Музей ЧерномырдинаOpen Library - открытая библиотека учебной информации. Картина рубашка шнурова
Брендреализм by Сергей Шнуров « THE WALL
Лидер группы «Ленинград» Сергей Шнуров организовал свою персональную выставку «Ретроспектива брендреализма» в музее современного искусства «Эрарта». Ключевая тема — отношения между человеком и вещью.
Сергей Шнуров работает в стиле «брендреализм», концепция которого заключается в доминировании бренда над людьми. Данное направление провозгласил сам Шнуров ещё в 2007 году. Ретроспектива, которая проходит с 9 февраля по 9 апреля, отмечает 10-летие нового течения.
«Согласно постулатам брендреализма, человек XXI века окружен не чистыми явлениями, а лишь продуктами-брендами, сгенерированными искусственно. Он одевается в бренды, питается брендами, передвигается на брендах», — говорится в аннотации к экспозиции.
Сергей Шнуров в мире художественного искусства отнюдь не новичок. Он начал писать картины ещё в середине 90-х годов. Сначала полотна выставлялись в Санкт-Петербурге, а в 2010 году впервые в столице, в галерее FineArt, чему способствовал друг Сергея – художник Дмитрий Шорин. Тогда выставка назвалась «Эксклюзив брендреализма» и представляла собой 8 полотен музыканта. По словам Сергея, галерея небольшая, поэтому сколько картин туда поместилось – столько он и выставил. После этого Сергей Шнуров выставлял свои работы во многих российских галереях, занимающихся современным искусством.
«Брендреализм есть замещение истинной реальности реальностью сделанной. Ты — это то, что ты ешь, что ты носишь и на какой машине ты ездишь. Внутренняя сущность человека уходит на второй план. Именно бренд определяет настоящее человеческое лицо. Выражение себя происходит через приверженность к марке», – Сергей Шнуров
В своих работах Сергей Шнуров иронизирует над зависимостью людей от брендов, причем не только в одежде, автомобилях, напитках, но и от публичных персон. На каждой картине можно найти и узнать либо символ, либо проекцию популярного бренда: от нефти до религии.
«Брендреализм – это не совсем направление, это ракурс, точка зрения. Основная фишка отражена в песне «Экспонат»: ничто не является ничем, и все может стать тем самым экспонатом в мире современного искусства» – Сергей Шнуров
Стоит отметить, что арт-объекты, представленные на выставке сделаны не руками Сергея Шнурова, но его воображением: «Путем личных переговоров и селекций я выбрал трёх соратников. И с этими тремя соратниками я сделал это их руками. По большому счёту, я художественный руководитель».
На расспросы журналистов о значении тех или иных работ Сергей Шнуров отвечал чётко и строго. А если точнее, то не отвечал: «Если бы я хотел что-нибудь рассказать, я обязательно рассказал бы: с помощью инстаграмма – я бы сделал там аннотацию. Видимо, я не хочу ничего рассказывать, и мне вот этого высказывания в качестве ответа достаточно».
Одна из работ Сергея Шнурова находится в постоянной коллекции музея Эрарта уже несколько лет. Картина «Рубашка»: на синем фоне живописец изобразил простую жёлтую рубашку с биркой модного дома D&G. Компанию «Рубашке» с недавних пор составляют настоящие «лабутены».
Сергей Шнуров полагает, что выставкой заинтересуются самые разные люди: «Я рассчитываю на широкую аудиторию: от казачества до православных активистов».
Возрастное ограничение для посетителей выставки — 18+.
Автор: Александра Мирер
Фото: Мария Муханова
thewallmagazine.ru
45 небанальных сувениров, которые можно (нужно!) привезти из Петербурга
Чтобы найти действительно стоящие сувениры, нужно пройти немного дальше Дворцовой площади и Невского проспекта. В дизайнерских лавках, петербургских двориках и музеях современного искусства прячутся кружки, магниты и открытки с нетипичными сюжетами. В «Эрарте» на Васильевском острове можно купить репродукцию картины Шнурова «Рубашка», у которой во время выставки художника-музыканта встречались все местные «лабутены». В «Подписных изданиях» на Литейном проспекте продаются мифические значки из коллаборации с пабликом «Страдающее средневековье» и броши с лицом Анны Ахматовой, которая прожила в Петербурге всю сознательную жизнь. А у Императорского фарфорового завода есть «Чемодан Довлатова» с ироничными иллюстрациями от Александра Флоренского и диском со сказками от Максима Виторгана.
Для тех, у кого нет времени на поиски подарков, Главный штаб Государственного Эрмитажа открыл магазин с сувенирами из лучших музеев мира. Теперь полотна Кандинского, Ван Гога и Мане можно забрать на выходе из арт-мекки — в виде ярких галстуков-бабочек, подушек для дальних полетов и теплого мягкого пледа. Русский музей тоже подготовил презенты для фанатов искусства — герои картин Марка Шагала и Бориса Кустодиева перебрались на чехлы для смартфонов и детские пазлы.
Фанатам петербургской команды «Зенит» необязательно идти за шарфом с бело-синем логотипом или футболкой как у Александра Кокорина. В бутике Babochka, который находится недалеко от спортивного магазина, есть часы от культового завода «Ракета» (основанного еще Петром I!) с символикой «Зенита» на циферблате. В качестве других металлизированных и серебряных аксессуаров — серьги-орлы от ювелира Петра Аксенова и «пульсирующие» украшения от Ольги Аверьяновой, автора императорской короны для фильма «Матильда».
Гастролирующим модникам советуем заглянуть к дизайнерам Юре Питенину, Наталье Лесковой и Тане Шацевой. Первый, помимо асимметричных платьев, космических футболок и футуристичных жакетов, делает рюкзаки с направлением «Петербург-Токио» (Saint Tokyo – название бренда Юры). Лескова ворвалась в культурную (кутюрную!) историю города нарядами с видами петербургских достопримечательностей. А Шацева переносит свои известные на весь мир картины на рюкзаки, футболки и легинсы. Эксклюзивную метку «Made in Saint Petersburg» также можно найти у чулочно-носочного бренда St. Friday Socks, локального производителя аксессуаров Arny Praht, авторов самых классных дождевиков SHU, уличной марки «МЕЧ» и художника Покраса Лампаса, который переносит авторскую каллиграфию на чехлы и майки с Владимиром Маяковским.
www.sobaka.ru
12 звездных хобби о которых Вы и не догадывались
[sociallocker id=»3506″]
Вуди Аллен исполняет джаз
Если вы когда-нибудь будете в Нью-Йорке, знайте, что каждый понедельник Вуди Аллен и его джаз-бенд дают концерты в кафе Carlyle. Столик лучше бронировать заранее, причем сильно заранее, — месяца за три. Но если поездка выдалась спонтанной, а насладиться игрой любимого режиссера на кларнете хочется, приходите заблаговременно и занимайте очередь — первым 10 гостям обычно везет.
Вуди Аллен
Тони Беннетт, Сильвестр Сталлоне и Сергей Шнуров пишут картины
Среди знаменитых музыкантов и актеров немало талантливых художников. Один из самых ярких примеров — Тони Беннетт: помимо страсти к музыке он испытывает любовь к рисованию. Тони рисует практически каждый день, время от времени проводит выставки, а некоторые его работы представлены в постоянной коллекции Смитсоновского музея искусств.
Тони Беннетт в своей мастерской
Если бы Сильвестр Сталлоне не стал актером, то точно стал бы художником. Занятия живописью он не бросает с юности, в свое время Сильвестр прошел обучение в Швейцарии. Долгое время он рисовал для себя, но в 2013-м решил показать некоторые работы миру. Он даже приезжал с выставкой в Санкт-Петербург.
Сильвестр Сталлоне на выставке своих работ
Лидер группы «Ленинград» Сергей Шнуров пишет в стиле, как он сам определяет, «бренд-реализма». Его картины можно посмотреть на выставках и в постоянных экспозициях музеев современного искусства. Например, его «Рубашка» украшает один из залов «Эрарты».
Картина Сергея Шнурова «Рубашка»
[/sociallocker]
ЧТОБЫ ПРОЧИТАТЬ ПРОДОЛЖЕНИЕ, ПОЖАЛУЙСТА, ПЕРЕЙДИТЕ НА СЛЕДУЮЩУЮ СТРАНИЦУ, НАЖАВ ЕЁ НОМЕР НИЖЕ
sollys.ru
SPb Spirit | Желтая рубашка Сергея Шнурова
08 Фев Желтая рубашка Сергея Шнурова
Если вы устали от «классических» музеев или просто любите современное искусство, рекомендуем посетить Эрарту — крупнейший в России частный музей современного искусства.
Название музея расшифровывается как «эра арта» или «эра искусства». Своей миссией Эрарта видит популяризацию наиболее интересных произведений современного искусства. Экспозиция музея занимает 5 этажей здания бывшего Всесоюзного НИИ синтетического каучука, расположенного на Васильевском острове. Величественное здание, построенное в стиле сталинского классицизма в 1951 году, как нельзя лучше подходит музею, так как начало экспозиции представлено работами художников 50 — 60-х годов прошлого века. Всего в коллекции Эрарты собраны работы более 250 художников. Помимо основной постоянной выставки музей проводит временные экспозиции, и речь идет не только о картинах — вы также можете увидеть интересные инсталляции и видео-арт.
Одним из самых популярных экспонатов является работа «Жёлтая рубашка» известного питерского музыканта и лидера группы «Ленинград» Сергея Шнурова. Надо сказать, что Шнуров, как тот герой известного фильма, «имел много специальностей»: учился и в инженерно-строительном институте, и в реставрационном лицее, и в теологическом институте. Как говорится, талантливый человек талантлив во всем!
Свой стиль в живописи Шнуров позиционирует как «брендреализм»: выдвижение на первый план бренда, а не человека с его чувствами и переживаниями. Сложно не согласиться с такой позицией художника, живя в нашем современном мире брендов. Шнуров отмечает, что и сам является брендом и в своих работах высмеивает поклонение им. В общем-то, картина наполнена философским смыслом, и, стоя перед этим полотном 161 х 182 см, зрителю есть о чем задуматься.
Приглашаем и вас прикоснуться к сложному и прекрасному современному искусству.
Открывайте новые горизонты с гидами SPb Spirit!
spbspirit.ru
Сергей Шнуров как художник: woody_alex
В своей новой мастерской, а не в привычном интерьере музыкальной студии или на киноплощадке, Сергей Шнуров рассказал о своих планах покорения мира как художник – о таком направлении современного искусства, как бренд-реализм и своей предстоящей выставке на Арт-Москве.Интервью: Дима МишенинFHM май 2008www.fhm.ru
woody-alex.livejournal.com
Сергей Шнуров. Рубашка.
История 
Сергей Шнуров. Рубашка.
просмотров - 88
Кажется, что работы Александра Косенкова — это жизнерадостное чувство юмора, выраженное в красках. Благодаря яркому колориту и экспрессивности рисунка создается обманчивое чувство, что художник пишет картины спонтанно. Но основательное образование дает художнику возможность логически обосновать собственное творчество. Александр Косенков говорит, что картина должна обладать динамикой и способностью затягивать внимание зрителя, а оттенки, лежащие рядом, могут создавать новое качество цвета. Самым главным условием творчества Александр Косенков считает чувство радости и удовольствия в момент созидания.
Александр Косенков. Живописный цвет радости.
Косенков создает собственную версию современной жанровой картины, в которой лубочность персонажей и обыденность сюжетов, комментируемых народными присказками причудливым образом сочетаются с изысканностью линий и насыщенным декоративным цветом. Ему удаются римэйки классической живописи, которую он наполняет новым смыслом и звучанием, причем посредством ее схематизации и упрощения («Картина Репина «Не ждали»).
В своем отношении к живописи Косенков схож с ленинградскими петербургскими экспрессионистами – арефьевцами, митьками, «безнадежными живописцами».
Александр Косенков уже много лет живет в Новосибирске, но родился он на Дальнем Востоке в поселке Экимчан, в 1959 году. Участие в математических олимпиадах привело его в Новосибирскую физико-математическую школу, затем он окончил Технологический институт. Далее последовало распределение в новосибирский Академгородок, где существовала художественная студия под руководством ленинградской художницы Натальи Чижик. Эту студию Александр Косенков посещал много лет, по сути преподавание в студии ничем не отличалось от классического художественного образования. Помимо традиционных рисунка, живописи и композиции, своих студентов Наталья учила самостоятельному видению, предоставляя им творческую свободу.
7. Николай Копейкин (СПб)
Свой стиль Николай Копейкин называет «мультипликационным реализмом». С сатирической традицией художника роднит не только злободневность сюжетов и образов. За маской живописца скрывается истинный интеллектуал, чьи усилия направлены не столько на совершенствование средств выразительности, сколько на осмысление социальной действительности. Не случайно автора так интересуют антропоморфные медведи и слоны, отчасти символизирующие проявления звериного в человеке. Его серия со слонами сюжетно восходит к событиям XVIII века, и в частности к 1714 году, когда персидский шах преподнес Петру I диковинное животное. Некоторые картины иронично иллюстрируют историю существовавшего в Петербурге слоновника. Так, одно из полотен («Случай в слоновнике») представляет собой своего рода «слономахию» или историческую реконструкцию драки слонов, которых в целях профилактики простуды поили водкой.
Копейкин – представитель объединения непрофессиональных художников, называющих себя «колдовские » (аббревиатура «КОЛХУИ»). Основная задача колдовских художников, сформулированная в манифесте объединеня, - «не очаровывать зрителя, а напротив, разочаровывать, ᴛ.ᴇ. снимать чары, пелену с глаз современного человека относительно современного общества» Аллегорическим языком гротескной живописи колдовские художники занимаются острой критикой социальной действительности.
Копейкин — многопрофильный творческий человек — он и художник и музыкант, и кинорежиссер, и актер (участник известной группы «НОМ»).
NB! В случае если вам нравятся работы этого художника, то Вы можете посетить один из наших самых популярных Ю-спейсов «Детство», автором которого выступил Николай Копейкин.
Николай Копейкин. Димон сидящий – «герой нашего времени».
-
Копейкин создает иронически обобщенный символ современности в виде образа «героя нашего времени» Димона сидящего – обывателя новых времен со всеми характерными признаками и ассоциациями, отсылающими к современности. Романтически возвышенный герой классического прошлого со знаменитого полотна Врубеля «Демон сидящий» превращен современным художником в обмельчавшего гопника Димона, сидячего в знаковой для понимания биографии героя позе. Врубель, глубоко символичный художник, вдохновленный произведением Лермонтова, создавал образ своего романтического демона как символ души, олицетворяющего собой вечную борьбу мятущегося человеческого духа, ищущего примирения обуревающих его страстей, познания жизни и не находящего ответа на свои сомнения ни на земле, ни на небе. Герой Копейкина, хоть и устремлен взором в синюю даль моря, вряд ли способен вызвать у зрителя ассоциации с мятущимся духом и стремлением к познанию. Художник иронически помещает своего героя в псевдоромантическую среду (море – один из главных символов эпохи романтизма, ассоциировавшихся у художников этого времени как знак проявления свободы человеческого духа), тем самым придавая актуальное звучание классическому образу прошлого.
При этом, работу Копейкина можно рассматривать иначе - как ностальгический образ уже ушедшего времени, как «уходящую натуру» 80-х гг (см. ниже Изолитературу)
Изолитература
ИГУАНОДОН ФИНСКОГО ЗАЛИВА
[…]
… Димон — с голым загорелым торсом в «трениках» и кепке, с пивом и сигаретой, курящий и плюющий в море, представитель вымирающего вида. Почему? Потому что глобализация, потому
что новое поколение сказало свое «нет» алкоголю и табакокурению и «да» — здоровому, на американский манер позитивному образу жизни. «Париться и прибиваться» немодно. «Стритбол и девчонки — моя атмосфера./ Ну в общем, хип-хоп нам делать пора» — говоря словами из песни Серегя Шнурова, чей «Ленинград» являлся именно ностальгическим проектом. Ностальгическим — для тех, кому в начале 2000-х было слегка за тридцать, чье взросление пришлось на вторую половину 80-х — «меловой», то есть финальный период советского мезозоя.
Οʜᴎ — 1980-е — давно прошли, и припозднившийся Димон, которому уже не с кем сходить на разборки в соседний квартал, задумчиво сидит на бетонной набережной Финского залива. Он одинок, море его юности остывает, но меняться, приспосабливаться, «прогибаться под изменчивый мир» он не станет. Его поза полна достоинства, его взгляд устремлен в прошлое.
В случае если вы отправитесь на набережную в поисках Димона, вы уже можете его не застать.
И то хорошо, что «красоту его Копейкин спас...».
Михаил Овчинников
Сергей Шнуров непосредственно является одним из символов современной российской культуры. Брендовые вещи, изображенные на его картинах, становятся яркими, почти гламурными характеристиками времени, говорящими признаками общества эпохи потребления. Желтая рубашка величественно предстает перед нами как знак пустоты, смерти человека, вытесненного вещью. Одежда, маркированная известным брендом, больше не нуждается в присутствии самого человека, становится вполне самодостаточной, обретает свою собственную жизнь, не зависимую от человека (петербургские повести Гоголя еще в 19 веке пугали читателей ужасом отделяющихся от человека и живущих своей жизнью вещей).
Шнуров иронически создает новую «икону» современности, подменяя и рождая новые актуальные смыслы. Желтый и синий - символические цвета иконы (в традиционной иконописи – желтый, золотой – цвет и свет радости, символ божественной энергии и благодати, красоты мира и величия Бога; синий и голубой цвета означали бесконечность неба, символ иного, вечного мира) заменены художником на грязные, густые, брутальные цвета глянца с налетом желтизны, исполненного в манере псевдомонументальной живописи. Желтая рубашка Шнурова – символ подмены цветов и смыслов божественного вечного мира материальной культурой современного мира, избравшего новую религию культа вещей и поклонения мамоне.
oplib.ru
Шнуров по Станиславскому | ART1
ART1 посмотрел «антибрендовую» выставку Шнурова-бренда в музее «Эрарта». И не понял, как себя вести.
Наш дядя Сережа, который завещал «не обижать друг-дружку и не злиться» – хороший артист. В его биографии есть несколько устоявшихся образов. И роли он не играет, а живет ими. Это здорово – ведь многие мало того, что «играют» и играют плохо, да и еще и находятся в одном образе всю жизнь. А Шнуров – у нас не такой.
Сначала он был бедным мужичком, небритый и в поношенной майке. Играл пока не известную массовому зрителю музыку «ска», добавив русский колорит. Жил полюбившейся тысячам ролью простого мужика с насущными проблемами и пьянством. Затем у Шнурова возникла другая роль – образ немножечко бунтующего рок-музыканта. Но не может же хороший актер изображать? Шнуров решил жить – вместо парика отрастил хаер, оставил парочку музыкантов, заявил, что его «Рубль» можно качать, а с «Ленинградом» покончено.
Теперь Шнуров играет в гламур – носит хипстерскую причесочку, щетина его модно подстрижена, снимает высокобюджетные клипы, играет дорогие концерты. Одет в модные пиджачки и рубашечки, про которые как раз и есть его художественный «брендреализм». И решил Шнуров стать брендом, чтобы лучше его изобразить. Шнуров-бренд существует довольно давно, как раз с 2007 года, когда и бьл провозглашен «брендреализм». Остается лишь восхищаться и советовать всем брать пример – вот как нужно погружаться в тему с головой!
И вызвала выставка Шнурова-бренда большой ажиотаж. Но есть одно «но» – Шнуров не иронизирует над собой с помощью брендреализма, и даже не стебется над обществом потребления. Его живопись и арт-объекты вообще невозможно оценить. Потому что нельзя. И это очередной гениальный ход расчетливого артиста и шоумена.
«Эрарта» объясняет: «Согласно постулатам брендреализма, человек XXI века окружен не чистыми явлениями, а лишь продуктами-брендами, сгенерированными искусственно. Он одевается в бренды, питается брендами, передвигается на брендах. Сам того не замечая, он выбирает их объектами своего поклонения. Современное искусство тоже стало частью общей теории брендов. Вдохновение и профессиональная работа с материалом есть лишь ничтожная составляющая арт-мира. Брендреализм строится на системном подходе. Он борется с рассеянностью сознания. В нем отсутствует болезненная сфокусированность на общественных дилеммах, таких как серьезное / несерьезное, сакральное / профанное, рукодельное / роботизированное, реальное / виртуальное. Искусство брендреализма не должно быть красивым; не должно нести ни добра, ни зла; не обязано быть парадоксальным; не претендует на изысканную ироничность».
В описании «Брендреализма» идут два слогана: «Критика общества и его болезненного увлечения брендами» и «Искусство, которое никому ничем не обязано и никому ничего не должно». Странная история. Подходим к картине Шнурова, на которой изображена желтая рубашка от D&G. Эта картина должна «критиковать общество и увлечения брендами», но созерцающий не имеет права это ощутить и понять – ведь это образец «искусства, которое никому ничего не должно».
И ведь Шнуров вновь молодец! Заявив о том, что «Брендреализм» «ни на что не претендует и не должен нести ни добра, ни зла; не должен быть парадоксальным и ироничным» он свел на нет все попытки анализа и критики посылов работ. Посетитель хочет оценить, подумать, пусть даже категориями «понравилось/не понравилось/смешно/хорошо/плохо», но нет; это уже противоречит постулатам «брендреализма», ведь «брендреализм» не несет и не терпит таких коннотаций и определений.
И посетителю в принципе, трудно объективно оценить работы – он смотрит на них сквозь «призму Шнурова». Сделала бы «Эрарта» отдельную выставку ЭТИХ работ, нарисуй их условный Иван Петрович Сидоров? Вызвала бы выставка условного Ивана Сидорова такой же ажиотаж? Это как раз тот случай, когда интересно кто нарисовал, а не что нарисовал.
Хотя о том, что Шнуров пишет картины известно давно, его работы по-прежнему тяжело оценить в отрыве от имени и образа. Если бы это беспокоило автора – он бы выступил под псевдонимом. Вот для этого и нужны «постулаты брендреализма», который «никому ничего не должен».
Одинаковые выражения не сходили с лиц посетителей выставки. Очередной арт-объект Шнурова вызывал ироничное ухмылки многих гостей выставки: «Прикольно». А «прикольно» – это уже противоречит постулатам «брендреализма».
В общем-то, Шуров остался верен себе – заинтриговал неясным концептом, опять всех н*****.
Ждем следующего перевоплощения Шнурова? Музыку он играл, персональную выставку провел. Наверняка следующий этап – презентация громкого романа. Здесь работает штамп «Талантливый человек талантлив во всем» или Шнуров – прилежный последователь метода Станиславского?
Среди временных выставок в «Эрарте» этого месяца – фотовыставка «Свет Тибета» Александра Дымникова, экспозиции «Тайное общество тотального озеленения» Сурена Айвазяна и «Город детства» Вадима Леухина. И первая посмертная выставка работ Глеба Богомолова, которая уж точно заслуживает не меньшего внимания, чем «Ретроспектива брендреализма».
фотографии Игоря Логвина.
Loading...
art1.ru
