура "Ирающая в мяч".
Помимо двух непрямых цитат из русскоязычной wiki ("..."), для подготовки поста мной были использованы данные с сайта Мейсенской мануфактуры http://www.meissen.com/de (рост вес цена изделий, рекламные фото на белом фоне), газетные статьи (перевод мой), фрагменты прослушанной мной экскурсии и мои фотографии (на зелёном фоне и с зелёным ободком, в том числе все фотографии музейных экспонатов из музея при мануфактуре, фотографии сделаны с официального разрешения сотрудников музея).Уследить за постоянно пропадающими из ЖЖ фотографиями я не могу
Эти два поста о мейсенском фарфоре можно прочитать и здесь:http://weblog.33bru.com/blog.kommentar.23954033.htmlhttp://weblog.33bru.com/blog.kommentar.23954064.html
n-dank.livejournal.com
Тарелки художников. Коллекционирование и инвестиции
Сегодня керамика и художественный фарфор могут быть предметами роскоши, символами статуса владельца, а некоторые экземпляры — это уже настоящие произведения искусства. Их любят коллекционеры, в них инвестируютО былой утилитарности этих предметов напоминает лишь их форма — тарелки, пластины, вазы, пасхальные яйца. Сегодня керамика и художественный фарфор могут быть предметами роскоши, символами статуса владельца, а некоторые экземпляры — это уже настоящие произведения искусства, которые рождаются на стыке живописи, графики и скульптуры.
Многие знаменитые художники обращались к росписям фарфоровых изделий — из любопытства или в стремлении расширить свой творческий диапазон. Например, в начале ХХ века Пабло Пикассо или Жан Кокто расписывали тарелки в своей фирменной узнаваемой манере, век спустя поэт и писатель, а также художник и скульптор Тонино Гуэрра создавал керамические тарелки, населяя их растениями и животными. Коллекционеры полюбили эти предметы. Но в целом в Европе эти эксперименты, по мнению ряда искусствоведов, так и не вышли за рамки поиска новой декоративности. Совсем по-другому сложилась история художественных произведений из фарфора в России.
Начнем немного издалека.
Фарфор — это вид керамики из смеси каолина, кварца и полевого шпата. Для придания блеска и украшения его часто покрывают глазурью и расписывают красками (не обязательно в этом порядке). Не покрытый глазурью фарфор называется бисквитом, а белая, еще не расписанная фарфоровая заготовка — бельём.
Секрет производства фарфора, изобретенного в Китае в VII веке нашей эры, местным мастерам удавалось сохранять вплоть до XVIII века. Лишь в 1708 году европейские ученые сумели изготовить свой фарфор. А в России рецепт фарфора был заново открыт в конце 1740-х годов Дмитрием Ивановичем Виноградовым (1720–1758) — современником Ломоносова, работавшим на Санкт-Петербургской мануфактуре (в дальнейшем — Императорский фарфоровый завод, после революции — Государственный фарфоровый завод (ГФЗ), затем — Ленинградский фарфоровый завод (ЛФЗ)).
Именно ЛФЗ принадлежит одна из главных ролей в возникновении самого знаменитого явления в русском фарфоре ХХ века — агитационного фарфора, не имеющего аналогов в мировом искусстве. (Самым близким к нему по значению можно, пожалуй, назвать керамику революционной Франции времен буржуазной революции 1789 года. Тогда на поверхность тарелок, блюд и прочей посуды переносились сюжеты политической и социальной сатиры — символы трех сословий, образы Мирабо, бдительного галльского петуха, сидящего на пушке, и другие подобные сюжеты. Однако по исполнению эта посуда имеет с агитфарфором очень мало общего. Это все же больше перенесение готовых карикатурных рисунков с бумаги на керамическую (фаянсовую) поверхность.)
Агитационный фарфор стал той точкой, в которой естественно, т. е. закономерно и без принуждения, сошлись искусство и идеология своего времени.
С художественной точки зрения в агитационном фарфоре (в первую очередь, конечно, это тарелки и блюда, но не только они) воплотились идеи русского авангарда первой трети XX века. Художники-авангардисты стремились показать, что искусство не предназначено лишь для отдельных слоев общества, приблизить его к народу, ввести в каждый дом, привить людям вкус к прекрасному. Фарфоровая посуда в качестве носителя произведения искусства как нельзя лучше отвечала их целям. К тому же красивая посуда, если таковая была в доме, исторически играла роль статусную, т.е. в новых условиях она не требовала привыкания.
Вместе с тем «искусство есть колоссальной силы воспитательное средство, — считал А. В. Луначарский. — Это есть, быть может, самая могучая форма агитации, какая когда-либо существовала». И вот в не самой грамотной стране — фарфоровая посуда оказалась новаторским агитационным средством. Ей поручалось ни больше ни меньше как преобразить жилище рабочего и сделать дом советского человека как можно более соответствующим новой политической системе и идеологии.
Уже в 1917 году перед Государственным фарфоровым заводом была поставлена задача «помочь преобразить обстановку жизни людей». Для ее решения, для создания фарфоровых произведений были задействованы не только заводские художники (Сергей Чехонин, Зинаида Кобылецкая и др.), но и приглашены лучшие мастера своего времени. В петроградских газетах 1917 года можно найти сведения о том, что к участию в художественных работах для завода были привлечены Алексей Карев, Владимир Козлинский, Ксения Богуславская, Иван Пуни, Владимир Конашевич, Павел Кузнецов с группой его учеников и другие художники. Известно, что ГФЗ сотрудничал также с Николаем Суетиным, Натаном Альтманом, Иосифом Школьником, Владимиром Лебедевым, Владимиром Татлиным, Василием Кандинским, Давидом Штеренбергом.
Формы сотрудничества художников с заводом были разными. Большинство приглашенных авторов ограничивалось созданием эскизов, поскольку техника росписи фарфора предполагает наличие специальных навыков, отличных от умений художников-станковистов. При этом они часто работали в привычной для них станковой манере, вписывая в условный круг тарелки свои живописные и графические работы (и лишь немногие ставили своей задачей связать изображение с предметной формой). Иногда авторы эскизов работали совместно с профессиональными художниками по фарфору, а также расписывали тарелки самостоятельно. Но больше задачу перенесения рисунка на предмет доверяли художникам-копиистам. Уже в начале 1920-х для ускорения и упрощения процесса производства тарелок на ГФЗ была введена система механического перенесения эскизного рисунка на бельё.
Выше всего ценились оригинальные работы, выполненные самими авторами эскизов. Тиражные вещи были в 10–20 раз дешевле, причем изделия, выполненные копиистами от руки, стоили примерно в два раза меньше, чем авторские копии. Механические же копии были совсем дешевы.
Надо сказать, что большинство оригинальных работ не попадало на рынок, а поступало в музей при заводе в качестве образцов для копирования.
По архивным документам известно, что особым успехом пользовались революционные сюжеты Михаила Адамовича, Натана Альтмана, силуэты Мстислава Добужинского и Георгия Нарбута.
В 1923 году начали свое сотрудничество с ГФЗ художники-супрематисты. Казимир Малевич и его последователи работали над эскизами форм и росписей для тарелок, блюд и сервизов. Их работы получили особый расценочный номер — 660 и отличительный знак — черный квадрат.
Известно, что сам Малевич не занимался компоновкой рисунков на объемных формах, его рисунки переводились на бельё его учениками и помощниками — Николаем Суетиным, Ильей Чашником и другими. Довольно много этих супрематических работ сохранилось и сегодня.
Создавал эскизы для фарфора и Василий Кандинский. Известно, что перед отъездом из России он сделал для завода несколько вариантов росписи чайных сервизов.
Активно сотрудничали с заводом и другие известнейшие к тому времени художники, например — Кузьма Петров-Водкин, Александр Самохвалов, Борис Кустодиев. Они также выполняли эскизы, которые потом переносились на фарфор.
Фарфор этот, к слову, несмотря на все первоначальные идеи о массовости искусства и все идеологические задачи, выпускался весьма незначительными тиражами, не более 300 экземпляров, и предназначался главным образом для экспонирования на многочисленных зарубежных выставках.
Агитационный фарфор практически сразу после своего появления превратился в предмет коллекционирования, так и не достиг своей целевой аудитории. Художественные достоинства и коллекционная привлекательность этих произведений искусства были очевидны, и уже в то время агитационный фарфор стал появляться на аукционах и продаваться за границу. Главным потребителем фарфора были государственные органы, закупавшие для дальнейшей продажи за границей около 95 процентов изделий.
Несмотря на всю свою популярность у коллекционеров, агитфарфор формально отвечал социальному и идеологическому заказу формирующейся тогда новой политической системы. Однако примерно в середине 1930-х годов, когда и политическая обстановка и риторика партии несколько изменились, на смену авангарду пришло более традиционное реалистическое искусство. Именно в это время можно говорить о начале угасания жанра: агитационный фарфор в тех рамках, которые ему были поставлены, выполнил свое задание и уступил дорогу другим стилям. В 1940–50-х годах завод окончательно прекратил производство агитационного фарфора, полностью переключился на идеи мирного строительства и нового советского искусства, уже никак не связанного с агитацией.
Художественная роспись фарфора, однако, осталась важной частью декоративно-прикладного искусства и, как показало время, не ушла в небытие. И снова возникновение такого рода предметов стало результатом творческих усилий представителей отечественного авангарда. На этот раз — второй его волны. Именно так — второй волной русского авангарда — назвали многие западные историки искусства творчество нонконформистов, художников-шестидесятников, отвергавших давление официального советского реалистического искусства в пользу индивидуальных творческих поисков. Надо сказать, что тогда, в 1960–70-х, когда, собственно, возник и сформировался второй русский авангард, с фарфором практически никто не работал. Для нас важно, что пусть и в 1990-х (когда искусство шестидесятников уже получило признание и музейный статус), но именно в этой художественной среде появились произведения в фарфоре — созданные по эскизам Владимира Немухина, Эдуарда Штейнберга и Франциско Инфантэ, а позже — Лидии Мастерковой, Владимира Янкилевского, Олега Целкова, Виктора Пивоварова, Эрика Булатова, Ильи Кабакова, Оскара Рабина, Игоря Вулоха, Бориса Орлова, Леонида Борисова и др.
Одним из первых с фарфором начал работать Владимир Немухин: «Мой интерес к художественному фарфору зародился давно — когда я углубленно осваивал опыт первого русского авангарда... Меня интересовала сугубо эстетическая проблематика, революционные подходы, приемы, методология работы с этим материалом». «Для меня “делать фарфор” — это такой же акт творения, как создание картины, только в станковой живописи созидание происходит как бы из ничего, а при росписи фарфора уже есть “нечто” — некая серийная вещь, не обладающая художественной индивидуальностью», — говорил Немухин.
И всё же есть ощущение, что для шестидесятников работа с фарфором — это в первую очередь все же новый художественный опыт и даже в каком-то смысле эксперимент. Возможно, поэтому в фарфоре большинство авторов видит прежде всего — материал и только потом, быть может, объем, форму, тектонику. Так, Оскар Рабин скорее переносит на фарфоровые тарелки свои станковые картины, чем работает с предметом как таковым; и у него это даже и не тарелки по форме, а скорее пластины прямоугольной формы, свойственной его станковым вещам.
Технологически же со времен первого русского авангарда в изготовлении художественного фарфора почти ничего не изменилось. Как век назад, так и сегодня художник обычно работает над эскизом формы и росписи предмета, скульптор потом по этому эскизу делает предмет, формовщик — снимает форму, живописцы фарфорового завода делают по эскизу роспись. Не изменилась особо и техника росписи — надглазурной, когда краски наносятся поверх обожженной глазури и затем предмет обжигается вновь, или подглазурной, когда слой глазури наносится поверх красок. Добавились, пожалуй, только новые цифровые технологии в процессе механического воспроизведения рисунка: речь идет о деколи, когда изображение сначала наносится на бумажную основу офсетом или шелкотрафаретной печатью, затем с бумаги переводится на керамику и фиксируется на ней высокотемпературным обжигом. Сегодня для печати деколей используются целые системы специальных лазерных цветных принтеров.
Созданные таким образом произведения имеют определенное число копий, которые затем нумеруют и подписывают или ставят на них специальные штампы. Часто художники подтверждают подлинность предметов своими именными сертификатами.
Фарфор первых советских и первых постсоветских лет роднит еще и то, что и в то время, и двадцать лет назад он создавался по инициативе извне: в 1920-х это был заказ государства, в 1990-х — заказ коллекционеров, галерей, фабрик. В 1992 году, например, Государственный центр современного искусства и Товарищество «Кузнецовский фарфор» предложили нескольким художникам сделать эскизы росписей для фарфоровых тарелок. Но в сравнении с агитфарфором сегодня художественный фарфор как вид творчества, конечно, ждет совсем иная судьба: волевым решением его уже никто не отменит, а стилистических границ он не имеет. Вероятно, именно неограниченные возможности фарфора по форме и декору привлекают к нему сегодня внимание и мэтров, и художников среднего поколения, и совсем молодых авторов.
В 2003 году над эскизами изделий из фарфора начал работать Владимир Янкилевский, а в 2009-м в Германии вышла серия из 12 тарелок под названием «Эрос». Павел Пепперштейн выпустил целую серию работ «Ангелы знаков», работают или работали в керамике и такие известные художники, как Леонид Соков, Сергей Параджанов, Михаил Шемякин, Влад Мамышев-Монро, Сергей Ануфриев. Своими тарелками известны также Андрей Крисанов, Марина Икоку, Стас Макаров, Алексей Беляев-Гинтовт, Гоша Острецов, Кирилл Миллер, Олег Купцов, Евгений Юфий, Сергей Шутов, Иван Сотников, Андрей Медведев и др. В прошлом году были выпущены серии тарелок, созданные по эскизам Игоря Вулоха и Михаила Гробмана. Каждая из тарелок была изготовлена только в 9 экземплярах.
Сегодня фарфоровые тарелки довольно частые гости как в аукционных каталогах, так и в различных художественных галереях. Их собирают и в них инвестируют. Популярность авторской керамики такова, что крупнейшие аукционные дома организуют ее специализированные аукционы. Например, 18 июня 2013 года Christie’s провел аукцион керамики Пикассо и за 171 лот выручил 2,8 миллиона фунтов стерлингов; в стринге тарелок дороже всех, за 85 875 фунтов, было продано блюдо «Играющие на флейте». А один из лучших результатов в керамике Марка Шагала показала тарелка с красивым названием «Мечты» (Rêverie): 9 февраля 2011 года на аукционе Sotheby’s за нее отдали 199 250 фунтов.
Неплохо продается и керамика современных художников. Так, сервиз из 6 тарелок Тома Вессельмана стоил 6 250 долларов на Phillips de Pury в 2010 году и 5 000 евро на одном из европейских аукционов в июне этого года. За 1 500 долларов начинающий коллекционер вполне может купить тарелку Кристо или Дэмиена Хёрста. В июне 2009 года на Phillips de Pury за 3 750 долларов был продан набор из 8 тарелок Роя Лихтенштейна, и за 10 000 долларов — серия из 7 фарфоровых тарелок Виктора Пивоварова.
Сертифицированные авторские тарелки из года в год становятся заметно дороже. Помимо наличия сертификата, ценность (и стоимость) керамического произведения определяется также наличием знаков, подтверждающих подлинность работы, — штампа завода, подписи художника (его монограммы или знака), номера экземпляра из серии и т. д. Именно на них необходимо обращать внимание, взяв в руки тарелку или любой другой авторский керамический предмет.
Что касается ценовой ситуации в России, то в, московских галереях тарелки Владимира Немухина, Олега Целкова, Владимира Янкилевского сегодня можно приобрести в среднем по 1 500 долларов. Более редкую керамику (не тарелки) Оскара Рабина, скульптуры Бориса Орлова и вазы Олега Целкова могут продавать гораздо дороже — за 5–6 тысяч долларов. Такие цены стали уже нормой для известных мастеров-шестидесятников, и они продолжают расти.
Мария Кузнецова, AI
Источники:
- forum.artinvestment.ru;
- Фарфор шестидесятников. Каталог выставки. М.: Бонфи. 2012;
- Кирилл Борисов. Агитационный фарфор. Издание для коллекционеров и вообще Сети. Интернет-издание;
- Ф. М. Голлербах. Фарфор Государственного завода. М., 1922;
- auction.fr;
- phillips.com;
- phillips.com;
- phillips.com;
- phillips.com
- artprice.com.
artinvestment.ru
