Музей ЧерномырдинаОсобенности техники Импасто. Картины мазками маслом
Техника импасто в живописи: маслом и акрилом
В изобразительном искусстве итальянское слово «импасто» (тесто или паста) обозначает технику с использованием неразбавленной краски, которая густо наносится на холст. Первоначально метод использовали для маскировки дефектов или некоторых фрагментов картины — художники смешивали пигменты прямо на полотне, чтобы получить требуемый цвет или эффект.
С помощью этой техники можно добавить трехмерное, почти скульптурное качество или создавать уникальные текстуры. Техника использует утолщенные непрозрачные слои — масляные, акриловые, гуашь и темперу. Мазки толстым слоем, создавали рельефные поверхности, на которых до сих пор отчетливо видны следы кисти или шпателя. Некоторые художники использовали метод к конкретным элементам картины, другие, как Винсент Ван Гог, выполняли целые полотна в импасто.
Особенности техники
Использование импасто превратилось в настоящее исследование художниками свойств масляного пигмента — стандартной среды в западной живописи в эпоху Возрождения. Работы маслом сохнут медленно, позволяя художникам наносить ее густыми мазками или в несколько слоев. Для создания особо выразительных эффектов, краску наносят мастихином вместо кисти.
- В отличие от смешивания «мокрое по мокрому», техника импасто действительно создает физическое ощущение объема в выразительных, абстрактных работах. Чтобы мазки были плотнее, художники иногда добавляют воск или другие вещества.
- Живописцы эпохи Барокко, которые практически первыми применили технику, смешивали краски с лаком или цинковыми белилами для грубых текстур, в сочетании с другими методами, создавая широкий спектр текстур и эффектов в одной работе.
- Импрессионисты, которые гордились спонтанными работами на пленэре, приняли совершенно иной подход. В отличие от более ранних художников, импрессионисты приобретали готовые смеси и использовали краски прямо из тюбика. Густые, яркие работы маслом сохраняют следы кисти.
- Художники эпохи постимпрессионизма, экспрессионизма, также использовали густые слои, аналогичные импрессионистам — эта практика продолжалась абстрактными экспрессионистами в течение прошлого века.
Эффект 3D
Импасто создает богато текстурированную трехмерную поверхность, которая удерживает свет на полотнах или создает крошечные области тени, усиливая восприятие картины. Эффект импасто в картине служит нескольким целям:
- добавляет рельеф поверхности, подсветку, придает скульптурное качество живописи и акцентирует формы;
- используется для создания областей визуальной привлекательности.
Ранние барочные художники Рембрандт и Веласкес использовали импасто частично, для сложных текстур, таких как кружева, волосы, морщинистая кожа или эффекта резного камня без копирования точных деталей, складки одежды, блеск драгоценностей, а также для усиления атмосферных эффектов.
Визуальная иллюзия
Импрессионисты и экспрессионисты применяли густой слой для создания визуальных иллюзий, имитации сломанной текстуры, объема, интенсивного света. Экспрессионисты использовали технику для передачи чувств и эмоций. Клод Моне использовал архитектурный подход к импасто.
Импрессионисты при работе в пастели применяли два способа.
- Первый основан на использовании фиксирующих веществ и добавлении фиксатора распылением или кистью. Слой за слоем с использованием этой техники работал Эдгар Дега.
- Второй метод основан на разработках пастельных оснований из акрила, которые способны удерживать текстуру на полотне.
Текстурирование
Современные акриловые праймеры для пастели являются достаточно «тяжелыми», чтобы сохранить густой слой гибким, без образования трещин и шелушения. Это позволяет экспериментировать с пастелью и получать разнообразие текстур. Чтобы подчеркнуть текстурные свойства краски, ранние мастера пытались устранить мазки, но времена изменились, и сегодня многие художники максимально используют свойства видимого мазка.
Масло наиболее подходит для пастозного метода из-за вязкости, плотности и медленного высыхания работы, но в пастозной технике применяются акриловая краска или гуашь. Темпера имеет слишком тонкую текстуру, поэтому техника импасто применяется с наполнителями.
Как наносить краску
Способы нанесения краски:
- Краску можно наносить кистью или мастихином, использовать прямо из тюбика или добавлять наполнители;
- Плотные слои пигмента оставляют сохнуть, но медленно, чтобы избежать сморщивания или растрескивания;
- Чрезмерно жирная среда неудобна для текстурирования и мазков;
- Плоская щетка или синтетические кисти идеально подходят для пастозной работы;
- Для вязкости пигменты дополняют песком, древесными опилками, чтобы создать объем и текстуру;
- После высыхания импасто, можно защитить работу тонкой пленкой глазури, чтобы предотвратить образование трещин.
Рекомендуем публикации
Особенности техники рисования акварелью
Особенности гиперреализма как стиля в живописи
Техника живописи Сфумато
Техника пастозной живописи
Особенности древнегреческой вазописи
Загрузка... artrecept.com
Это живопись маслом - Мастерок.жж.рф
Очередной пример гиперреализма. Много мы уже спорили на эту тему - переспорить друг друга невозможно. Часть людей считает, что это бестолковое искусство перерисовывания, а другая часть отвечает им - "а вы попробуйте сами так нарисовать, а не какой нибудь квадрат или треугольных людей".
На такие картины надо смотреть конечно только "в живую". Смотреть на них через фотографии сложно, т.к воспринимаешь их как фотографии. В половине случаев даже не верится, что это картина, хочется подойти поближе и разглядеть мазки, убедиться что это не принт.
Но пока смотрим со стороны и удивляемся ...
Фото 2.
Нью-йоркский художник Игаль Озери (Yigal Ozeri) родился в Израиле. В его стиле живописи так много гиперреализма, что картины с высочайшим уровнем детализации ошеломляют. Нужно внимательно присмотреться к полотнам, чтобы поверить, что мастер кропотливо выводил их кистью, а не снимал на цифровую фотокамеру. Игаль Озери больше всего известен кинематографическими портретами молодых женщин. Его картины выставляют на выставках по всему миру.
Фото 3.
Фотореализм — направление в живописи, которое появилось в Америке в конце 60-х гг. прошлого века. Фотореалистичная живопись невозможна без фотографии. В фотореализме изменение и движение заморожено во времени и скрупулёзно представлено художником.
Фото 4.
Свою творческую карьеру Игаль начинал как художник абстракционист в Израиле: «В моем детстве практически не было книг по истории искусств, а те, что были, и те с черно-белым картинками. Когда в 30 лет я впервые побывал в музее Prado в Мадриде, меня поразила живопись художников Золотого Века, таких, как Веласкес и Мурильо. Тогда мне стало понятно, что нужно учиться рисовать заново. К реализму я приходил постепенно».
Фото 5.
Сегодня Игаль Озери живёт и работает в Нью-Йорке. Техника, в которой он создаёт свои работы последние 10 лет, это фотореализм. Переезд с семьёй в Нью-Йорк определил новый этап в творчестве.
Меня очень интересовал вопрос, как проходит творческий процесс художника-фотореалиста, и Игаль подробно его описал.
— Творческий процесс поэтапный, начинается все с модели, потом я снимаю фото и видео материал, который составляет основу для будущих картин. Затем тщательно отбираю кадры на компьютере, которые проектирую на стену, таким образом определяя размер холста и, на основе проекции, начинаю работать маслом с самой крупной кистью. Я начинаю с абстрактного рисунка, он составляет 60-70% картины, следующий этап — тщательно прорисованные детали, кистями все тоньше и тоньше.
— Как вы подходите к выбору модели?
— Олю (Ольгу Зуеву, прим.) я встретил на вечеринке в Нью Йорке и, увидев её я понял, что ОНА — есть красота нашего времени, такая хрупкая, и, в тоже время, очень сильная, непосредственная и необъяснимая. Такой красоты ещё не было в истории — она неповторима. Я не стесняюсь заниматься красотой. Тема красоты — это главная тема моей жизни. Когда, я познакомился с Олей поближе, она стала для меня ещё более красива. Оля — модель, режиссёр, актриса, оператор, сценарист и ещё подруга Данилы Козловского»
Фото 6.
— Игаль, на ваших работах я вижу только женские изображения, а рисуете ли вы мужчин?
— Тема женской красоты имеет тысячелетнюю историю. Я считаю русских женщин самыми красивыми женщинами в мире. Мужчин я пока не рисовал, но, возможно, для выставки, которую я планирую провести в России, я нарисую Данилу и Олю вместе — они очень эффектная пара, на мой взгляд.
— Каким художником вы себя считаете? Израильским или американским?
— Скорее всего, американским. Для меня израильский художник — это Давид Рив, который живописью отражает политику Израиля, Эли Шамир, изображающий природу Галилеи на своих полотнах, Рафи Лави, Наум Гутман…
Фото 7.
— Игаль, что вы думаете по поводу реализма в русской живописи?
— Русский реалистический рисунок — это рисунок академический, он — выражение наблюдений художника. Мой рисунок — это жизнь на холсте, он дигитальный, точный, сложный, технологичный и, в то же время, свободный, полный звуков музыки и запахов. Я занимаюсь праздником жизни!
***
Игаль Озери — успешный художник-реалист, который пишет картины так же ясно и четко, как изъясняет мысли. Женская красота для него — источник вдохновения, а новые технологии — инструменты для экспериментов.
Фото 8.
Фото 9.
Фото 10.
Фото 11.
Фото 12.
Фото 13.
Фото 14.
Фото 15.
Фото 16.
Фото 17.
Фото 18.
Фото 19.
Фото 20.
Фото 21.
Фото 22.
Фото 23.
Фото 24.
Фото 25.
Фото 26.
Фото 27.
Фото 28.
Фото 29.
Фото 30.
Фото 31.
Фото 32.
Фото 33.
Фото 34.
Фото 35.
Фото 36.
Фото 37.
Фото 38.
Фото 39.
Фото 40.
Фото 41.
Фото 42.
Фото 43.
[источники]источникиhttp://beinisrael.com/culture/arts/zhivopis-skvoz-obektiv-igalya-ozeri/http://cameralabs.org/6402-giperrealistichnaya-zhivopis-khudozhnik-igal-ozeri
Вот интересные примеры гиперреализма: вот отражения и блики от Cheryl Kelley, а вот Гиперреалистичное море. Посмотрите еще на Гиперреализм по крупному и на Гиперреализм в скульптурах Дуэйна Хэнсона. Вот еще «Дождливый» художник GREGORY THIELKER и вот так можно нарисовать ГУБЫ.
masterok.livejournal.com
Живопись маслом. МК этюд с фруктами. – Ярмарка Мастеров
Долго я собирался и все-таки собрался! Небольшой МК по маслу. Простенький этюдик с фруктами, нетребующий каких-то особых навыков и умений.
Зовут меня Логинов Илья Александрович, и помимо творческой работы я вот уже 7 лет преподаю в ДХШ №1 г. Астрахани - веду вечернее отделение для взрослых, от 18 и до 65 лет.
Итак! Что нам понадобится:
1. Холст. Начинающим лучше использовать покупной, уже загрунтованный холст на картоне или на подрамнике. Формат примерно А3 - А4. Я использовал более крупный холст размером 30 на 50 см., исключительно для большей наглядности))))
2. Краски. Опять-таки, начинающим я бы рекомендовал краски фирмы "Гамма", серии "Студия". Во-первых, достаточно бюджетный вариант. Во-вторых, для новичка они, как бы это сказать, понятнее что-ли... В общем, с профессиональными красками лучше не связываться. Пока не связываться)))
3. Кисти. Плоская натуральная щетина четных номеров, №4, №6, №8, №10, №14, №20, мелкие номера можно продублировать щетиной искусственной.
4. Палитра. Для начала подойдет прямоугольный кусок фанеры, обклеенный с рабочей стороны прозрачным скотчем. Почему фанера? Цвет дерева достаточно нейтрален и по цвету, и по тону. Если палитра светлая - любой, подобранный нами цвет будет казаться темнее, чем на самом деле. Если палитра темная - наоборот, любой оттенок покажется нам светлее, чем он есть. Размер палитры примерно А3, можно больше, но не меньше!!!
5. Прочее, но не менее необходимое: Масленка. Разбавитель, №2 или №4, продается в худ. магазинах, если не боитесь запаха можно использовать обычный уайт-спирит или живичный скипидар. Мастихин, не очень большой и не очень маленький, средний))) И, САМОЕ ГЛАВНОЕ!!! побольше хлопчато-бумажных тряпок!!!
Ну, вроде все! Можно начинать... Хотя нет, вначале нужно правильно оборудовать наше рабочее место. Холст должен находиться на уровне глаз, палитра перед нами или под правой рукой (если вы левша, соответственно под левой). Палитра! Важно правильно выдавить краски на палитру. На уголок выдавливается белая, далее по одной стороне все теплые цвета, по другой все холодные. Ну вот теперь точно все! Можно начинать!))) Имеем вот такой простенький натюрморт:
И вот такой вот конечный результат:
Итак, первый этап, предварительный рисунок и подмалевок. Рисунок выполняется непосредственно кистью, охрой красной или умброй. Далее следует подмалевок. Подмалевок выполняется без белил, жидко, по-акварельному разведенными красками. Для чего он нужен, этот самый подмалевок? Во-первых, чисто технологический момент - для лучшего сцепления красочного слоя с холстом. Ну и во-вторых, задаем будущий тональный и цветовой строй нашей работы. Часто начинающим художникам трудно подобрать цвет и тон, любой мазок на белоснежном холсте кажется им очень темным. Подмалевок позволяет решить эту проблему.
Второй этап, приступаем собственно к живописи! Широкой кистью прописываем фон и переходим к предметам. Немаловажный момент - фактура и направление мазка. Фон мы пишим более гладкими, легкими мазками, предметы более рельефными, пастозными (от слова паста). Т. е., предметы должны как бы выступать на поверхностью. Направление мазка! Мазок должен подчеркивать форму предмета. Если мы пишим вертикальную плоскость - мазок вертикальный, или диагональный. Пишим горизонтальную плоскость - мазок по горизонтали. Тот же принцип, тоько на более сложном уровне, мы применяем и на предметах.
В принципе, на этом можно было бы и остановиться. Для этюда этого вполне достаточно. Ведь что такое этюд? Это некое первое, непосредственное впечатление от увиденного! И наша задача не потерять это.
Итак, третий и последний этап, для самых смелых! Обобщение и выявление главного. Часто именно на этом этапе губят работу, засушивают. В погоне за точностью в деталях теряется яркость и сочность красок, и та самая свежесть и непосредственность, так ценная в этюдах.
Думаю на это можно остановиться! В заключение несколько типичных ошибок:
1. НЕ ЭКОНОМЬТЕ НА МАТЕРИАЛАХ!!!!!!!!! Многие рассуждают так, это моя первая (вторая, третья и т. д.) работа, она у меня скорее всего не получится... Так зачем переводить деньги на хороший холст, хорошие кисти и т. д. Вот когда я стану маститым художником! Вот тогда.... Запомните! Плохими красками и кистями на плохо загрунтованном холсте, у вас никогда, нет не так, НИКОГДА!!! не выйдет достойной работы.
2. Неправильно выдавленные краски на палитре. Палитра должа четко делиться на две зоны - зона где мы смешиваем краски, и зона где располагаются краски. Многие так спешат побыстрее начать творить, что краски выдавливают совершенно бессистемно, как попало. Еще нюанс - выдавливайте ВСЕ краски что есть и ПОБОЛЬШЕ! Нет ничего более мерзкого, чем необходимость отвлекаться от работы и додавливать краски на палитру, очень сильно сбивает с процесса.
3. Собственно ошибки в живописи. Не стоит увлекаться каким-то одним предметом или фрагментом. Часто начинающие художники зацикливаются на каком-то особенно им полюбившемся предмете и забывают про все остальное. Ведем работу последовательно по всему холсту, так чтоб все предметы находились на одной степени сделанности. Ошибка встечающаяся не только у начинающих, но и профессиональных художников.
4. Разбел. Очень распространенная болезнь начинающих, слишком разбеленный, пересветленные цвет на освещенных участках и рефлексах. Как бороться? Ищем на натюрморте самый светлый участок, подбираем его по цвету и по тону, и в процессе работы используем его в качестве камертона, постоянно сравнивая с ним тот фрагмент живописи над которым мы работаем в данный момент.
Ну вот и все! Удачи всем и творческих успехов!
p. s. Не забудьте тщательно вымыть кисти! Сначала в разбавителе, затем в теплой воде с мылом! Ну и палитру, тоже того... почистить бы надо!)))
Всегда Ваш, Логинов Илья-Саныч.
www.livemaster.ru
