Музей ЧерномырдинаУкрашение дома картинами — живопись и соц арт. Картины соц арт
Концептуализм и соц‑арт • Arzamas
Как Кабаков, Булатов, Пивоваров, Монастырский и Комар с Меламидом создали самый загадочный и интеллектуальный стиль XX века
Автор Галина Ельшевская
Вот Сталин в мундире генералиссимуса и штанах с лампасами выпивает с полуобнаженной Мэрилин Монро. Вот по реке Клязьме сплавляют огромный ситцевый шар, в который зашито много-много надутых воздушных шариков и один включенный электрический звонок. Вот выставка, представляющая из себя общественный туалет, — впрочем, за буквами «М» и «Ж» обнаруживаются типовые советские квартиры. Все это — российский концептуализм.
Перефразируя известный тезис про гоголевскую шинель, можно сказать, что все современное искусство вылезает из реди-мейдов Дюшана. Если совсем конкретно, из его произведения «Фонтан» — простого писсуара, выставленного в качестве произведения искусства. Этот объект 1917 года можно считать и первым произведением концептуализма, направления, которое тогда еще не было сформулировано как явление и не названо как слово. Все это случится много позже, в шестидесятые.
Марсель Дюшан. Фонтан. 1917 годWikimedia Commons, Philadelphia Museum of ArtНастоящим отцом уже сформулированного концептуализма станет американец Джозеф Кошут. В 1965 году он создал программную работу «Один и три стула». Это инсталляция, которая состоит из собственно стула, фотографии этого стула и словарной статьи с определением слова «стул». Таким образом, стул оказывается един в трех лицах. Более того, каждый раз, когда эту работу выставляют, неизменным остается только словарное определение — а стул и его фотографию каждый раз берут новые. Кошут повторял свою главную работу и с другими предметами — с лопатой, зеркалом, молотком, пилой и так далее.
Джозеф Кошут. Один и три стула. 1965 год © flickr.com / heroesbed / CC BY-NC-ND 2.0В 24-летнем возрасте Кошут написал эссе «Искусство после философии», в котором сказал, что традиционному искусству, собственно модернистскому искусству, приходит конец и теперь надо не производить, а изучать его природу. Кстати, потом русский концептуалист Юрий Альберт переведет на русский это эссе Кошута в стихах, четырехстопным ямбом. Главный тезис статьи — «искусство — это сила идеи, а не материала». Концептуальным объектом может стать любой предмет, а также любая документация о предмете: текст про экспонат заменяет сам экспонат. Концептуальный объект не подлежит продаже, он исключен из коммерческого поля, потому что продавать, в сущности, нечего — нет мастерства исполнения, нет эстетики, нет новизны. Это искусство про то, как искусство устроено: такая тавтология.
Концептуализм порожден разочарованием в прежней картине мира, которую транслировало традиционное искусство. Что такое традиционное искусство? Это искусство, которое в той или иной мере основано на принципе мимесиса, подражания чему-то, что в реальности существует. Художник изображает нечто, что может быть сопоставлено со своим прототипом за пределами картины, — нарисованный стул со стулом настоящим. И благодаря этому соотнесению мы можем судить о мастерстве художника. Причем судить по-разному: кто-то увидит мастерство в точном соответствии натуре, а кто-то, наоборот, в выразительности условного художественного языка. Но этот критерий оценки существует, он объективно возможен. Конечно, модернистское искусство пытается преодолеть мимесис, и ему это удается — например, абстрактная живопись уже ни с чем за ее пределами впрямую не соотнесена. Но как раз в ней происходит возгонка художнических амбиций: такой жест первородства, манифестация собственного «я». Но кто дал автору право это свое «я» манифестировать? Это и есть один из главных концептуалистских вопросов.
Для концептуалистов сама необходимость личного присутствия автора в произведении оказывается скомпрометированной. Личное присутствие — это манера, почерк, любое слово от первого лица, и все это интерпретируется как ничем не обоснованная претензия на власть. Просто на власть, явленную в утверждении: я автор, это мое пространство, я сделал что-то, чего до меня в мире не было. И такое властное посягательство отрицается, подвергается ироническому снижению, игровой деконструкции. Потому что исходный тезис состоит в том, что все в мире уже было, все уже сказано и произнесено, и теперь время разбираться с этим сказанным, как с кубиками, на которые распалась прежняя целостность. Разбираться с возможностями искусства, его границами, его контекстами.
В концептуализме очень много слов — ведь это искусство, которое говорит о самом себе не хуже искусствоведческой статьи. В литературе концептуалисты пытаются освободить язык от идеологии. Они работают с речевыми штампами, с отчужденными от человека языковыми клише — можно вспомнить по этому поводу прозу Владимира Сорокина, поэзию Льва Рубинштейна на каталожных карточках или стихи Пригова, написанные от лица персонажа по имени Дмитрий Александрович Пригов. А в визуальном искусстве базовая проблематика концептуализма — это проблематика слова и изображения.
С одной стороны, образ художника или поэта лишается здесь привычных романтических коннотаций. С другой же стороны, Борис Гройс в своей статье 1979 года писал о «московском романтическом концептуализме». Чтобы разобраться с этим противоречием и заодно обозначить отличия российского концептуализма от западного, переместимся в Советский Союз рубежа 60-х и 70-х годов.
Одно из первых произведений российского концептуализма — «Ответы экспериментальной группы» Ильи Кабакова. Оно выглядит как картина (прямоугольной формы, висит на стене), но вместо изображения здесь обрывки бытовых текстов с подписями говорящих, складывающиеся в абсурдное многоголосое целое. Кабаков делал и другие работы-стенды, например самый известный — с мухой. Неопределенно-грязноватого оттенка поверхность, на ней еле заметная муха — и реплики персонажей по ее поводу: «Чья это муха? Это муха Ольги Лешко». Бедная муха, выставленная как экспонат, оказывается заключена в речь людей и не может существовать вне ее, вне того, чтобы кому-то принадлежать, — потому что нет ничего, кроме языка. И этот советский язык лозунгов, графиков, справок и расписаний, дорожных знаков и официальных бумаг агрессивно вторгается в жизнь человека.
Илья Кабаков. Ответы экспериментальной группы. 1970–1971 годы © Илья Кабаков, Государственная Третьяковская галереяПозже, уже в 80-е, мушиный мотив у Кабакова разрастется, появится инсталляция «Жизнь мух», где о мухе будут рассуждать представители разных наук, и тут же их речи будут комментироваться, — но именно в «мухе» ранней заявлена тема, которая станет для него главной. Это тема советской коммунальности, насильственной общности людей; она потом будет развернута во многих его работах, например в инсталляции 1991 года «Коммунальная кухня». В западном концептуализме такой темы не было, ей там просто неоткуда было взяться. С одной стороны, вопрос, кому принадлежит муха, — это поэтика дадаистского абсурда. С другой стороны, вопрос, кому принадлежит тот или иной предмет, — законный и необходимый для мира коммуналки.
1 / 2
Илья Кабаков. «Анна Евгеньевна Королева: Чья эта муха?» 1987 год© Илья Кабаков, Art4.ru
2 / 2
Илья Кабаков. Прогулка на теплоходе. 1970–1971 годыИлья Кабаков / ilya-emilia-kabakov.com
Коммуналка — квинтэссенция мира советского человека. Пространство, в котором парадоксально совмещается самое коллективное и самое сокровенное. Кабаков говорил: «Коммуналка является хорошей метафорой для советской жизни, потому что жить в ней нельзя, но и жить иначе тоже нельзя, потому что из коммуналки выехать практически невозможно». И он прибивает простые предметы советского быта — терку, кружку — на убогие крашеные щиты, выставляя их как ту самую муху. Рисует зайчиков с морковками, совмещая их с матерными надписями, выполненными образцово аккуратными буквами со школьных уроков черчения. Устраивает инсталляции из записок и фраз, которые жители коммуналок адресуют друг другу. Апофеозом этой темы станет график выноса помойного ведра, расписанный на шесть лет: с 1979 года по 1984-й.
В начале 1970-х годов появляются первые кабаковские альбомы — «Вшкафусидящий Примаков», «Полетевший Комаров» и так далее: они показываются тем, кто приходит к нему в мастерскую. В каждом альбоме представлена история какого-то советского чудака, обычно живущего в коммуналке. Это одинокие странные персонажи, возможно — художники; они пытаются как-то выгородить свою жизнь в опасном внешнем пространстве. «Вшкафусидящий» Примаков отказывается выбираться из гардероба и видит мир через его створки; украшатель Малыгин боится выйти в середину комнаты и прячется по углам. Заканчивается история почти всегда одинаково — выходом в иррациональное: герой исчезает, растворяется в мистической белизне альбомных листов. Потом Кабаков развернет все эти альбомы в выставочном пространстве, сделает из них инсталляцию, и каждому персонажу и его истории будет предоставлен свой отсек в коммунальном жилье. Из которого снова можно будет улететь именно вот в эту белизну и пустоту. «Человек, улетевший в космос из своей квартиры» — инсталляция 80-х годов: в комнате — остатки катапульты, в крыше дома — дыра, и она зияет.
1 / 2
Илья Кабаков. В шкафу. Из альбома «Вшкафусидящий Примаков». 1973 годИлья Кабаков / ilya-emilia-kabakov.com
2 / 2
Илья Кабаков. Мамина комната. Из альбома «Вшкафусидящий Примаков». 1971 годИлья Кабаков / ilya-emilia-kabakov.com
Тема белизны, пустоты, сияния — это метафизическое измерение московского концептуализма. И это то, чего у западных концептуалистов не было, а в российских версиях являлось важной составляющей. Это есть и в альбомах Виктора Пивоварова. Тексты, введенные в пивоваровские рисунки, написаны языком и почерком безличных противопожарных стендов и щитов с техникой безопасности, так же, как и у Кабакова. Например, в альбоме «Проекты для одинокого человека» правила жизни расписаны так же, как на советских щитах были расписаны правила действий при задымлении или утечке радиации. Та же тема развивается в альбоме «Сакрализаторы». Раз жизнь одинокого человека проходит в чужой внешней среде, то нужны средства защиты от нее. И Пивоваров предлагает использовать сакрализаторы — так он называет бытовые предметы, привязанные к телу. Например, вешалку или рулон туалетной бумаги на носу.
1 / 4
Виктор Пивоваров. Из альбома «Проекты для одинокого человека». 1975 годВиктор Пивоваров
2 / 4
Виктор Пивоваров. Из альбома «Проекты для одинокого человека». 1975 годВиктор Пивоваров
3 / 4
Виктор Пивоваров. Из альбома «Проекты для одинокого человека». 1975 годВиктор Пивоваров
4 / 4
Виктор Пивоваров. Из альбома «Проекты для одинокого человека». 1975 годВиктор Пивоваров
Категория пустоты важна и для Андрея Монастырского, создателя группы «Коллективные действия» (КД). Он — из самых главных фигур московского концептуализма, и практика «Поездок за город» — так называются тома с документацией перформансов группы — тоже из самого важного, что в этом кругу случалось. В концептуалистском словаре словосочетание «пустое действие» как раз связано с этими акциями, где ничего не происходит, но само время ожидания события наполняется смыслом. Акции вполне абсурдистские, но это абсурд с даосским или дзен-буддистским оттенком — что-то вроде хлопка одной ладони.
1 / 2
Группа «Коллективные действия». Акция «Шар». 1977 годGeorge Kiesewalter / Garage Museum of Contemporary Art
2 / 2
Группа «Коллективные действия». Акция «Шар». 1977 годGeorge Kiesewalter / Garage Museum of Contemporary Art
Например, акция «Появление»: на краю Измайловского поля появляются приглашенные зрители. С другой стороны, пересекая поле, по направлению к ним движутся двое; приблизившись, они вручают всем бумажки с печатью, что они были на этой акции такого-то числа. Такой минимализм. Зрители, они же участники, могли не подозревать, что акцией будет именно этот выход из леса и проход по полю — и ничего больше. Произведение состоит из чистого времени — путь до места — и еще документации: та самая бумажка с печатью и фотосъемка. По словам Андрея Монастырского, поле было сценой для минимальных действий, цель которых заключалась в осмыслении языковых категорий — близко, далеко, долго, быстро.
Или две акции «Лозунг» — 1977 и 1978 года. Люди приезжают в лес и видят натянутый между деревьями транспарант с надписью белым по красному: «Я НИ НА ЧТО НЕ ЖАЛУЮСЬ И МНЕ ВСЕ НРАВИТСЯ, НЕСМОТРЯ НА ТО, ЧТО Я ЗДЕСЬ НИКОГДА НЕ БЫЛ И НЕ ЗНАЮ НИЧЕГО ОБ ЭТИХ МЕСТАХ». А через год на том же месте появляется транспарант с уже другой надписью, отсылающей к первой: «СТРАННО, ЗАЧЕМ Я ЛГАЛ САМОМУ СЕБЕ, ЧТО Я ЗДЕСЬ НИКОГДА НЕ БЫЛ И НЕ ЗНАЮ НИЧЕГО ОБ ЭТИХ МЕСТАХ — ВЕДЬ НА САМОМ ДЕЛЕ ЗДЕСЬ ТАК ЖЕ, КАК ВЕЗДЕ — ТОЛЬКО ЕЩЕ ОСТРЕЕ ЭТО ЧУВСТВУЕШЬ И ГЛУБЖЕ НЕ ПОНИМАЕШЬ».
Группа «Коллективные действия». Акция «Лозунг-1977». 1977 год © Фотография Андрея МонастырскогоСамый радикальный вариант работы с временем — это «тотарт» Натальи Абалаковой и Анатолия Жигалова, тоже пионеров московского концептуализма. «Тотарт» — это «тотальное искусство»; еще в середине 1960-х художники объявили искусством собственную жизнь, документируя и концептуализируя ее события. Соответственно, главным их произведением в какой-то момент стало рождение дочери Евы.
Перформанс группы «Тотарт» «Подпольная типография» в рамках выставки «Зоопарк художников» в Государственной галерее на Солянке. 2013 год © ТАСС / Сергей Фадеичев Российский концептуализм часто именуется московским, и он действительно привязан к Москве. Более того, участники движения всегда ревниво относились к его границам и персональному составу. Но и внутри круга существовали самые разные версии и стратегии, концептуализм не был чем-то однородным.
Например, Иван Чуйков исследовал возможности традиционной картины. Его серия «Окна» — это живопись с элементами ассамбляжа. Чуйков берет закрытые оконные рамы, закрашивает стекла белой краской, а затем пишет заоконный пейзаж поверх этой белизны. Таким образом, картина оказывается не «окном в мир», а экраном, на который что-то проецируется: изображения могут даже налезать на раму или представать в искаженной перспективе.
1 / 2
Иван Чуйков. Окно XX. 1981 год© Иван Чуйков / Коллекция Владимира Овчаренко
2 / 2
Работа Ивана Чуйкова «Автопортрет» на выставке в Московском музее современного искусства. 2009–2010 годы© Фотография Сергея Пятакова / РИА «Новости»
С понятием границ картинного пространства работал и Эрик Булатов. Например, его ранняя картина «Лыжник». Лыжник в спортивном костюме удаляется вглубь картины, но зритель последовать за ним не может: красная решетка, нанесенная по всей поверхности, напоминает ему, что картина — это только плоскость, и если и есть за ней какая-то метафизическая реальность, то ему, зрителю, туда доступ закрыт. Или работа «Улица Красикова»: москвичи идут по этой самой улице, а навстречу им движется плакатный Ленин с уличного транспаранта, но встретиться им явно не суждено. Или картина «Горизонт» — здесь линия горизонта оказывается орденской лентой или ковровой дорожкой: официоз вторгается в природу. Он вторгается в нее и плакатными текстами: в картине «Слава КПСС» эта надпись закрывает небо.
1 / 2
Эрик Булатов. Улица Красикова. 1977© Эрик Булатов; фотография Михаила Фомичева / ТАСС
2 / 2
Эрик Булатов. Слава КПСС. 1975 год© Эрик Булатов
Поскольку Эрик Булатов оперирует советскими идеологическими штампами и цитатами, его часто причисляют к художникам соц-арта. Сам он это отрицает — вообще, «настоящие концептуалисты» не любят соц-артистов за пересмешничество и смешиваться с ними не хотят. Но в основе соц-арта та же концептуалистская деконструкция властных претензий, только власть здесь понята более конкретно и более узко, как советская власть. Ее язык, ее ритуалы, ее искусство — все это и деконструируется через игровое пародирование.
По названию понятно, что соц-арт — это советизированная версия поп-арта. Поп-арт в американской культуре был реакцией, с одной стороны, на эгоцентризм художников-абстракционистов — например, такого, как Джексон Поллок, который лил на холст краску, словно изливал свою уникальную душу. И с другой стороны, поп-арт был реакцией на образы, навязшие в зубах, — в случае Америки это были клише из рекламы. А в Советском Союзе засилья рекламы не было, зато в зубах навязли клише идеологические.
Соц-арт изобрели художники Виталий Комар и Александр Меламид. Новый стиль был придуман ими «на халтуре», когда они, чтобы заработать денег, расписывали пионерлагерь, — рисовали профили Ленина, героев войны и труда, рабочих и колхозниц:
«В общем, мы дрожали, пили и думали, какие же мы подлецы, что ввязались в эту гадость ради денег. И в какой-то момент завели такой пьяный разговор: „А вдруг существует какой-то человек… который делает такое искренне? И это для него такой крик души. И что он рисует? Наверное, своих родных в стиле советских героев“».
И понеслось: Комар и Меламид рисуют портреты своих родных в том же стиле, в каком халтурно оформляют интерьер пионерлагеря. Делают собственные автопортреты в стиле мозаик в московском метро, вокруг профилей — подпись, увековечивающая героев: «Известные художники начала 70-х годов XX века. Город Москва». Воспроизводят на красном фоне казенными буквами традиционные советские лозунги — «Слава труду!», «Вперед к победе коммунизма!», но только каждая такая фраза тоже подписана как авторская: «В. Комар, А. Меламид». Делают кубистический портрет собаки Лайки. Наконец, уже в эмиграции они станут пародировать салонную соцреалистическую живопись. Например, напишут картину, как товарища Сталина, сидящего ночью при лампаде у мраморных колонн, посещает полуобнаженная Муза. Называться эта картина будет «Происхождение социалистического реализма».
Еще они устраивали акции и перформансы. Один из них назывался «Котлеты „Правда“» — Комар и Меламид крутили фарш из главной советской газеты. А в эмиграции они организовали перформанс «Скупка душ», в ходе которого свою душу под расписку художникам продал сам Энди Уорхол, и оценил он ее в ноль долларов. Эта расписка была отправлена в СССР для перепродажи души Уорхола на аукционе: это был еще один перформанс. Душу должно было купить подставное лицо, чтобы вернуть Комару и Меламиду. Однако Михаил Рошаль, художник группы «Гнездо» и доверенное лицо Комара и Меламида, не уследил за лотом, и душа Уорхола досталась художнице Алене Кирцовой — так что она и сейчас в России.
Работа Виталия Комара и Александра Меламида «К свету!» (1983) на выставке «К вывозу из СССР разрешено». 2011 год © ТАСС / Александра Мудрац Кстати, о группе «Гнездо»: это хороший пример того, как призрачна грань между собственно концептуализмом и соц-артом. Михаил Рошаль, Виктор Скерсис и Геннадий Донской стали известны после устроенной ими акции на выставке на ВДНХ в 1975 году — это была одна из первых и немногих разрешенных выставок неофициального искусства. Они соорудили там большое гнездо и стали высиживать яйцо, чем вызвали неудовольствие «старших» концептуалистов, которые восприняли это как дурачество. Художники «Гнезда» формально принадлежали концептуалистскому кругу, но вполне позволяли себе соц-артистскую насмешливость. Как-то во время обыска у Рошаля была изъята работа — портрет Сахарова из сахара и портрет Солженицына из соли. Потом, в эпоху перестройки, работу пытались вернуть, но безуспешно — видимо, в застенках и сахар растаял, и соль рассыпалась.
Группа «Гнездо» во время акции «Гнездо». 1975 год © Государственный центр современного искусстваДля соц-артистов любой юмор, даже самый рискованный, был, что называется, «в законе». Очень смешные работы Александра Косолапова, где перемешаны расхожие знаки советской идеологии и американской потребительской культуры: Ленин, Микки-Маус, Сталин, кока-кола и так далее. Некоторые из этих работ, сделанных в эмиграции, будут провоцировать религиозных фанатиков в России — например, икона-икра или соединение образа Христа с логотипом Макдональдса. Такое же прямое и пересмешническое столкновение контекстов — в работах Леонида Сокова: Сталин выпивает с Мэрилин Монро, Ленин пожимает руку «Шагающему человеку», модернистской скульптуре Джакометти. Это очень прямое искусство, в нем нет никаких вторых и третьих смыслов, — но оно живое, веселое и убедительное.
1 / 4
Александр Косолапов. Микки и Минни, рабочий и колхозница. 2004 годФотография Екатерины Чесноковой / РИА «Новости»
2 / 4
Леонид Соков у работы «Встреча двух скульптур» (1994) на выставке «Леонид Соков. Угол зрения». 2012 годФотография Валерия Шарифулина / ТАСС
3 / 4
Работа Александра Косолапова «Герой. Лидер. Бог» на выставке «Пост-поп: Восток встречается с Западом». 2014 годZuma/ТАСС
4 / 4
Работа Алисы Заржевской «Не сотвори себе кумира» (слева) и Александра Косолапова «Моя кровь» на выставке «Осторожно, религия!». 2003 год Фотография Александра Полякова / РИА «Новости»
Уже говорилось о том, что концептуалисты скептически относятся к идее, что художник самовыражается в искусстве, а заодно творит что-то новое. С этим связаны распространенные в их кругу игры в персонажей.
Комар и Меламид придумали двух персонажей, от лица и за подписью которых создавали работы. Один из них — крепостной Апеллес Зяблов, первый в мире абстракционист, еще в XVIII веке написавший беспредметную картину «Портрет Ее Величества Ничто», то есть опередивший Малевича на полтора столетия. Другой, по фамилии Бучумов, напротив, реалист, которому выпало жить и творить в эпоху торжества авангарда. Разбушевавшиеся футуристы выбили ему один глаз, однако он остался верен правде жизни и принципу «пишу то, что вижу», поэтому на всех как бы им написанных картинах присутствует кусок его носа.
Если у Комара с Меламидом два мнимых автора, то у Кабакова их множество. Например, Шарль Розенталь — уроженец Херсона, ученик Шагала и Малевича, эмигрировавший в Париж и погибший под колесами автомобиля на Монмартре; в инсталляции «Альтернативная история искусств» Розенталь является косвенным учителем другого персонажа по имени Илья Кабаков — тезки художника. Еще один вымышленный автор — безвестный создатель жэковских стендов, но, как рассказывает о нем Кабаков, «прежде чем стать художником-оформителем в ЖЭКе, он прожил сложную жизнь, и искусство его представляет собой странную смесь халтуры, простого неумения и ярких вспышек, догадок и озарений». Уже много лет Кабаков подписывает свои работы вместе с женой: «Илья и Эмилия Кабаковы» — это тоже такой коллективный персонаж.
Это ускользание от четко очерченного «я» получит даже специальное название в концептуалистском словаре — «колобковость». И оно скажется и на личном поведении художников. Как правило, концептуалисты не присоединялись к протестным инициативам: так, в «Бульдозерной выставке» 1974 года, устроенной подпольными художниками и разгромленной властями, из этого круга участвовали только Комар с Меламидом. Они не рассчитывали на иностранцев, покупающих работы, — и в ту пору подобные работы и не могли стать «дип-артом», их эстетическая ценность была неочевидна, а значит, отсутствовала и ценность коммерческая. Многие подрабатывали в издательствах, в основном иллюстрируя детские книги, — этим занимались и Кабаков, и Пивоваров, и Булатов с соавтором Олегом Васильевым. Кстати, их книги вполне хороши, так что мучительного разрыва между тем, что делалось «всерьез», и тем, что делалось «для денег», не было. Впрочем, как сказать — существует чудесная устная история, возможно легенда, о том, как то ли Комар, то ли Меламид попытался заработать портретированием. Случился заказ — написать портрет какого-то знатного рабочего, мастера — золотые руки, и художник этот портрет написал со всем гиперреалистическим тщанием. Но в конце не удержался и сделал руки героя все-таки золотыми — и, естественно, ему не заплатили.
1 / 6
Обложка книги «Скандинавские сказки». Художник Виктор Пивоваров. 1982 годИздательство «Художественная литература»
2 / 6
Обложка книги Генриха Сапгира «Леса-чудеса». Художник Виктор Пивоваров. 1967 годИздательство «Детская литература»
3 / 6
Обложка книги Юрия Кушака «Плывет кораблик в гости». Художник Илья Кабаков. 1979 годИздательство «Малыш»
4 / 6
Обложка книги Джеймса Мэтью Барри «Питер Пэн и Венди». Художник Илья Кабаков. 1968 годИздательство «Детская литература»
5 / 6
Обложка книги Валентина Берестова «В гости едет котофей». Художники: Эрик Булатов, Олег Васильев. 1985 годИздательство «Малыш»
6 / 6
Обложка книги Шарля Перро «Золушка». Художники: Эрик Булатов, Олег Васильев. 1985 годИздательство «Малыш»
Мы поговорили только об основателях московского концептуализма — но его история будет долгой. Слишком сильна была концептуалистская прививка, чтобы не отозваться в искусстве последующих десятилетий.
Что еще почитать про концептуализм и соц-арт:
Альберт Ю. Что я видел. М., 2011.Бакштейн И. Внутри картины. Статьи и диалоги о современном искусстве. М., 2015.Бобринская Е. Концептуализм. М., 1994.Дёготь Е. Террористический натурализм. М., 1998.Тупицын В. «Другое» искусства. М., 1997.Холмогорова О. Соц-арт. М., 1994.
Ликбез № 1
Русское искусство XX века
Ликбез № 1
Русское искусство XX века
arzamas.academy
Соц-арт как направление постмодернистского искусства
История появления Соц-арта:
Соц-арт ( социалистическое искусство) – одно из направлений постмодернистского искусства, сложившееся в СССР в 1960-1970-х гг., в рамках так наз. Альтернативной культуры, противостоящей государственной идеологии того периода.
Изобретателями соц-арта считаются московские художники Виталий Комар и Александр Меламид, вокруг которых во второй половине 1970-х гг. сложился круг молодых художников , разделявших их взгляды и убеждения. В разные годы к их объединению примыкали Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Пригов, Борис Орлов, члены групп «Гнездо» и «Мухоморы». Соц-арт не был жестким стилевым направлением, он объединял весьма различных по своей манере авторов, не просто находящихся в «художественной оппозиции», но разрабатывающих в своем творчестве многослойные составляющие официальной идеалогии и ее художественных догматов. К концу 1990-х гг. соц-арт практически перестал существовать , т.к. с изменением политической ситуации содержательная основа этого искусства стала не актуальной.
Особенности Соц-арта:
Соц-арт возник как пародия на официальное советское искусство и образы современной массовой культуры в целом, что нашло отражение в его ироничном наименовании, соединившем понятие соц-реализм с поп-артом. Повальное господство вещевого фетишизма в капиталистическом обществе перекликалось с засильем советского идейного мифотворчества. Создатели соц-арта прекрасно понимали пустоту, лживость и лицемерие официального искусства, стоявшего на службе тоталитарного режима. Используя и перерабатывая одиозные клише, символы и формы этого искусства и расхожие мотивы советской политической агитации, соц-арт развенчивал в игровой, зачастую эпатирующей форме их истинный смысл, пытаясь раскрепостить зрителя от идеологических стереотипов. Его объекты были, как правило, художественные коллажи, «цитирующие» советский официозно-государственный антураж по всем правилам поп-артовской эстетики, -с использованием в структуре произведений реальных вещей и бытовых предметов. Ирония, гротеск, острая подмена, свободное цитирование любых приемов и стилей, использование разнообразных форм (от станковой живописи до пространственных композиций) стали основой броского, намеренно эклектичного художественного языка этого направления.
Мастера Соц-арта:
Виталий Комар, Александр Миламид, Эрик Булатов, Борис Турецкий, Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Пригов, Борис Орлов, Ростислав Лебедев, Григорий Брускин.
Примеры работ в направлении Соц-арт:
Александр Косолапов.Ленин.Коака-кола.
Эрик Булатов. Свобода есть.
Чжан Сяоган.Линия крови-большая семья.
Ростислав Лебедев. Русская сказка.
Леонид Соков.Сталин и Монро.
Валерий Барыкин.Работник ЖКХ!
v.sokolovsky.com.ua
СОЦ-АРТ | Введенская сторона
Соц-арт – одно из наиболее известных направлений советского искусства 1970–1980-х годов. Оно сложилось как своеобразная реакция на тотальное засилье официальной пропаганды в культуре тех лет. Сам термин, впервые применённый художниками Виталием Комаром и Александром Меламидом, возник по аналогии с поп-артом, который отражал повальное господство вещевого фетишизма и рекламные стереотипы материального процветания в обществе потребления. Соц-арт, применяя цитирование пластических приёмов и образов советского искусства, в игровой, часто эпатирующей форме иронического снижения развенчивал советский идеологический миф. Пик известности соц-арта пришёлся на годы «перестройки». Тогда же произошло его международное признание. Однако в 90-е годы направление, похоже, исчерпало свой критический потенциал и потеряло актуальность. Можно ли говорить, что очередная волна массовой культуры одержала очередную победу? Или, наоборот, соц-арт выполнил свою задачу? Скорее всего, ни то, ни другое. Противники просто разошлись, и решающие сражения, на мой взгляд, ещё впереди. Но, возможно, они будут происходить на других эстетических площадках.
В 70-е годы прошлого века мода на «наглядную агитацию», как говорится, клокотала. Художники, занимающиеся «оформиловкой», были востребованы, неплохо зарабатывали и быстро разработали методы тиражирования своего труда. Например, рабочего делали в пять минут с помощью трафарета – решительное волевое лицо, комбинезон, очки сталевара. Интеллигент – просто очки, тубус под мышкой и т.д. Как странно сходились тогда направления массовой культуры: Уорхол с помощью шелкографии размножал свои банки с супом, у советских художников были свои приёмы, над которыми смеялись (портретные трафареты художницы Снежинки из эпоса о Незнайке), но применяли.
Соц-арт возник тогда, когда наглядная агитация перешла все пределы здравого смысла и вступила в противоречие с многими смыслами коммунистической идеи. Когда люди, увидев на стене артиллерийского училища лозунг «Наша цель?– коммунизм», не возмущались или жаловались, а просто смеялись. Но мне кажется, причины лежат и глубже.
Одно из самых серьёзных психических расстройств называется «посттравматический синдром». Это когда человек пережил какое-то травмирующее событие и болезненно реагирует на него, иногда долгие годы. Становится немотивированно бдителен, агрессивен, им овладевают галлюцинаторные переживания, непрошенные воспоминания в виде ночных кошмаров, неуверенность в себе, чувство вины и страха. Культура, да и цивилизация в целом тоже может испытывать такой синдром. После войны, например, или происходящего на глазах разложения тоталитарного режима. Но общество с помощью культуры вырабатывает своеобразные лекарства, позволяющие преодолеть болезнь. Одно из самых эффективных – смех.
Смех сложен и велик. Он выступает как последствие болезни (нервный смех) и одновременно как орудие борьбы с ней. Я иногда советую своим студентам, приходящим на зачёт, представить, что на мне красные кальсоны. Меня-то и так никто не боится, но если вам, дорогие читатели, предстоит сдавать экзамены строгому профессору, проделайте этот мысленный эксперимент. Уверяю, станет легче. И хотя в смехе всегда есть чуточку агрессии – это не прямая насмешка. Это просто способ приблизить себя к явлению, кажущемуся недосягаемым, соотнести себя с ним, если угодно, возвыситься, разрушить (а в разрушающем смехе Шивы индийцы улавливали созидание нового мира) то, что, вероятно, давно должно быть разрушено. Самое главное, что смех снимает страх.
Страх – базовая эмоция, и досталась она нам в наследство от далёких предков, которым было что бояться. Есть чего бояться и нам. Понятно, что страх лежит в основе многих явлений культуры (религии, нравственности). Не последнюю роль он сыграл и в появлении государства, и с этой точки зрения и до определённых пределов страх социально необходим. Но нельзя допускать, чтобы страх лёг в основу отношений между людьми – родителей с детьми, начальников с подчинёнными, преподавателей со студентами, правительства с гражданами. К сожалению, больше всего в жизни мы боимся именно людей… Но преодолев страх, в любой его форме и с помощью чего угодно, вы становитесь недосягаемы для собак и плохих людей. Вы становитесь способны к творчеству. Психологи правильно говорят – не называйте отсрочку и неспособность начать – ленью, называйте её страхом.
Не знаю, думали ли об этом Комар и Меламид в далёком 1972 году, когда в заснеженном пионерском лагере рисовали портреты почётных пионеров. Но они называли своё насмешливое искусство «слипанием» с идеологией и эстетикой власти. Борис Орлов называет себя «имперским художником», и исследует, по его словам, «артефакты империи», якобы от неё не дистанцируясь. Эрик Булатов перемешивает советский плакат с пейзажной живописью, заимствованной, кстати, из массовой печати, для некоего живописного эксперимента. Но объективно говоря, основатели соц-арта, что бы они ни говорили, иллюстрировали абсурдность действительности, перенасыщенной символами советской пропаганды, редуцировали миф, позволяя разглядеть его в той степени, когда с него осыпается позолота. На учёном языке это называется деконструкцией, на простом: «неча на зеркало пенять…». Кто-то увидит в соц-арте только издёвку над святынями, кто-то задумается над качеством этих святынь. А думать никогда не вредно, только часто боязно.
P.S. Комар и Меламид создали самую любимую картину русского народа и самую не любимую. Художники, если, конечно, они, как всегда, не шутят, опросили тысячу человек и выяснили, что на любимой картине должен быть изображён Христос, кормящая мать и медведь, а на не любимой?– жёлтые треугольники. Так и нарисовали. Тут есть над чем подумать.
Сергей Пухачев.
art-storona.ru
|
Система управления
ПОЛЕЗНО ЗНАТЬ:
НАПРАВЛЕНИЯ В ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМ ИСКУССТВЕ
АВАНГАРДИЗМ
АГИТАЦИОННОЕ ИСКУССТВО
АКАДЕМИЗМ
АКЦИОНИЗМ
АМПИР
АНАЛИТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО
АНДЕРГРАУНД
АРТ-СЕНСУАЛИЗМ
АССАМБЛАЖ
БАРОККО
ВОЗРОЖДЕНИЕ
ГИПЕРРЕАЛИЗМ (англ, hyperrealism)
ГРАФФИТИ и СТРИТ-АРТ
ГРОТЕСК
ДАДАИЗМ (франц. dadaisme, от dado - деревянная лошадка, в переносном смысле - бессвязный детский лепет)
ИМПРЕССИОНИЗМ
ИНСТАЛЛЯЦИЯ
ИСТОРИЧЕСКИЕ СТИЛИ
КИНЕТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО
КИНУСАЙГА (японская техника исполнения картин)
КЛАССИЦИЗМ
КОМПЬЮТЕРНАЯ ГРАФИКА
КОНСТРУКТИВИЗМ
КОНЦЕПТУАЛИЗМ
КУБИЗМ
КУБОФУТУРИЗМ
ЛУЧИЗМ (районизм)
МАНЬЕРИЗМ
МАССОВАЯ КУЛЬТУРА
МАССОВОЕ ИСКУССТВО
МЕТАФИЗИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО
МИНИМАЛИЗМ
МОДЕРН
МОДЕРНИЗМ
НАИВНОЕ ИСКУССТВО
НАТУРАЛИЗМ НЕКРОРЕАЛИЗМ
НЕОАВАНГАРДИЗМ
НЕОАКАДЕМИЗМ
НЕОИМПРЕССИОНИЗМ
НЕОПРИМИТИВИЗМ НЕОРЕАЛИЗМ НЕОРУССКИЙ СТИЛЬ "НОВЫЕ ДИКИЕ" НОНКОНФОРМИЗМ
НОН-ФИГУРАТИВНОЕ ИСКУССТВО
ПЕРЕДВИЖНИКИ - ТОВАРИЩЕСТВО ПЕРЕДВИЖНЫХ ХУДОЖЕСТВЕННЫХ ВЫСТАВОК (ТПХВ) ПЕРФОРМАНС
ПЛЕНЭР (фр. plein air - буквально открытый воздух)
ПОЛИСТИЛИЗМ
ПОП-APT ПОСТАВАНГАРД
ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ ПОСТМОДЕРНИЗМ
ПРИМИТИВ
ПРИМИТИВИЗМ
"ПРОИЗВОДСТВЕННОЕ ИСКУССТВО" ПУАНТИЛИЗМ
РЕАЛИЗМ РЕДИ-МЕЙД
РЕНЕССАНС
РОКОКО
РОМАНТИЗМ
РУССКОЕ ФЭНТЕЗИ РУССКИЙ СТИЛЬ, псевдорусский стиль СЕЗАННИЗМ (по имени Сезанна)
СЕЦЕССИОН
СИМВОЛИЗМ
СОВРЕМЕННЫЕ ТЕЧЕНИЯ
СОЦ-АРТ
СОЦИАЛИСТИЧЕСКИЙ РЕАЛИЗМ
СУПРЕМАТИЗМ "СУРОВЫЙ СТИЛЬ"
СЮРРЕАЛИЗМ
ТОВАРИЩЕСТВО ПЕРЕДВИЖНЫХ ХУДОЖЕСТВЕННЫХ ВЫСТАВОК (ТПХВ)-ПЕРЕДВИЖНИКИ ТОТАЛЬНОЕ ИСКУССТВО ТРАНСАВАНГАРД ФИГУРАТИВНОЕ ИСКУССТВО ФОВИЗМ (от фр. fauve - дикий) ФОРМАЛИЗМ ФУТУРИЗМ
ФЭНТЕЗИ ХЭППЕНИНГ ЭКЛЕКТИЗМ
ЭКСПРЕССИОНИЗМ
ЭРОТИЧЕСКИЙ ЖАНР
ЮГЕНДСТИЛЬ ==================== ИЗ НЕКОТОРЫХ НАПРАВЛЕНИЙ ПРИМЕРЫ РАБОТ РАЗНЫХ АВТОРОВ
|
СОЦ-АРТ - направление в отечественном неофициальном искусстве 1970-х - начала 90-х гг. Художники соц-арта использовали для своих работ стилистику, язык и завоевания соцреализма. Однако, как правило, в произведениях художников-соцартистов присутствуют юмор, ирония и саркастичное отношение к идеологическим пропагандистским клише, в изобилии растворенным в массовом сознании советских людей. Соединяя в своих работах псевдосерьезность и стилистику, взятые от соцреализма, с юмористическим или абсурдным сюжетом, соц-артисты добивались не только зрительской улыбки, но и разрушения социалистической мифологии. К художникам этого жанра традиционно относятся: Виталий Комар, Александр Меламид, Эрик Булатов, Борис Турецкий, Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Пригов, Борис Орлов, Ростислав Лебедев, Григорий Брускин.
|
www.artlikor.com
Соц-арт стиль в живописи
Соц-арт — ( социалистическое искусство) – одно из направлений постмодернистского искусства, сложившееся в СССР в 1960—1970-х гг., в рамках так наз. Альтернативной культуры, противостоящей государственной идеологии того периода.
Соц-арт возник как пародия на официальное советское искусство и образы современной массовой культуры в целом, что нашло отражение в его ироничном наименовании, соединившем понятие соц-реализм с поп-артом. Повальное господство вещевого фетишизма в капиталистическом обществе перекликалось с засильем советского идейного мифотворчества. Создатели соц-арта прекрасно понимали пустоту, лживость и лицемерие официального искусства, стоявшего на службе тоталитарного режима. Используя и перерабатывая одиозные клише, символы и формы этого искусства и расхожие мотивы советской политической агитации, соц-арт развенчивал в игровой, зачастую эпатирующей форме их истинный смысл, пытаясь раскрепостить зрителя от идеологических стереотипов. Его объекты были, как правило, художественные коллажи, «цитирующие» советский официозно-государственный антураж по всем правилам поп-артовской эстетики, -с использованием в структуре произведений реальных вещей и бытовых предметов. Ирония, гротеск, острая подмена, свободное цитирование любых приемов и стилей, использование разнообразных форм (от станковой живописи до пространственных композиций) стали основой броского, намеренно эклектичного художественного языка этого направления.
Изобретателями соц-арта считаются московские художники Виталий Комар и Александр Меламид, вокруг которых во второй половине 1970-х гг. сложился круг молодых художников , разделявших их взгляды и убеждения. В разные годы к их объединению примыкали Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Пригов, Борис Орлов, члены групп «Гнездо» и «Мухоморы». Соц-арт не был жестким стилевым направлением, он объединял весьма различных по своей манере авторов, не просто находящихся в «художественной оппозиции», но разрабатывающих в своем творчестве многослойные составляющие официальной идеалогии и ее художественных догматов. К концу 1990-х гг. соц-арт практически перестал существовать , т.к. с изменением политической ситуации содержательная основа этого искусства стала не актуальной.
Мастера соц-арта: Виталий Комар, Александр Миламид, Эрик Булатов, Борис Турецкий, Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Пригов, Борис Орлов, Ростислав Лебедев, Григорий Брускин.
Источник: http://www.izostili.ru/index.php?section_ID=57
Похожие записи
design-kmv.ru
Соц-арт: история, художники, картины | АНОНСЫ
Настоящий мастер способен разглядеть эту невидимую суть – человека, животного, растения, предмета или природного ландшафта – и перевести на понятный нам язык, открыть то, что требует проницательного профессионального взгляда и умения выразить увиденное средствами живописца.
Навыка ремесленника для работы столь высокого уровня явно недостаточно. Настоящая картина соц-арт стиля, выполненная маслом на холсте в традициях русской классики, – это уникальная ручная работа, требующая таланта и неповторимого видения мира. Только тогда смешение масляных красок на холсте обретает душу и превращается в искусство, а произведение начинает притягивать взгляды и сердца людей.
Студия Art of Russia основала галерею авторских работ. Это наши современники, одаренные живописцы, работающие в разных жанрах и потому интересные многим. Здесь действует и выставка-продажа, на которой каждый может купить картину в стиле соц-арт. Учитывая постоянно растущий спрос и возвращающуюся моду, перспективы у студии заманчивые и яркие.
Посетить маленький музей-галерею интересно даже просто ради удовольствия увидеть искусно подобранные живописные работы. Вы найдете множество жанров и направлений: от картин, имитирующих старые русские полотна, до модерна, абстрактной живописи и современных модных стилей. Присутствуют здесь и картины представителей союза художников России. А в целом расположение полотен демонстрирует тонкий вкус организаторов и подчеркивает уникальность каждой из работ.
Первое знакомство со студией может состояться онлайн, представляющем все виды работ, выполняемых мастерами Art of Russia: от интерьерной росписи до выполнения портретов на заказ. Причем вы найдете здесь не только традиционное масло, но также изумительные картины из бисера. Глубоко в древность уходит этот вид искусства: стеклянный бисер использовался еще в Древнем Египте, который и является родиной этого направления.
Замечательной российской традицией было вышивание мелким жемчугом. Сегодня такие картины считаются раритетами и хранятся только в музеях. А шитье бисером стало полноправным жанром декоративного искусства. В Art of Russia имеются свои мастера, создающие удивительные по красоте и филигранности полотна. Здесь и византийские мотивы, и целые фрагменты из жизни древнейших, давно исчезнувших цивилизаций: воплощенные в бисере изображения невозмутимой задумчивости Сфинкса и утонченной, тревожной красоты Нефертити…
xn----7sbbagmgoc8bze5h.xn--p1ai
Украшение дома картинами - живопись и соц арт
Украшение дома картинами является достойным довершением оформления внутреннего интерьера. Грамотно подобранное полотно позволяет создавать атмосферу обжитого и уютного пространства. При этом выбор картины должен основываться не только на соблюдении стиля, размеров и цветовой гаммы. Важно прислушиваться к возникающим ощущениям, которые вызывает уникальная работа художника, и создаваемому ею эмоциональному заряду.
Прекрасными и воодушевляющими творениями характеризуется живопись советского периода. Расположение в интерьере лирических картин в жанре натюрморта и пейзажа А. В. Куприна, отличающихся парадностью и артистизмом передачи образа произведений П. П. Кончаловского, содержащих изысканные цветовые решения шедевров Р. Р. Фалька, полотен с таинственной атмосферой А. В. Лентулова, пластических мотивов А. А. Осмёркина, пропитанных темой раздора с миром пейзажей А. Д. Древина, работ со свойственным внутренним напряжением Н. А. Удальцовой, разнящихся тонким чувством особенностей модели портретов П. Д. Корина в послевоенное время, проявлений колористического дара С. А. Чуйкова, сдержанной живописи, продолжающейся в реалистических русских традициях начала XX века, Н. М. Ромадиного, творений, отражающих крестьянский уклад как поэтическую составляющую русской жизни В.Ф. Стожарова, пейзажей К. Н.Бриттова, В. Г.Кокурина и В. Я. Юкина, пронизанных атмосферой праздника происходящих изменений в стране, позволит удовлетворить даже самые изысканные эстетические запросы и украсить домашний очаг, создавая целостность образа, мотивы уюта и размеренного существования.
Желание организовать необычную атмосферу может быть реализовано посредством использования творений альтернативной культуры, возникшей в качестве противопоставления идеологии советского времени.
Соц арт как актуальное направление постмодернизма в современном искусстве
Стиль соц арт возник в СССР в 1970-х годах в качестве пародии на советский образ культуры и идеологию как одно из направлений постмодернистского искусства. Его основателями стали художники А. Миламид и В. Комар, сплотившие вокруг своего творчества группу единомышленников и создавшие символ поворотного времени, используя различные приемы художественного авангарда XX века.
Пустота, цинизм, одиозные клише и образы, порожденные идеологией официального советского искусства, были переработаны с использованием разнообразных видов иронии, гротеска и свободного цитирования в игровой форме, развенчивая символы союзной пропаганды и стереотипы политического инструментария. Позже соц арт превратился в альтернативную культуру. В художественных творениях в данном стиле прослеживается четкое стремление разрушить догмы политической агитации.
В настоящее время стиль «соц арт» стал модным трендом и приобрел большую популярность при оформлении различных интерьеров благодаря своей социальной направляющей. Основной причиной, обуславливающей актуальность соц арта, служит предоставляемая им возможность окунуться в столь родные советские времена и насладиться возникающим в памяти ощущением уюта и домашнего комфорта. Кроме того, его приемы и художественные образы продолжают использоваться в современном искусстве.
rumpus.ru
