Музей ЧерномырдинаКартина Дочь Советской Киргизии. Дочь киргизии картина
Culture and art
С. Чуйков. Дочь Советской Киргизии. Фрагмент. Масло. 1948.
Картина Дочь Советской Киргизии С. Чуйков, народный художник СССР
Писать красками я начал, когда мне еще не исполнилось 15 лет, а именно в 1917 году, в год Великой Октябрьской революции. Так как родился и вырос я в Киргизии и очень любил ее природу и народ, то с первых же шагов начал рисовать киргизов.
Мне, босоногому парнишке, удавалось общаться только с беднотой, ведь первые годы после революции местное население еще вело кочевой образ жизни и в народе, кроме зажиточных и даже богатых, было много бедноты.Рваные и закопченные бедняцкие юрты киргизы ставили в окрестностях города, и я со своим самодельным этюдником часто и с удовольствием писал их. Сжился и сдружился с добрыми бедняками, насмотрелся на их нелегкую жизнь и очень им сочувствовал.Эта любовь к родной Киргизии заставила меня посвятить ей все свое творчество. Я видел, как из года в год менялась к лучшему жизнь киргизского народа, как пришла к нему светлая, свободная и культурная жизнь. И моей работой двигало уже не чувство сострадания, а восхищение и гордость. Мои картины воспевали новую, Советскую Киргизию.В частности, я задумал картину, в которой была бы выражена в одном человеке идея новой, счастливой жизни народа. Мне представилась киргизская школьница, идущая с книгами в руках в школу. И виделась она не просто как одна из школьниц, а как девочка, глядя на которую мы сразу подумали бы о счастливой жизни ее народа.Поделился этой мыслью со знакомыми. Они сказали, что такую большую идею невозможно выразить в портрете школьницы, это слишком трудно. Мне же казалось, что этого можно добиться. И вот, живя и работая летом в Киргизии, куда каждое лето езжу работать, начал компоновать свою будущую картину.Когда композиция была найдена, я стал искать в прилегающих колхозах Чоп-Арык и Оршо-Сай девочку, нужную мне по замыслу, чтобы написать с нее этюд.Но, к великому огорчению, такой девочки долго не находилось: что-нибудь да не то… Тогда я написал этюды нескольких девочек: у одной платье, мне показалось, подходит, у другой — фигура, у третьей — лицо.Больше двух месяцев ежедневно гонялся за своими натурщицами: накопилось много этюдов.Наконец увидел, что материала достаточно, и мне совершенно ясна стала моя героиня. Освещенная ярким южным солнцем, по равнине, окаймленной дальней горной цепью, по золотой осенней земле идет с книгами в руках, в светло- розовом платьице, голубой жакетке и красной косынке круглолицая смуглая девочка с умным, устремленным вдаль взглядом.Начал картину там же, в Киргизии, но не закончил и, возвратясь в Москву, работал еще несколько месяцев. В декабре 1948 года показал «Дочь Советской Киргизии» на своей персональной выставке в Москве, ее признали одной из лучших моих картин и взяли в Третьяковскую галерею, где она с тех пор и висит.Друзья, сомневавшиеся в исполнимости моего замысла, согласились с тем, что я сумел выразить свою идею и эта картина — действительно символ новой, возрожденной и процветающей Киргизии.
Дочь Советской Киргизии Википедия
«Дочь Советской Киргизии» — картина советского художника Семёна Чуйкова. Является заключительной картиной цикла художника «Киргизская колхозная сюита» (1939—1948), отражающего изменения в жизни республики, произошедшие в 30-е — 40-е годы XX века. Картина, по мнению искусствоведов, играет важнейшую роль в этом цикле[1]. Полотно находится в коллекции Третьяковской галереи[2].
Картина неоднократно представляла советское изобразительное искусство на крупных выставках за пределами СССР и России. На Всемирной выставке в 1958 году в Брюсселе «Дочь Советской Киргизии» (вместе с другой картиной художника — «Дочь чабана») получила золотую медаль[3].
История создания и судьба картины[ | код]
Картина была написана в 1948 году. Она является завершающим полотном в цикле «Киргизская колхозная сюита», который был начат в 1939 году[4]. Как отмечают современные историки изобразительного искусства, многие картины этого цикла носили вполне бытовые названия — «Утро», «Полдень», «Вечер», были зарисовками из повседневной жизни киргизских сёл, а «к практике колхозного производства имели не большее отношение, нежели вангоговские „Красные виноградники в Арле“ или васнецовские жнецы»[5].
Оригинал в настоящее время находится в коллекции Государственной Третьяковской галереи в Москве. Техника исполнения картины — масляная живопись по холсту. Размер — 120 на 95,5 сантиметров[6]. Слева внизу находится подпись художника и дата создания полотна — «С. Чуйков 1948». Картина была приобретена Третьяковской галереей у самого художника в 1949 году[2].
Чуйков создавал картину на натуре в пригороде Фрунзе[7], завершающий этап работы проходил в мастерской художника, где ныне находится его музей-квартира (портрет углём Аимжамал Огобаевой, послужившей моделью для картины, находится в экспозиции музея-квартиры)[8]. Художник поставил перед собой цель изобразить собирательный образ человека нового общества. Считается, что он не создал в этот раз большого числа набросков к полотну в виде эскизов и этюдов, хотя именно тщательная, кропотливая работа над этюдами, эскизами, композицией была особенностью творческого метода Чуйкова[9]. Подготовительными работами к данной картине, по мнению искусствоведов, художник считал созданные в разные годы полотна, на которых изображены киргизские девочки-подростки: «Девочка с хлопком» (1936), «Девочка с подсолнухом» (1939), «Девочка с книгой» (1946)[1]. Искусствоведы отмечают, что это одна из характерных черт творчества Чуйкова — переносить отдельный образ из картины в картину, при этом оттачивать его, шлифовать и делать многограннее, придавать ему полноту и завершенность[10]. Один из немногочисленных известных этюдов к картине находится в собрании Пермской государственной художественной галереи[11]. Сам Чуйков очень любил картину «Дочь Советской Киргизии»[10]. Татьяна Попова, заведующая отделом живописи Музея изобразительного искусства имени Г. Айтиева, считает, что она являлась для художника символом обновлённой жизни киргизского народа. В этой картине Чуйков представил своё понимание нового героя, нового человека своей Родины[7], олицетворение Советской Киргизии[12].
Для Национального музея искусств имени Гапара Айтиев
ru-wiki.ru
Вильям Девлеткильдеев: Моё лето с братом во Фрунзе. Картина "Дочь Советской Киргизии". Эссе из жизни.
Раньше, в 80- е годы я практически каждое лето отдыхал у родственников во Фрунзе, в теперешнем Бишкеке . Жара там была всегда -невыносимая, в тени доходило до 45-50 градусов, поэтому там часто я подхватывал ангину. Как наступал вечер, солнце заходило за горы, и вместо жары был уже очень даже прохладный ветер. Ощущалось как остывал асфальт, дома... А когда полностью смеркалось, над нашими головами проносились летучие мыши! Как их там всегда было много! А жили мы в частном доме, на длинной как лента улице Сокулукской, в доме 27. Соседи, которые жили рядом с нами- и украинцы, и дунгане, и корейцы, и киргизы. Все всегда были приветливы друг к другу, общались и понимали друг друга душою и словом...
Часто я просил брата Роберта свозить меня в Чуйскую долину, но видимо опасался он за меня, потому что там было очень много змей... Сам он был в горах по работе, да и за накошенной травой для скотины. А работал он в солидном и серьёзном месте- Министерстве горной промышленности, вылетал на вертолёте в горы, на рудники. Жил он там с семьёй жены Галины, сыном Вильямои и родственниками со стороны жены. За оградкой во дворе было два просторных дома. Как мне известно , теперь одного кирпичного дома уже нет. Я сам помню как его сносили. Потом на его месте появился большой огород.
И уже тогда, в моей юности, Роберт начал ощущать во мне потребность к искусству, и мы с ним посещали краеведческий музей и Омский областной музей...Ну а на этот раз, мы пошли с ним во Фрунзенскую картинную галерею...
Чего там только не было! От миниатюрных восточных нэцке, археологических древностей киргизских курганов , до картин известных мастеров. Музей я скажу- на славу! Видел я там работы Коровина, Репина, Маковского... Да! и самое главное- видел небольшую белую фигурку- мужской торс, работы самого Микеланджело ! Но не помню- или это подлинник, или это слепок... Но она была на отдельном пьедестале и под стеклянным кубом.В Советском зале я часто останавливался у картин многих художников, но постоянно меня манила к себе киргизская школьница, на голубовато-небесном фоне с учебниками в руках...
Я говорю Роберту- где же я её видел?На что он мне отвечал- в школе вспомнишь... Откроешь учебник и увидишь... И действительно- картина Семёна Афанасьевича Чуйкова была в школьных учебниках литературы.Я часто вспоминаю те посещения с братом культурных мест во Фрунзе, но музей остро остался в моей памяти, врезался в меня монолитным блоком душевного ощущения...
Роберта уже нет в этом мире , но он открыл мне путь в познания... Он это делал не методично, он это делал по воли своих чувств... То кроссворды я помогал ему разгадывать, и обкладывал себя огромными томами Детской Энциклопедии, то смотрели с ним советские фильмы или познавательные программы Юрия Сенкевича, Жака Кусто или Капицы...
С Робертом за неделю до его смерти....
И с тех пор солнечный , играющий красками маков, гор и небес теперь уже Бишкек стал второй милой для меня родиной моего летнего детства и юности.
Williams(c)
О какртине и о Семёне Чуйкове.
Дочь Советской Киргизии [1948]
Стремясь создать образ обобщенный, художник строит композицию на монументальных соотношениях крупных форм. Чуть заниженный горизонт дает возможность показать фигуру девочки почти целиком на фоне неба. И оттого, что зритель смотрит на картину словно бы снизу, хрупкая, тонкая фигурка приобретает особую весомость, монументальность, значительность. Это усиливается и строгим, очень цельным силуэтом, четко рисующимся на гладком фоне ясного неба.
Чуйков не наделяет свою героиню внешними приметами взволнованности, романтической приподнятости. Зритель не увидит здесь эффектных жестов. Напротив, художник строит образ на сдержанности, строгой простоте, внутренней сосредоточенности. Киргизские девочки нередко поражают утонченной восточной красотой. Но и здесь художник не поддается искушению восхитить, привлечь зрителя природной красотой черт лица. Круглое, скуластенькое, с глубоко посаженными глазами лицо героини – самое обыкновенное, каких тысячи встретишь в аулах и кочевьях киргизского края. Но в этом лице явственно ощутима работа мысли, но плотно сжатые, неулыбчивые губы, твердый, прямой взгляд выдают характер целеустремленный и цельный. Гладко зачесанные волосы открывают высокий чистый лоб. Такое спокойное достоинство может нести в себе только человек, который обрел право свободно выбирать дорогу своей жизни.
Глазом стороннего наблюдателя невозможно было бы в обыденном, каждодневном открыть эти черты нового национального характера. Нужно было шаг за шагом, десятилетиями наблюдать жизнь народа, видеть, как постепенно, по крупицам выкристаллизовывается образ нового человека, чтобы с такой силой убедительности выразить это в живописном произведении. Чуйков сам вместе с киргизским народом прошел этот сложный путь – от пробуждения к первым шагам самостоятельной свободной жизни. Он родился в Киргизии. Еще мальчиком, бродя с самодельным фанерным ящиком с красками по горам Киргизии, он наблюдал жизнь киргизской бедноты. «Рваные, прокопченные дымом многочисленных кочевок войлочные юрты, – вспоминает художник, – казалось, состояли из одних заплат, и все же дыр в них было еще больше. Ночуя в них, я, помню, без труда созерцал звездное небо через дырявый войлок. Обитатели этих юрт и сами были так же оборваны, закопчены и обуглены от дыма костров и солнечного зноя, как их жилища, как земля вокруг них. Голая детвора почти сливалась своим цветом с землей и войлоком».
Нося в сердце эти воспоминания детства, Чуйков с особенной остротой замечал те радостные изменения в жизни народа, что свершались на его глазах. Достаточно поставить эти строки рядом с картиной «Дочь Советской Киргизии», чтобы почувствовать, какое воодушевление владело художником, когда он создавал это свое произведение.Как правило, непосредственной работе над холстом у Чуйкова всегда предшествует детальная разработка замысла в эскизах и этюдах. А вот к «Дочери Советской Киргизии» почти не было эскизного и этюдного материала. И это далеко не случайно. Постепенно, год от года, шел художник к созданию этого обобщенного, типического образа. И многие его законченные произведения, такие, как «Девочка с хлопком» (1936), «Девочка с подсолнухом» (1939), «Девочка с книгой» (1946), – это определенные вехи на пути создания образа «Дочери Советской Киргизии». В каждом из них живут черты, которые собраны, сведены воедино в этой картине.
Интересно, что художник нередко отдельные образы переводит из одной своей картины в другую. Но никогда Чуйков не ограничивается простым повторением однажды найденного: от картины к картине художник как бы шлифует, оттачивает характер, делает его глубже, многограннее. Так, в «Полдне» мы встречаемся почти с той же девочкой, что и в картине «Девочка с арбузом». Много общего в облике, характере, даже композиционном мотиве и между «Девочкой с арбузом», «Девочкой с книгой» и «Дочерью Советской Киргизии». Но если в первых двух линии раскрытия характера во всей своей глубине лишь намечены, а сами работы носят несколько этюдный характер, то в последнем образ завершен, отброшено все случайное, что помешало бы монументальному звучанию картины. К этой вершине своего творчества художник подходил долгие годы. Именно поэтому в картине с такой силой проявились самые характерные особенности художнического мировоззрения, творческого метода Чуйкова.
Неразрывно связаны с характером замысла и колористический строй, живописная манера Чуйкова. Проблема обобщения жизненных явлений потребовала и живописной обобщенности, широты, свободы живописного языка. Контрастное соотношение трех основных цветов картины – синего, красного и белого – рождает чувство бодрости, радости. Лиловатые, серебристые и перламутровые тона создают в холсте богатейшую гамму. Светотеневые переходы решены необычайно живописно. Художник стремится к тому, чтобы цвета сочетались в гармоничном звучании. Сгармонировать, слить в единой тональности такие яркие цвета, как белый, синий, красный, коричневый, помогает общий теплый тон: сцена как бы подернута дрожащим от зноя воздухом, и эта легкая дымка смягчает очертания, приглушает звонкость красок.
По силе и значительности образа, по эмоциональной насыщенности, поэтической взволнованности, по яркому живописному богатству «Дочь Советской Киргизии» должна быть отнесена не только к лучшим работам автора. Она по праву входит в золотой фонд советской живописи.
Советский художник, родоначальник современного изобразительного искусства Киргизии. Народный художник СССР. Родился в Пишпеке Туркестанского края Российской империи (сегодня Бишкек, Киргизия) 17 (30) октября 1902 года в семье писаря местного лазарета. В 1918 году стал студентом учительской семинарии. Здесь Чуйков начал брать уроки живописи у учителя рисования Н. Г. Хлудова. В 1920 году Семен Афанасьевич получил направление Верненского обкома комсомола на учебу в Ташкентскую художественную школу. Затем Чуйков продолжил обучение в московском Вхутемасе (1921 - 1930 гг.), где с 1924 года занимался в мастерской профессора Р. Р. Фалька. В 1927 году на первой всесоюзной художественной выставке "Искусство народов СССР" экспонировались три работы Семена Афанасьевича. Картины были замечены и получили положительные отзывы критиков. В 1929 году Государственной Третьяковской галереей была приобретен холст Чуйкова "Мальчик с рыбой". На материале близкой ему Киргизии складывается основное тематическое направление, которое Чуйков разрабатывает на протяжении всего своего творчества - это жизнь простых людей в окружающей их природе. Также большую часть наследия художника составляют произведения индийского цикла, ставшие результатом трех путешествий (1952, 1957, 1968 гг.) живописца в эту страну. автопортретСемен Афанасьевич Чуйков принимал активное участие в становлении изобразительного искусства Киргизии. По его инициативе был создан Союз художников Киргизии (1934 год), открыта первая картинная галерея (ныне Киргизский музей изобразительных искусств, Бишкек). Чуйков занимался преподавательской деятельностью во Вхутеине, затем в Ленинградском Институте пролетарских изобразительных искусств (1929-1932), и Московском государственном художественном институте им. В.И.Сурикова (1947-1948). Лауреат двух Сталинских премий (1949, 1951) , премии Джавахарлала Неру (1968), награжден орденами и медалями. Действительный член Академии художеств СССР с 1958 года. В 1963 году Семену Афанасьевичу Чуйкову присвоено звание - "Народный художник СССР" Из-под пера Чуйкова вышли три книги путевых и мемуарных очерков: Образы Индии (1956), Заметки художника (1962), Итальянский дневник (1966). Работы Чуйкова С.А. находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Кыргызского национального музея изобразительного искусства имени Г.А. Айтиева, Красноярского государственного художественного музея им. В.И. Сурикова. Умер художник в Москве 18 мая 1980 года.
Справка о музее.
Фрунзе. Здание Музея изобразительных искусств. Фото: 1984г
Архитекторы Ш. Джекшенбаев, В. И. Назаров, Д. Ырыскулаев.
Был впервые открыт по решению обкома ВКП (б) Кыргызстана 1 января 1935 года как картинная галерея, а позднее, в 1944 году, преобразован в Кыргызский государственный музей изобразительных искусств. Посвященный кыргызскому народному и прикладному искусству, а также русскому искусству и произведениям советской эпохи, музей начинал свою деятельность в качестве Государственной картинной галереи и первоначально располагался в здании церкви Св. Николая в Дубовом парке. Теперь там находится галерея Союза художников.
Основу первого музея составили 72 произведения русских художников, выделенные из музейных фондов Третьяковской галереи и 40 произведений живописи кыргызских художников. Нынешнее здание музея было построено в 1974 г. в рамках широкомасштабной кампании по улучшению облика города.Объём коллекции около 18 тысяч экспонатов. Около 4 тыс. живописных полотен, около 9600 образцов графики, около 1 тыс. скульптур и более 3 тыс. экземпляров декоративно-прикладного искусства. Представлены работы советского периода, египетские и греческие репродукции, классические западные скульптуры, и работы по эпосу «Манас».
Золотой фонд музея – это произведения классиков С. Чуйкова, Г. Айтиева, С. Акылбекова, А. Игнатьева, Л. Ильиной, А. Михалева, Л. Месароша, О. Мануйловой, Т. Садыкова, Д. Уметова, Т. Герцена, Б. Джумабаева, А. Асранкулова, С. Айтиева.
В коллекции насчитывается около 17,5 тысяч экспонатов. Также на выставке представлено несколько коллекций художественных работ советского периода, египетские и греческие репродукции, классические западные скульптуры и коллекция работ Гертзена , посвященная кыргызскому эпосу "Манас".
Ссылка: http://www.worldis.me/Stillmer/blogs/152698
www.worldis.me
Вильям Девлеткильдеев: Моё лето с братом во Фрунзе. Картина "Дочь Советской Киргизии". Эссе из жизни.
Раньше, в 80- е годы я практически каждое лето отдыхал у родственников во Фрунзе, в теперешнем Бишкеке . Жара там была всегда -невыносимая, в тени доходило до 45-50 градусов, поэтому там часто я подхватывал ангину. Как наступал вечер, солнце заходило за горы, и вместо жары был уже очень даже прохладный ветер. Ощущалось как остывал асфальт, дома... А когда полностью смеркалось, над нашими головами проносились летучие мыши! Как их там всегда было много! А жили мы в частном доме, на длинной как лента улице Сокулукской, в доме 27. Соседи, которые жили рядом с нами- и украинцы, и дунгане, и корейцы, и киргизы. Все всегда были приветливы друг к другу, общались и понимали друг друга душою и словом...
Часто я просил брата Роберта свозить меня в Чуйскую долину, но видимо опасался он за меня, потому что там было очень много змей... Сам он был в горах по работе, да и за накошенной травой для скотины. А работал он в солидном и серьёзном месте- Министерстве горной промышленности, вылетал на вертолёте в горы, на рудники. Жил он там с семьёй жены Галины, сыном Вильямои и родственниками со стороны жены. За оградкой во дворе было два просторных дома. Как мне известно , теперь одного кирпичного дома уже нет. Я сам помню как его сносили. Потом на его месте появился большой огород.
И уже тогда, в моей юности, Роберт начал ощущать во мне потребность к искусству, и мы с ним посещали краеведческий музей и Омский областной музей...Ну а на этот раз, мы пошли с ним во Фрунзенскую картинную галерею...
Чего там только не было! От миниатюрных восточных нэцке, археологических древностей киргизских курганов , до картин известных мастеров. Музей я скажу- на славу! Видел я там работы Коровина, Репина, Маковского... Да! и самое главное- видел небольшую белую фигурку- мужской торс, работы самого Микеланджело ! Но не помню- или это подлинник, или это слепок... Но она была на отдельном пьедестале и под стеклянным кубом.В Советском зале я часто останавливался у картин многих художников, но постоянно меня манила к себе киргизская школьница, на голубовато-небесном фоне с учебниками в руках...
Я говорю Роберту- где же я её видел?На что он мне отвечал- в школе вспомнишь... Откроешь учебник и увидишь... И действительно- картина Семёна Афанасьевича Чуйкова была в школьных учебниках литературы.Я часто вспоминаю те посещения с братом культурных мест во Фрунзе, но музей остро остался в моей памяти, врезался в меня монолитным блоком душевного ощущения...
Роберта уже нет в этом мире , но он открыл мне путь в познания... Он это делал не методично, он это делал по воли своих чувств... То кроссворды я помогал ему разгадывать, и обкладывал себя огромными томами Детской Энциклопедии, то смотрели с ним советские фильмы или познавательные программы Юрия Сенкевича, Жака Кусто или Капицы...
С Робертом за неделю до его смерти....
Интересно было раньше жить. Интересно было познавать, ходить в музей... Даже учебники были с репродукциями известных картин! И всё это живёт в моей памяти. И часто, когда я смотрю на картину Дочь Советской Киргизии, я вспоминаю брата, развалившийся Союз, и совсем другой мир... Мир, где люди были тоже другими....
И с тех пор солнечный , играющий красками маков, гор и небес теперь уже Бишкек стал второй милой для меня родиной моего летнего детства и юности.
Williams(c)
О какртине и о Семёне Чуйкове.
Дочь Советской Киргизии [1948]
Стремясь создать образ обобщенный, художник строит композицию на монументальных соотношениях крупных форм. Чуть заниженный горизонт дает возможность показать фигуру девочки почти целиком на фоне неба. И оттого, что зритель смотрит на картину словно бы снизу, хрупкая, тонкая фигурка приобретает особую весомость, монументальность, значительность. Это усиливается и строгим, очень цельным силуэтом, четко рисующимся на гладком фоне ясного неба.
Чуйков не наделяет свою героиню внешними приметами взволнованности, романтической приподнятости. Зритель не увидит здесь эффектных жестов. Напротив, художник строит образ на сдержанности, строгой простоте, внутренней сосредоточенности. Киргизские девочки нередко поражают утонченной восточной красотой. Но и здесь художник не поддается искушению восхитить, привлечь зрителя природной красотой черт лица. Круглое, скуластенькое, с глубоко посаженными глазами лицо героини – самое обыкновенное, каких тысячи встретишь в аулах и кочевьях киргизского края. Но в этом лице явственно ощутима работа мысли, но плотно сжатые, неулыбчивые губы, твердый, прямой взгляд выдают характер целеустремленный и цельный. Гладко зачесанные волосы открывают высокий чистый лоб. Такое спокойное достоинство может нести в себе только человек, который обрел право свободно выбирать дорогу своей жизни.
Глазом стороннего наблюдателя невозможно было бы в обыденном, каждодневном открыть эти черты нового национального характера. Нужно было шаг за шагом, десятилетиями наблюдать жизнь народа, видеть, как постепенно, по крупицам выкристаллизовывается образ нового человека, чтобы с такой силой убедительности выразить это в живописном произведении. Чуйков сам вместе с киргизским народом прошел этот сложный путь – от пробуждения к первым шагам самостоятельной свободной жизни. Он родился в Киргизии. Еще мальчиком, бродя с самодельным фанерным ящиком с красками по горам Киргизии, он наблюдал жизнь киргизской бедноты. «Рваные, прокопченные дымом многочисленных кочевок войлочные юрты, – вспоминает художник, – казалось, состояли из одних заплат, и все же дыр в них было еще больше. Ночуя в них, я, помню, без труда созерцал звездное небо через дырявый войлок. Обитатели этих юрт и сами были так же оборваны, закопчены и обуглены от дыма костров и солнечного зноя, как их жилища, как земля вокруг них. Голая детвора почти сливалась своим цветом с землей и войлоком».
Нося в сердце эти воспоминания детства, Чуйков с особенной остротой замечал те радостные изменения в жизни народа, что свершались на его глазах. Достаточно поставить эти строки рядом с картиной «Дочь Советской Киргизии», чтобы почувствовать, какое воодушевление владело художником, когда он создавал это свое произведение.Как правило, непосредственной работе над холстом у Чуйкова всегда предшествует детальная разработка замысла в эскизах и этюдах. А вот к «Дочери Советской Киргизии» почти не было эскизного и этюдного материала. И это далеко не случайно. Постепенно, год от года, шел художник к созданию этого обобщенного, типического образа. И многие его законченные произведения, такие, как «Девочка с хлопком» (1936), «Девочка с подсолнухом» (1939), «Девочка с книгой» (1946), – это определенные вехи на пути создания образа «Дочери Советской Киргизии». В каждом из них живут черты, которые собраны, сведены воедино в этой картине.
Интересно, что художник нередко отдельные образы переводит из одной своей картины в другую. Но никогда Чуйков не ограничивается простым повторением однажды найденного: от картины к картине художник как бы шлифует, оттачивает характер, делает его глубже, многограннее. Так, в «Полдне» мы встречаемся почти с той же девочкой, что и в картине «Девочка с арбузом». Много общего в облике, характере, даже композиционном мотиве и между «Девочкой с арбузом», «Девочкой с книгой» и «Дочерью Советской Киргизии». Но если в первых двух линии раскрытия характера во всей своей глубине лишь намечены, а сами работы носят несколько этюдный характер, то в последнем образ завершен, отброшено все случайное, что помешало бы монументальному звучанию картины. К этой вершине своего творчества художник подходил долгие годы. Именно поэтому в картине с такой силой проявились самые характерные особенности художнического мировоззрения, творческого метода Чуйкова.
Неразрывно связаны с характером замысла и колористический строй, живописная манера Чуйкова. Проблема обобщения жизненных явлений потребовала и живописной обобщенности, широты, свободы живописного языка. Контрастное соотношение трех основных цветов картины – синего, красного и белого – рождает чувство бодрости, радости. Лиловатые, серебристые и перламутровые тона создают в холсте богатейшую гамму. Светотеневые переходы решены необычайно живописно. Художник стремится к тому, чтобы цвета сочетались в гармоничном звучании. Сгармонировать, слить в единой тональности такие яркие цвета, как белый, синий, красный, коричневый, помогает общий теплый тон: сцена как бы подернута дрожащим от зноя воздухом, и эта легкая дымка смягчает очертания, приглушает звонкость красок.
По силе и значительности образа, по эмоциональной насыщенности, поэтической взволнованности, по яркому живописному богатству «Дочь Советской Киргизии» должна быть отнесена не только к лучшим работам автора. Она по праву входит в золотой фонд советской живописи.
Советский художник, родоначальник современного изобразительного искусства Киргизии. Народный художник СССР. Родился в Пишпеке Туркестанского края Российской империи (сегодня Бишкек, Киргизия) 17 (30) октября 1902 года в семье писаря местного лазарета. В 1918 году стал студентом учительской семинарии. Здесь Чуйков начал брать уроки живописи у учителя рисования Н. Г. Хлудова. В 1920 году Семен Афанасьевич получил направление Верненского обкома комсомола на учебу в Ташкентскую художественную школу. Затем Чуйков продолжил обучение в московском Вхутемасе (1921 - 1930 гг.), где с 1924 года занимался в мастерской профессора Р. Р. Фалька. В 1927 году на первой всесоюзной художественной выставке "Искусство народов СССР" экспонировались три работы Семена Афанасьевича. Картины были замечены и получили положительные отзывы критиков. В 1929 году Государственной Третьяковской галереей была приобретен холст Чуйкова "Мальчик с рыбой". На материале близкой ему Киргизии складывается основное тематическое направление, которое Чуйков разрабатывает на протяжении всего своего творчества - это жизнь простых людей в окружающей их природе. Также большую часть наследия художника составляют произведения индийского цикла, ставшие результатом трех путешествий (1952, 1957, 1968 гг.) живописца в эту страну. автопортретСемен Афанасьевич Чуйков принимал активное участие в становлении изобразительного искусства Киргизии. По его инициативе был создан Союз художников Киргизии (1934 год), открыта первая картинная галерея (ныне Киргизский музей изобразительных искусств, Бишкек). Чуйков занимался преподавательской деятельностью во Вхутеине, затем в Ленинградском Институте пролетарских изобразительных искусств (1929-1932), и Московском государственном художественном институте им. В.И.Сурикова (1947-1948). Лауреат двух Сталинских премий (1949, 1951) , премии Джавахарлала Неру (1968), награжден орденами и медалями. Действительный член Академии художеств СССР с 1958 года. В 1963 году Семену Афанасьевичу Чуйкову присвоено звание - "Народный художник СССР" Из-под пера Чуйкова вышли три книги путевых и мемуарных очерков: Образы Индии (1956), Заметки художника (1962), Итальянский дневник (1966). Работы Чуйкова С.А. находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Кыргызского национального музея изобразительного искусства имени Г.А. Айтиева, Красноярского государственного художественного музея им. В.И. Сурикова. Умер художник в Москве 18 мая 1980 года.
Справка о музее.
Фрунзе. Здание Музея изобразительных искусств. Фото: 1984г
Архитекторы Ш. Джекшенбаев, В. И. Назаров, Д. Ырыскулаев.
Был впервые открыт по решению обкома ВКП (б) Кыргызстана 1 января 1935 года как картинная галерея, а позднее, в 1944 году, преобразован в Кыргызский государственный музей изобразительных искусств. Посвященный кыргызскому народному и прикладному искусству, а также русскому искусству и произведениям советской эпохи, музей начинал свою деятельность в качестве Государственной картинной галереи и первоначально располагался в здании церкви Св. Николая в Дубовом парке. Теперь там находится галерея Союза художников.
Основу первого музея составили 72 произведения русских художников, выделенные из музейных фондов Третьяковской галереи и 40 произведений живописи кыргызских художников. Нынешнее здание музея было построено в 1974 г. в рамках широкомасштабной кампании по улучшению облика города.Объём коллекции около 18 тысяч экспонатов. Около 4 тыс. живописных полотен, около 9600 образцов графики, около 1 тыс. скульптур и более 3 тыс. экземпляров декоративно-прикладного искусства. Представлены работы советского периода, египетские и греческие репродукции, классические западные скульптуры, и работы по эпосу «Манас».
Золотой фонд музея – это произведения классиков С. Чуйкова, Г. Айтиева, С. Акылбекова, А. Игнатьева, Л. Ильиной, А. Михалева, Л. Месароша, О. Мануйловой, Т. Садыкова, Д. Уметова, Т. Герцена, Б. Джумабаева, А. Асранкулова, С. Айтиева.
В коллекции насчитывается около 17,5 тысяч экспонатов. Также на выставке представлено несколько коллекций художественных работ советского периода, египетские и греческие репродукции, классические западные скульптуры и коллекция работ Гертзена , посвященная кыргызскому эпосу "Манас".
Link: http://en.worldis.me/Stillmer/blogs/152698
en.worldis.me
Дочь Советской Киргизии Википедия
«Дочь Советской Киргизии» — картина советского художника Семёна Чуйкова. Является заключительной картиной цикла художника «Киргизская колхозная сюита» (1939—1948), отражающего изменения в жизни республики, произошедшие в 30-е — 40-е годы XX века. Картина, по мнению искусствоведов, играет важнейшую роль в этом цикле[1]. Полотно находится в коллекции Третьяковской галереи[2].
Картина неоднократно представляла советское изобразительное искусство на крупных выставках за пределами СССР и России. На Всемирной выставке в 1958 году в Брюсселе «Дочь Советской Киргизии» (вместе с другой картиной художника — «Дочь чабана») получила золотую медаль[3].
Картина была написана в 1948 году. Она является завершающим полотном в цикле «Киргизская колхозная сюита», который был начат в 1939 году[4]. Как отмечают современные историки изобразительного искусства, многие картины этого цикла носили вполне бытовые названия — «Утро», «Полдень», «Вечер», были зарисовками из повседневной жизни киргизских сёл, а «к практике колхозного производства имели не большее отношение, нежели вангоговские „Красные виноградники в Арле“ или васнецовские жнецы»[5].
Оригинал в настоящее время находится в коллекции Государственной Третьяковской галереи в Москве. Техника исполнения картины — масляная живопись по холсту. Размер — 120 на 95,5 сантиметров[6]. Слева внизу находится подпись художника и дата создания полотна — «С. Чуйков 1948». Картина была приобретена Третьяковской галереей у самого художника в 1949 году[2].
Чуйков создавал картину на натуре в пригороде Фрунзе[7], завершающий этап работы проходил в мастерской художника, где ныне находится его музей-квартира (портрет углём Аимжамал Огобаевой, послужившей моделью для картины, находится в экспозиции музея-квартиры)[8]. Художник поставил перед собой цель изобразить собирательный образ человека нового общества. Считается, что он не создал в этот раз большого числа набросков к полотну в виде эскизов и этюдов, хотя именно тщательная, кропотливая работа над этюдами, эскизами, композицией была особенностью творческого метода Чуйкова[9]. Подготовительными работами к данной картине, по мнению искусствоведов, художник считал созданные в разные годы полотна, на которых изображены киргизские девочки-подростки: «Девочка с хлопком» (1936), «Девочка с подсолнухом» (1939), «Девочка с книгой» (1946)[1]. Искусствоведы отмечают, что это одна из характерных черт творчества Чуйкова — переносить отдельный образ из картины в картину, при этом оттачивать его, шлифовать и делать многограннее, придавать ему полноту и завершенность[10]. Один из немногочисленных известных этюдов к картине находится в собрании Пермской государственной художественной галереи[11]. Сам Чуйков очень любил картину «Дочь Советской Киргизии»[10]. Татьяна Попова, заведующая отделом живописи Музея изобразительного искусства имени Г. Айтиева, считает, что она являлась для художника символом обновлённой жизни киргизского народа. В этой картине Чуйков представил своё понимание нового героя, нового человека своей Родины[7], олицетворение Советской Киргизии[12].
Для Национального м
ruwikiorg.ru
Достояние страны: Картина-легенда «Дочь Советской Киргизии»
Limon.KG - Тема «Достояние страны» (проект АКИpress) будет рассказывать о имеющихся и хранящихся в Кыргызстане культурных ценностях в сферах живописи, скульптуры, археологии, балета, кино, театра и т.д. Первая публикация посвящена поистине легендарной картине выдающегося советского художника, основоположника кыргызской живописи Семена Афанасьевича Чуйкова.
Картина «Дочь Советской Киргизии» является самым знаменитым произведением в кыргызском изобразительном искусстве.
Чуть заниженный горизонт дает возможность показать фигуру девочки с книжками в руке почти целиком на фоне неба. Зритель смотрит на картину словно бы снизу. Девочка изображена на фоне цепочки гор.
Как рассказывает Татьяна Попова, заведующая отделом живописи музея изобразительного искусства им. Г.Айтиева, эта картина является символом обновленной жизни кыргызского народа. В ней Чуйков наиболее последовательно выявил свое представление от новом герое, о новом человеке своей родины (художник, как известно, родился в Пишпеке в 1902 году).
Портрет девушки на многочисленных международных выставка представлял не только Киргизию, но и Советский Союз.
Чуйков создавал картину в пригородах Фрунзе. Портреты он писал с разных девушек из селений Чон-Таш и Орто-Сай, около которых работал.
Прототипом девушки стала жительница села Орто-Сай Аимжамал Огобаева. С ней Чуйков до конца своих дней регулярно общался и называл «своей дочкой».
Как рассказывает художник Талант Огобаев, родственник Аимжамал, в то время, когда Чуйков писал портрет, ей было примерно 13-14 лет. Чуйков хотел забрать Аимжамал с собой в Москву на учебу.
Но мать Аимжамал была против и не позволила ей уехать. Т.Огобаев сетует, что это было неправильное решение, ведь в то время было мало людей, которые могли получить образование, да еще в Москве. Если бы Аимжамал закончила учебу в Москве, то могла стать выдающимся общественным или государственным деятелем, как, например, Кулийпа Кондучалова — первый министр иностранных дел и глава Министерства культуры Киргизской ССР.
А так Аимжамал вышла замуж за Камчыбека Огобаева (она взяла его фамилию), который во время Второй мировой войны в 1945 году участвовал в советско-японском театре военных действий в качестве кавалериста.
После войны ее муж работал егерем в Иссык-Атинском заповеднике, затем сторожил колхозный табун, а она была домохозяйкой. У них было четверо детей, однако дочь скончалась, но остальные трое здравствуют и по сей день. Сама Аимжамал скончалась примерно 10 лет назад в возрасте около 70 лет.
Картина была написана в 1948 году, оригинал в настоящее время хранится в Москве, в зале С.Чуйкова Государственной Третьяковской галереи.
Для кыргызского музея изобразительных искусств художник сделал авторское повторение в 1950 году. Сейчас она выставлена на самом почетном месте в зале С.Чуйкова в КНМИИ им.Г.Айтиева.
В декабре 2006 года российская газета «Коммерсант» писала об одном из вариантов картины, которую выставили на аукцион живописи в ярмарке под названием «Полвека советского искусства», состоявшийся в Москве.
«Однако же на аукционе была одна звезда — «Дочь Советской Киргизии» Семена Чуйкова, один из вариантов знаменитой картины 1948 года, обязательно украшавшей советские учебники. При эстимейте 16-20 тыс. после торга между покупателем в зале и телефоном небольшая картина поднялась с $15 тыс. до $85 тыс», - писал «Коммерсант».
Авторское повторение картины, выставленное в КНМИИ им.Г.Айтиева:
Источник: АКИpress
limon.kg
Дочь Советской Киргизии - WikiVisually
1. Государственная Третьяковская галерея – The State Tretyakov Gallery is an art gallery in Moscow, Russia, the foremost depository of Russian fine art in the world. In 1892, Tretyakov presented his famous collection of approximately 2,000 works to the Russian nation. The façade of the building was designed by the painter Viktor Vasnetsov in a peculiar Russian fairy-tale style. It was built in 1902–04 to the south from the Moscow Kremlin, during the 20th century, the gallery expanded to several neighboring buildings, including the 17th-century church of St. Nicholas in Tolmachi. In 1977 the Gallery kept a significant part of the George Costakis collection, Pavel Tretyakov started collecting art in the middle of 1850. The founding year of the Tretyakov Gallery is considered to be 1856, schilder and Skirmish with Finnish Smugglers by V. G. Kudyakov, although earlier, in 1854-1855, he had bought 11 graphic sheets and 9 pictures of old Dutch masters, in 1867 the Moscow City Gallery of Pavel and Sergei Tretyakov was opened. The Gallery’s collection consisted of 1,276 paintings,471 sculptures and 10 drawings of Russian artists, in August 1892 Tretyakov presented his art gallery to the city of Moscow as a gift. In the collection at time, there were 1,287 paintings and 518 graphic works of the Russian school,75 paintings and 8 drawings of European schools,15 sculptures. The official opening of the called the Moscow City Gallery of Pavel. The gallery was located in a mansion that the Tretykov family had purchased in 1851. As the Tretyakov collection of art grew, the part of the mansion filled with art and it became necessary to make additions to the mansion in order to store. Additions were made in 1873,1882,1885,1892 and 1902-1904, construction of the façade was managed by the architect A. M. In early 1913, the Moscow City Duma elected Igor Grabar as a trustee of the Tretyakov Gallery, on June 3,1918, the Tretyakov Gallery was declared owned by Russian Federated Soviet Republic and was named the State Tretyakov Gallery. Igor Grabar was again appointed director of the museum, with Grabar’s active participation in the same year, the State Museum Fund was created, which up until 1927 remained one of the most important sources of replenishment of the gallerys collection. In 1926 architect and academician A. V, shchusev became the director of the gallery. In the following year the gallery acquired the house on Maly Tolmachevsky Lane. After restructuring in 1928, it housed the administration, academic departments, library, manuscripts department
2. Москва – Moscow is the capital and most populous city of Russia, with 13.2 million residents within the city limits and 17.8 million within the urban area. Moscow has the status of a Russian federal city, Moscow is a major political, economic, cultural, and scientific center of Russia and Eastern Europe, as well as the largest city entirely on the European continent. Moscow is the northernmost and coldest megacity and metropolis on Earth and it is home to the Ostankino Tower, the tallest free standing structure in Europe, the Federation Tower, the tallest skyscraper in Europe, and the Moscow International Business Center. Moscow is situated on the Moskva River in the Central Federal District of European Russia, the city is well known for its architecture, particularly its historic buildings such as Saint Basils Cathedral with its brightly colored domes. Moscow is the seat of power of the Government of Russia, being the site of the Moscow Kremlin, the Moscow Kremlin and Red Square are also one of several World Heritage Sites in the city. Both chambers of the Russian parliament also sit in the city and it is recognized as one of the citys landmarks due to the rich architecture of its 200 stations. In old Russian the word also meant a church administrative district. The demonym for a Moscow resident is москвич for male or москвичка for female, the name of the city is thought to be derived from the name of the Moskva River. There have been proposed several theories of the origin of the name of the river and its cognates include Russian, музга, muzga pool, puddle, Lithuanian, mazgoti and Latvian, mazgāt to wash, Sanskrit, majjati to drown, Latin, mergō to dip, immerse. There exist as well similar place names in Poland like Mozgawa, the original Old Russian form of the name is reconstructed as *Москы, *Mosky, hence it was one of a few Slavic ū-stem nouns. From the latter forms came the modern Russian name Москва, Moskva, in a similar manner the Latin name Moscovia has been formed, later it became a colloquial name for Russia used in Western Europe in the 16th–17th centuries. From it as well came English Muscovy, various other theories, having little or no scientific ground, are now largely rejected by contemporary linguists. The surface similarity of the name Russia with Rosh, an obscure biblical tribe or country, the oldest evidence of humans on the territory of Moscow dates from the Neolithic. Within the modern bounds of the city other late evidence was discovered, on the territory of the Kremlin, Sparrow Hills, Setun River and Kuntsevskiy forest park, etc. The earliest East Slavic tribes recorded as having expanded to the upper Volga in the 9th to 10th centuries are the Vyatichi and Krivichi, the Moskva River was incorporated as part of Rostov-Suzdal into the Kievan Rus in the 11th century. By AD1100, a settlement had appeared on the mouth of the Neglinnaya River. The first known reference to Moscow dates from 1147 as a place of Yuri Dolgoruky. At the time it was a town on the western border of Vladimir-Suzdal Principality
3. Всемирная выставка (1958) – Expo 58, also known as the Brussels World’s Fair, was held from 17 April to 19 October 1958. It was the first major Worlds Fair registered under the Bureau International des Expositions after World War II, nearly 15,000 workers spent three years building the 2 km2 site on the Heysel plateau,7 kilometres northwest of central Brussels, Belgium. Many of the buildings were re-used from the Brussels International Exposition of 1935, every 25 years starting in 1855, Belgium had staged large national events to celebrate its national independence following the Belgian Revolution of 1830. However, the Belgian government under prime minister Achille Van Acker decided to forego celebrations in 1955 to have funding for the 1958 Expo. Expo 58 was the 11th Worlds Fair hosted by Belgium, since Expo 58, Belgium has not arranged any more world fairs. The site is best known for the Atomium, a giant model of a cell of an iron crystal. More than 41 million visitors visited the site, which was opened with a call for peace and social and economic progress. Another exhibition at the Belgian pavilion was the Congolese village that some have branded a human zoo, the Austrian pavilion was designed by Karl Schwanzer in modernist style. It was later transferred to Vienna to host the museum of the 20th century, in 2011 it was reopened under the new name 21er Haus. The exposition One Day in Czechoslovakia was designed by Jindřich Santar who cooperated with artists Jiří Trnka, Antonín Kybal, Stanislav Libenský, architects of the simple, but modern and graceful construction were František Cubr, Josef Hrubý and Zdeněk Pokorný. The teams artistic freedom, so rare in the hard-line communist regime of the 1950s, was ensured by the government committee for exhibitions chairman František Kahuda and he supported the famous Laterna Magika show, as well as Josef Svobodas technically unique Polyekran. The Czechoslovak pavilion was visited by 6 million people and was awarded the best pavilion of the Expo 58. This was designed by the architect Pedro Ramírez Vázquez and it was awarded the expositions star of gold. The city of Paris had its own pavilion, separate from the French one and this was produced by the designer James Gardner, architect Howard Lobb & engineer Felix Samuely. The on-site British architect was Michael Blower, Brussels born and bilingual and it was designed by noted architect Edward Durell Stone. The Soviet pavilion was an impressive building which they folded up. They had a facsimile of Sputnik which mysteriously disappeared, and they accused the US of stealing it and they had a bookstore selling science and technology books in English and other languages published by the Moscow Press. On the exposition there was also a model of Lenin first nuclear icebreaker, the Soviet exposition was awarded with a Grand Prix
4. Брюссель – The City of Brussels is the largest municipality of the Brussels-Capital Region, and the de jure capital of Belgium. The City of Brussels covers most of the Regions centre, as well as northern outskirts where it borders municipalities in Flanders and it is the administrative centre of the European Union. On 1 January 2016, the City of Brussels had a population of 178,552. The total area is 32.61 km2 which gives a density of 5,475 inhabitants per square kilometre. As of 2007, there were approximately 50,000 registered non-Belgians in the City of Brussels, at first, the City of Brussels was simply defined, being the area within the second walls of Brussels, the modern-day small ring. As the city grew, the villages grew as well, eventually growing into a contiguous city. The construction of Avenue Louise was commissioned in 1847 as an avenue bordered by chestnut trees that would allow easy access to the popular recreational area of the Bois de la Cambre. However, fierce resistance to the project was put up by the town of Ixelles through whose land the avenue was supposed to run. After years of negotiations, Brussels finally annexed the narrow band of land needed for the avenue plus the Bois de la Cambre itself in 1864. That decision accounts for the unusual southeastern protrusion of the City of Brussels, the Université Libre de Bruxelles Solbosch campus is also part of the City of Brussels, partially accounting for the bulge in the southeast end. Unlike most of the municipalities in Belgium, the ones located in the Brussels-Capital Region were not merged with others during mergers occurring in 1964,1970, however, a few neighbouring municipalities have been merged into the City of Brussels, including Haren, Laken and Neder-Over-Heembeek in 1921. These comprise the northern bulge in the municipality, to the south-east is also a strip of land along Avenue Louise that was annexed from the Ixelles municipality
5. Чабан – A shepherd /ˈʃɛpərd/ or sheepherder is a person who tends, herds, feeds, or guards herds of sheep. Shepherd derives from Old English sceaphierde, shepherding is among the oldest occupations, beginning some 5,000 years ago in Asia Minor. Sheep were kept for their milk, meat and especially their wool, over the next thousand years, sheep and shepherding spread throughout Eurasia. Some sheep were integrated in the farm along with other animals such as chickens. To maintain a large flock, the sheep must be able to move from pasture to pasture and this required the development of an occupation separate from that of the farmer. The duty of shepherds was to keep their flock intact, protect it from predators, in ancient times, shepherds also commonly milked their sheep, and made cheese from this milk, few shepherds still do this today. In many societies, shepherds were an important part of the economy, unlike farmers, shepherds were often wage earners, being paid to watch the sheep of others. Shepherds also lived apart from society, being largely nomadic and it was mainly a job of solitary males without children, and new shepherds thus needed to be recruited externally. Shepherds were most often the sons of farming peasants who did not inherit any land. Shepherds would normally work in groups either looking after one large flock, or each bringing their own and they would live in small cabins, often shared with their sheep, and would buy food from local communities. Less often shepherds lived in covered wagons that traveled with their flocks, shepherding developed only in certain areas. In the lowlands and river valleys, it was far more efficient to grow grain and cereals than to allow sheep to graze, thus the raising of sheep was confined to rugged and mountainous areas. In pre-modern times shepherding was thus centered on such as the Middle East, Greece, the Pyrenees, the Carpathian Mountains. The shepherds crook is a strong multi-purpose stick or staff, often fashioned with a hooked end, in modern times, shepherding has changed dramatically. The abolition of common lands in Europe in the eighteenth and nineteenth century moved shepherding from independent nomads to employees of massive estates. Some families in Africa and Asia have their wealth in sheep, in the USA, many sheep herds are flocked over public BLM lands. Wages are higher than was the case in the past, keeping a shepherd in constant attendance can be costly. Also, the eradication of sheep predators in parts of the world have lessened the need for shepherds, in places like Britain, hardy breeds of sheep are frequently left alone without a shepherd for long periods of time
6. Колхоз – A kolkhoz was a form of collective farm in the Soviet Union. Kolkhozes existed along with state farms or sovkhoz, the 1920s were characterized by spontaneous emergence of collective farms, under influence of traveling propaganda workers. Initially a collective farm resembled a version of the traditional Russian commune, the generic farming association, the association for joint cultivation of land. This gradual shift to farming in the first 15 years after the October Revolution was turned into a violent stampede during the forced collectivization campaign that began in 1928. The word is a contraction of коллекти́вное хозя́йство, suggesting collective ownership, on the other hand, sovkhoz is a contraction of советское хозяйство, suggesting state ownership. As a collective farm, a kolkhoz was legally organized as a production cooperative, the Standard Charter of a kolkhoz, which since the early 1930s had the force of law in the USSR, is a model of cooperative principles in print. It speaks of the kolkhoz as a form of agricultural cooperative of peasants that voluntarily unite for the purpose of joint agricultural production based on collective labor. Importantly, remuneration had always been in proportion to labor and not from residual profits, implying that members were treated as employees and they imposed detailed work programs and nominated their preferred managerial candidates. Since the mid-1930s, the kolkhozes had been in effect an offshoot of the state sector, nevertheless, in locations with particularly good land or if it happened to have capable management, some kolkhozes accumulated substantial sums of money in their bank accounts. Subsequently, numerous kolkhozes were formally nationalized by changing their status to sovkhozes, essentially, his administration recognized their status as hired hands rather than authentic cooperative members. The guaranteed wage provision was incorporated in the 1969 version of the Standard Charter, the question of internal organization was important in the new kolkhozes. The most basic measure was to divide the workforce into a number of groups, generally known as brigades, by July 1929 it was already normal practice for the large kolkhoz of 200-400 households to be divided into temporary or permanent work units of 15-30 households. The brigade was headed by a brigade leader and this was usually a local man. After the kolkhoz amalgamations of 1950 the territorial successor of the old village kolkhoz was the complex brigade, brigades could be subdivided into smaller units called zvenos for carrying out some or all of their tasks. See collectivisation in the USSR and agriculture in the Soviet Union for general discussion of Soviet agriculture. In a kolkhoz, a member, called a kolkhoznik, received a share of the product and profit according to the number of days worked. In practice, most kolkhozy did not pay their members in cash at all. In 1946,30 percent of kolkhozy paid no cash for labor at all,10.6 paid no grain, in addition the kolkhoz was required to sell its grain crop and other products to the State at fixed prices
7. Ван Гог, Винсент – Vincent Willem van Gogh was a Dutch Post-Impressionist painter who is among the most famous and influential figures in the history of Western art. In just over a decade he created about 2,100 artworks, including around 860 oil paintings and his suicide at 37 followed years of mental illness and poverty. Born into a family, Van Gogh drew as a child and was serious, quiet. As a young man he worked as an art dealer, often travelling and he turned to religion, and spent time as a Protestant missionary in southern Belgium. He drifted in ill health and solitude before taking up painting in 1881 and his younger brother Theo supported him financially, and the two kept up a long correspondence by letter. His early works, mostly still lifes and depictions of peasant labourers, in 1886 he moved to Paris, where he met members of the avant-garde, including Émile Bernard and Paul Gauguin, who were reacting against the Impressionist sensibility. As his work developed he created a new approach to still lifes and his paintings grew brighter in colour as he developed a style that became fully realised during his stay in Arles in the south of France in 1888. During this period he broadened his subject matter to include trees, cypresses, wheat fields. Van Gogh suffered from episodes and delusions and though he worried about his mental stability, he often neglected his physical health, did not eat properly. His friendship with Gauguin ended after a confrontation with a razor and he spent time in psychiatric hospitals, including a period at Saint-Rémy. After he discharged himself and moved to the Auberge Ravoux in Auvers-sur-Oise near Paris and his depression continued and on 27 July 1890, Van Gogh shot himself in the chest with a revolver. He died from his injuries two days later, Van Gogh was unsuccessful during his lifetime, and was considered a madman and a failure. He became famous after his suicide, and exists in the imagination as the quintessential misunderstood genius. His reputation began to grow in the early 20th century as elements of his style came to be incorporated by the Fauves. The most comprehensive source on Van Gogh is the correspondence between him and his younger brother, Theo. Their lifelong friendship, and most of what is known of Vincents thoughts, Theo van Gogh was an art dealer and provided his brother with financial and emotional support, and access to influential people on the contemporary art scene. Theo kept all of Vincents letters to him, Vincent kept few of the letters he received, after both had died, Theos widow Johanna arranged for the publication of some of their letters. A few appeared in 1906 and 1913, the majority were published in 1914, Vincents letters are eloquent and expressive and have been described as having a diary-like intimacy, and read in parts like autobiography
8. Красные виноградники в Арле – The Red Vineyards near Arles is an oil painting by the Dutch painter Vincent van Gogh, executed on a privately primed Toile de 30 piece of burlap in early November 1888. It supposedly is the piece sold by the artist while he was alive. Van Gogh in Arles, Abrams, New York 1984, media related to The Red Vineyard at Wikimedia Commons
9. Васнецов, Виктор Михайлович – Viktor Mikhaylovich Vasnetsov was a Russian artist who specialized in mythological and historical subjects. He is considered the co-founder of Russian folklorist and romantic nationalistic painting, Viktor Vasnetsov was born in the remote village of Lopyal in Vyatka Governorate in 1848, the second of the six children. His father Mikhail Vasilievich Vasnetsov, known to be inclined, was a member of priesthood. His grandfather was an icon painter, two of Mikhail Vasnetsovs three sons, Viktor and Apollinary, became remarkable painters, the third one becoming a schoolteacher. It was in Lopyal that Viktor started to paint, mostly landscapes and scenes of village life, recalling his childhood in a letter to Vladimir Stasov, Vasnetsov remarked that he had lived with peasant children and liked them not as a narodnik but as a friend. From the age of ten, Viktor studied in a seminary in Vyatka, during his seminary years, he worked for a local icon shopkeeper. He also helped an exiled Polish artist, Michał Elwiro Andriolli, having graduated from the seminary, Viktor decided to move to Saint Petersburg to study art. He auctioned his paintings of Woman Harvester and Milk-maid in order to raise money required for the trip to the Russian capital, in August 1867 Viktor entered the Imperial Academy of Arts. Three years later, the Peredvizhniki movement of realist painters rebelled against the Academism, Vasnetsov befriended their leader Ivan Kramskoi, referring to him as his teacher. He also became close to his fellow student Ilya Yefimovich Repin. It is ironic, but Viktor, whose name is associated with historical and mythological paintings, for his graphic composition of Christ and Pontius Pilate Before the People, the Academy awarded a small silver medal to him. In the early 1870s he executed a lot of engravings depicting contemporary life, two of them won him a bronze medal at the World Fair in London. At that period he started producing genre paintings in oil. Such pieces as Peasant Singers and Moving House were warmly welcomed by democratic circles of Russian society, in 1876 Repin invited Vasnetsov to join the Peredvizhniki colony in Paris. While living in France, Viktor studied classical and contemporary paintings, at that period, he painted Acrobats, produced prints, and exhibited some of his works at the Salon. It was in Paris that he became fascinated with fairy-tale subjects, starting to work on Ivan Tsarevich Riding a Grey Wolf, Vasnetsov was a model for Sadko in Repins celebrated painting Sadko in the Underwater Kingdom. In 1877 he returned to Moscow and these works were not appreciated at the time they appeared. Many radical critics dismissed them as undermining the realist principles of the Peredvizhniki, even such prominent connoisseurs as Pavel Mikhailovich Tretyakov refused to buy them
10. Масляная живопись – Oil painting is the process of painting with pigments with a medium of drying oil as the binder. Commonly used drying oils include linseed oil, poppy seed oil, walnut oil, the choice of oil imparts a range of properties to the oil paint, such as the amount of yellowing or drying time. Certain differences, depending on the oil, are visible in the sheen of the paints. An artist might use different oils in the same painting depending on specific pigments and effects desired. The paints themselves also develop a particular consistency depending on the medium, the oil may be boiled with a resin, such as pine resin or frankincense, to create a varnish prized for its body and gloss. Its practice may have migrated westward during the Middle Ages, Oil paint eventually became the principal medium used for creating artworks as its advantages became widely known. In recent years, water miscible oil paint has come to prominence and, to some extent, water-soluble paints contain an emulsifier that allows them to be thinned with water rather than paint thinner, and allows very fast drying times when compared with traditional oils. Traditional oil painting techniques often begin with the artist sketching the subject onto the canvas with charcoal or thinned paint, Oil paint is usually mixed with linseed oil, artist grade mineral spirits, or other solvents to make the paint thinner, faster or slower-drying. A basic rule of oil paint application is fat over lean and this means that each additional layer of paint should contain more oil than the layer below to allow proper drying. If each additional layer contains less oil, the painting will crack. This rule does not ensure permanence, it is the quality and type of oil leads to a strong. There are many media that can be used with the oil, including cold wax, resins. These aspects of the paint are closely related to the capacity of oil paint. Traditionally, paint was transferred to the surface using paintbrushes. Oil paint remains wet longer than other types of artists materials, enabling the artist to change the color. At times, the painter might even remove a layer of paint. This can be done with a rag and some turpentine for a time while the paint is wet, Oil paint dries by oxidation, not evaporation, and is usually dry to the touch within a span of two weeks. It is generally dry enough to be varnished in six months to a year, art conservators do not consider an oil painting completely dry until it is 60 to 80 years old
wikivisually.com
