Музей ЧерномырдинаТехника акварельной живописи в изобразительном искусстве и архитектурной графике. Акварельная картина
Акварельная живопись — Artrue
Почему картин, нарисованных акварелью гораздо меньше чем масляных или темперных шедевров? Разбираемся.
Раннее утро. Уильям Тёрнер.
Акварель
В изобразительном искусстве термин «акварель» описывает краску, создаваемую путем смешивания цветовых пигментов и воды. Изначально в качестве связующего вещества был костный клей или сахар, в наше время это гуммиарабик. Кроме того, при создании акварельных красок используются различные добавки (например, мед и глицерин) в целях создания различных эффектов, будь то насыщенность или придание иных физических свойств. Зачастую акварель наносится на белую бумагу или картон, хотя в качестве носителя может выступать холст, кожа или папирус. Подобные краски сохнут гораздо быстрее масляных или темперных, что обуславливается их составом. При регулярном воздействии света цвета акварельных работ тускнеют, нанося произведениям непоправимый ущерб.
Цветы. Врубель.
Акварель — весьма универсальное средство живописи, во многом, благодаря его применимости на различных поверхностях. В современных музеях можно найти массу поразительных примеров акварельных работ на бумаге, в рукописях, картах и миниатюрах.
На протяжении тысяч лет акварель доминировала в китайском и японском искусстве, а в западном зачастую использовалась для создания подготовительных эскизов. 19 столетие можно назвать золотым веком акварельной живописи, во многом, благодаря английской школе пейзажа, сделавшей акварель серьезной и независимой. Среди известных акварелистов из Англии следует отметить Уильяма Тернера, Томаса Гёртина, Джона Констебля. Кроме того, сотни красочных работ с использованием этих красок создавали и европейцы, в том числе Эгон Шиле, Джон Марин, Уинслоу Хомер и другие.
Обнаженная. Шиле.
Список заметных акварелистов 20-го столетия включает в себя модерниста Пауля Клее, экспрессионистов Рауля Дюфи, Томаса Икинса, Лионеля Фейнина, а также русского художника-абстракциониста Василия Кандинского.
Техника
В «чистой» акварельной живописи не применяется белый цвет. Вместо него используются неокрашенные участки поверхности, на которой создается работа. Смешанная с водой акварель отлично подходит для минимизации видимости отдельных мазков кисти или создания больших участков работы со схожими цветами (например, голубого неба).
Уильям Тернер. Гора Риги.
Очень мало акварельных картин так же известны и популярны, как их конкуренты в других техниках. Именно недолговечность и быстрое выцветание таких произведений очень быстро сводят на нет все усилия автора. Именно поэтому ведущие художественные музеи мира обычно демонстрируют свои коллекции акварелей в течении ограниченных периодов времени. Помимо этого, большинство подобных трудов созданы на бумаге или картоне — материалах, более склонных к распаду и разрушению, чем холст или деревянная панель. В итоге большинство акварельных шедевров просто не выдерживают испытания временем.
Красные маки. Эмиль Нольде.
artrue.ru
Картинки акварельная живопись, Стоковые Фотографии и Роялти-Фри Изображения акварельная живопись
ViktoriiaDyachenko
6443 x 4080
AndrewTovstyzhenko
7098 x 4799
ru.depositphotos.com
Акварельная иллюстрация | artlab.club
Недавно нашла свою старую картинку груши 4-летней давности. Акварелью я занимаюсь давно, но какой-то видимый прогресс начался только в последние два года. Во многом из-за того, что учиться акварельной технике было негде.
Для меня любовь к акварели началась с выставки художницы Елены Базановой. На эту экспозицию я попала, отдыхая в Санкт-Петербурге в 2010- году. И меня уже тогда заинтриговало, как с помощью вот этих вот знакомых с детства, наивных акварельных красок можно создавать такую необыкновенную красоту? Это была тайна, ведь в 2010-м никто особо не рассказывал, как рисовать акварелью. Маслом – пожалуйста, а в этой технике – нет.
Я живу в Омске, и в то время в плане акварели у нас все было глухо. Чтобы как двигаться, я пошла на индивидуальные занятия в местный дом культуры. Друзья, если вы хотите научиться акварели, никогда не ходите в подобные места! Там не рассказывают, что должна быть специальная бумага, особенные краски, а уж про технику вы там в помине ничего не услышите. Я рисовала на обычном ватмане формата А3, который крепила кнопками на планшет. Он устанавливался под наклоном, и когда я начинала рисовать, то краска текла ручьями по гладкой глянцевой поверхности той бумаги, которая совершенно не предназначена для акварели. Всюду была грязь, какое-то уродливое месиво. И это даже на миллиметр не напоминало ту волнующую, прозрачную, чистую акварель Елены Базановой.
Я училась там года полтора, была разочарована и перешла на масло. Собственно, все четыре года, которые я потом училась в Школе портрета, я работала маслом, а акварель шла параллельно, для души. И я рисовала ей бог на душу положит (это заметно по унылой груше). А потом пошел неожиданный взлет (ура!). Произошло это благодаря тому, что я постепенно освоила базовую теорию академического рисунка и живописи. Знания о форме, цвете, тоне, теплохолодности и т.д. помогли мне начать понимать акварель.
Читать дальше...artlab.club
Акварельная живопись по мокрому. Советы и хитрости
Мокрый по мокрому, один из наиболее характерных приемов акварельной живописи, в частности применение пигмента к влажной бумаге. Этот сложный метод дает весьма непредсказуемые результаты, потому что есть очень много факторов, которые имеют значение (например, текстура бумаги, количество воды, плотность пигмента, затраченное время). В этом есть что-то магическое, как цвета смешиваются друг с другом, создавая красивый, яркий эффект.
В то время как краски спонтанно смешиваются в акварельной живописи по мокрому, никогда не помешает иметь небольшой контроль над процессом. Вот некоторые советы и приемы, которые могут Вам помочь в этом.
1. Выберите правильную бумагу.
Как уже упоминалось выше, текстура бумаги играет важную роль, когда вы пишете мокрым по мокрому. В бумаге горячего прессования (гладкая фактура) меньше абсорбента, поэтому цвета будут плавать на поверхности дольше.
Бумага холодного прессования (полугладкая фактура) и грубая бумага (сушка без отжатия), с другой стороны, поглощают воду гораздо быстрее.
2. Поймать нужный момент.
Если наносить краску, когда на мокрой бумаге присутствует блеск, цвета будут распространяться на большой площади Вашей картины, создавая неопределенные формы. Когда Вам нужно сделать мягкий, но не слишком рассеянный мазок кисти, просто подождите, пока поверхность станет не глянцевой, но все еще сырой и прохладной на ощупь.
Соотношение вода / пигмент также очень важно. На картинке выше, первый мазок наносили на блестящей мокрой бумаге. Второй был сделан, когда бумага была больше не глянцевой, но краска на кисти оказалась с большой примесью воды, поэтому она значительно распространилась. Третий мазок был сделан в то же время, но с большим использованием пигмента.
3. Подъем краски с поверхности бумаги.
До тех пор пока бумага еще влажная, вы можете легко сделать корректировки, если что-то пойдет не так. Просто тщательно промокните кисть и поднимите краску от бумаги. В некоторых случаях может понадобиться, сменить воду на чистую перед подъемом. Хитрость тут в том, что влажная кисть поглощает больше воды, чем выпускает, поэтому она будет подбирать мокрый пигмент с поверхности Вашей картины.
Кроме того, можно сделать некоторые корректировки, когда бумага сухая, но есть шанс что ваша картина потеряет свежесть и будет выглядеть перегруженной.
Примечание: Обратите внимание на пигменты, которые Вы используете: некоторые из них труднее поднять, чем другие.
4. Используйте фен.
Используйте фен при живописи мокрым по мокрому, и вам не придется ждать готовности нужного слоя для продолжения работы.
На картине с белкой использовался фен. Акварельные мазки вышли с хорошо определенными и мягкими краями. Этот метод дает акварельной живописи тонкий, кристально-полупрозрачный вид.
Примечание: Будьте осторожны, чтобы не пересушить бумагу.
5. Сохранить влагу с помощью влажной ткани.
Если нужно, чтобы бумага оставалась влажной в течение более длительного периода времени, Вы можете взять любую влагостойкую поверхность (например стекло, пластик), положить тонкую влажную хлопчатобумажную ткань на нее, а затем лист бумаги, смоченный водой с обеих сторон.
С помощью этого простого трюка, бумага будет удерживать воду в течение нескольких часов.
Онлайн мини-курс «Техники рисования неба в акварели»
Мини-курс «Техники рисования неба в акварели» — это несколько онлайн-уроков, на которых Вы научитесь передавать различные состояния неба, писать реалистичные объемные облака и изображать эффекты пробивающихся сквозь тучи лучей света.
Посмотреть
Воспользуйтесь кнопками. Поделитесь с друзьями.
oformitelblok.ru
Акварельная живопись "по сырому"
Этапы выполнения картины в технике "по сырому"
показаны на примере моего акварельного пейзажа "Стожки".
На этом этюде, выполненном на пленере, передано вечернее состояние пейзажа. Если этюд пишется в технике акварельной живописи "по сырому" и в короткий промежуток времени, чтобы успеть ухватить быстро меняющееся состояние природы, то нужно отказаться от точного подготовительного рисунка, так как нельзя точно предвидеть, как будут расплываться краски. Поэтому лучше всего было лишь наметить тонкой линией без нажима линию горизонта и основные контуры (стожки, дерево вдали и приблизительно контуры облаков).
Этот этюд должен передавать только мгновенное впечатление, чувство мига. Слишком детальное изображение облаков или слишком точные формы дерева и стожков значительно изменили бы характер этюда. Разве можно было бы предугадать контуры деревьев на дальнем плане. Акварель и влажная бумага сами сделали это за нас. Обратите внимание, как расположена линия горизонта на этюде. Она делит плоскость этюда на две неравные части, что композиционно верно. Задача состояла в том, чтобы показать именно красивое небо на закате.
Последовательность работы над этюдом
После того как была намечена карандашом линия горизонта, которая располагается примерно на уровне нижней трети листа бумаги и основные контуры, нужно обильно или не очень (учитывая влажность воздуха, сложность пейзажа и время работы над этюдом) смочить акварельную бумагу водой. Это определяется подсознательно в зависимости от опыта акварелиста.
Этюд пейзажа, пишется как правило, с неба. Поэтому вначале наносится широкой кистью самый светлый общий (локальный) тон неба. В данном случае это светло-фиолетовый. В правой части этюда плотнее, а в левой светлее. Этим тоном заполняется и нижняя часть этюда. Во первых для создания общего колорита картины, а во вторых для создания в дальнейшем светлых участков на стожках и земле. Здесь уместно привести слова В. Высоцкого: «Отражается небо в лесу как в воде и деревья стоят голубые…».
Далее следует подождать некоторое время и дать небу слегка подсохнуть, или как говорят «протряхнуть» до так называемой акварельной влажности. Это означает, что на бумажной основе больше нет лужиц краски, краска впиталась в бумагу, но бумага все еще обладает хорошей влажностью. На этой стадии, легко распознаваемой при некотором опыте, получаются самые выразительные соединения красок и неожиданные эффекты. Прописываем усиливая до нужной концентрации, плоскости темных участков облаков ультрамарином, а затем вливаем в них смесь фиолетового и желтого. В результате синий ультрамарин будет частично вытеснен, и возникнут интересные сочетания. Здесь нужно добавлять следующий тон именно во влажный слой краски, чтобы получились плавные эффектные переходы. Если добавлять краску в уже подсохший слой получатся резкие переходы. Чем незначительно грешит небо данного пейзажа.
Во время работы над небом важно не пропустить момент для прописки дальнего плана пейзажа иначе не получится такого эффектного деревца как на данном этюде. Можно увлечься созданием неба и забыть про задний план тогда этюд будет безнадежно испорчен. Поэтому на этом этюде элементы заднего плана были прописаны одновременно с прокладкой плоскостей темной части облаков. Если Вы поняли, работая с небом, что влажность бумаги достигла нужной влажности для плавных эффектных переходов, прописывайте всё где они нужны, иначе будет поздно.
Теперь начинается оформление переднего плана. Пока краски неба остаются слегка сырыми, нужно в первую очередь прописать участки, которые соприкасаются с небом и задним планом как можно плотнее, набирая на кисть больше пигмента чем воды. Естественно не забывая оставлять незаписанными светлые участки способом обходки светлого (резерваж).
Где то светлые участки можно создать вливанием светлой краски в плотный слой, где то можно высветлить светлые участки полусухой кистью или тряпочкой, а где то не обойтись без резерважа. Что было и сделано в этом этюде.
На завершающем этапе тонкой кистью добавляем детали. В частности усиливаем контуры стожков после создания светлых участков на них. Естественно если понимаем, что влажность бумаги еще позволит нам это сделать. Если бумага уже высохла лучше не рисковать и оставить этюд без мелких деталей. Тем более не следует делать поправки в небе если Вас что-то в нем не устраивает. Момент упущен. Пример этого мой этюд «Весна. Мокрое поле». Хорошо, что из за этой ошибки получился вполне нормальный эффект и не очень испортил пейзаж. Без этой ошибки было бы гораздо лучше.
«Весна. Мокрое поле»
Акварельная живопись «по сырому» непредсказуема. Ошибка в написании неба (мазок кисти по просохшему слою в небе) привел к такому результату.
Анализ акварельного пейзажа.
Пасмурный, серый день. На тротуаре узкой улицы несколько автомобилей. Рассмотрим некоторые вопросы технического выполнения акварельного пейзажа.
Как, например, написано небо?
По влажной поверхности бумаги положен светлый голубовато-желтый цветовой оттенок. В этот непросохший красочный тон кое-где введены более темные желтовато-охристые и фиолетово-синие оттенки цвета, которые, расплывшись по сырой поверхности бумаги, создали небо. Вначале был проложен желтовато-охристый, потом в него введен более плотный по тону фиолетово-синий цвет, что позволило получить тонкие и сложные сочетания цвета, постепенные переходы одного оттенка в другой. Нижние слои красок, просвечивая сквозь верхние, создают впечатление воздушности облаков, передают их объемность.
Из-за наклона планшета и влажности бумаги раствор краски верхних мазков (лепка облаков), сползая вниз, образовал светлые оттенки на асфальте. Некоторые дома вдали улицы, а также дом слева написаны по сырому красочному слою от прописки неба. Это создало цветовое единство пейзажа, позволило добиться мягких границ силуэтов зданий на фоне облачного неба.
На ближнем плане дома и асфальт написаны тоже по влажной бумаге, но после того как ее поверхность стала как бы матовой. В данном случае положенный на бумагу раствор краски, немного расплывшись, образовал сочное пятно-заливку. Затем по этому непросохшему красочному слою проложены более темные оттенки цвета, подчеркнувшие детали здания, например: крыши, балконы, окна, теневые места, и т. п.
Силуэты автомобилей на улице написаны также с учетом степени влажности бумаги: дальние - еще по сырой поверхности бумаги, они смотрятся мягким силуэтом; ближние - по несколько просохшей, "протряхшей" бумаге, очертания их более определенны.
Работа по сырой поверхности бумаги
Более капризная и прихотливая манера письма по-мокрому родилась в Англии, вероятно, потому, что в стране, находящейся на острове, окруженном водными пространствами, в этом "туманном Альбионе", повышенная влажность воздуха сама диктовала живописи характер легкий и мягкий. Живопись акварелью на сырой бумаге называют "английской акварелью". Этот прием дает акварели глубину и создает ощущение солнечного света и воздушной перспективы. Метод работы на влажном листе бумаги французские акварелисты называют: "travailler dans l`eau" (работать в воде). Для сохранения стабильной влажности листа, чтобы иметь продолжительную по времени возможность работать со сложной живописной формой, легко сплавляя и смешивая краски на мокром листе, художники прибегали к многочисленным хитростям. Для этого использовались разные способы увлажнения бумаги снизу. Именно в Англии в XIX веке для небольших пейзажей на пленере был придуман особый вид стиратора - приспособления для натяжки мокрой бумаги без клея. Нехитрая конструкция состояла из двух деревянных рам, входящих достаточно свободно одна в другую. Первая рама играла роль доски: на нее накладывали бумагу, которая затем зажималась по краям второй рамой, закрепленная таким способом бумага, принимала вид холста, натянутого на подрамник. По необходимости увлажняли бумагу снизу горячим паром. Другой вид стиратора позволял использовать иной способ увлажнения листа. Это была рама и входящие в нее доска или планшет. Увлажненный лист бумаги накладывали на доску, загибали его края за кромки доски и вставляли доску с листом бумаги в рамку. По высыхании бумага в стираторе равномерно натягивалась. При работе акварелью по-сырому под влажный лист бумаги подкладывали смоченные в воде сукно или фланель, которые длительное время питали бумагу влагой по мере ее подсыхания с внешней стороны.
Все описанные способы позволяли легко поддерживать влажность в бумаге во время работы, что избавляло от необходимости применения каких-либо других средств, предупреждающих быстрое высыхание акварельных красок. В литературе также описаны химические способы удержания влаги на листе. Например, в воду для разведения красок добавляли немного глицерина, меда, пользовались раствором хлористого кальция или гуммидраганта. Некоторые античные миниатюристы употребляли для этого слюну улиток или фиговое молоко. Средства эти были эффективны, но не безопасны, так как замедление высыхания обуславливалось их гигроскопичностью, и это свойство впитывать и удерживать влагу в дальнейшем также проявляло себя в акварелях. Кроме этого, подобные средства делали краску более вязкой и густой, что непосредственно меняло характер живописи, и она теряла свои ценные качества.
Способ работы по сырому особенно успешно используется в пейзажной живописи, когда надо передать состояние туманного утра, пасмурного дня, облака и т. п. Небо - один из самых трудных компонентов пейзажа, определяющий его цветовое и тональное состояние. В живописи изменчивость цвета неба и облаков трудно передать даже маслом, где есть возможность вносить поправки, переписывать неудавшиеся места. При наложении акварельных красок по сырому художник нередко зависит от капризов растекающегося по мокрой бумаге мазка. Этот способ работы требует от живописца постоянного самоконтроля, свободного владения кистью. Он должен иметь ясное представление о том, что он хочет и как он должен решить поставленную задачу. Перед началом работы лицевая поверхность бумаги смачивается водой, а затем по еще увлажненной поверхности накладываются нужные оттенки цвета. Влажность бумаги смягчает границы между отдельными тонами. Начинать писать по сырому надо после того, как бумага равномерно "протряхнет", как говорят художники, и на поверхности ее не будет излишка воды. Степень влажности бумаги и различный наклон планшета позволяют регулировать и ограничивать до необходимых пределов растекание краски, получать нужные цветовые сочетания, добиваться их чистоты и прозрачности. Работу удобнее начинать сверху, предварительно определив основные отношения по тону и цвету. Пока наложенный цвет не высох, рядом с ним накладывается другой, иногда частично захватывающий соседний. Если в положенный цвет надо внести какие-нибудь уточнения, то они вносятся еще в сырой красочный слой. Нужные оттенки цвета можно вначале подобрать на палитре или непосредственно на бумаге. По мере высыхания, особенно в жаркий солнечный день, бумагу смачивают снова, положив под нее мокрую тряпку, это позволяет вести работу более длительное время. Краски, положенные по сырому, обычно расплываются и выходят за пределы рисунка предметов. Пока акварель не успела высохнуть, излишние заплывшие места, нежелательные наслоения красок можно осторожно смыть или выбрать слегка отжатой чистой кистью.
Смотрите: Восемь способов акварельной живописи.
Источник
Кейт Фенвик
"Курс акварельной живописи. Пейзаж за считанные минуты"
Акварельная живопись открывает новый мир, поражающий воображение: происходит нечто невероятное, краски смешиваются и получаются прекрасные колористические и световоздушные эффекты.
Многие люди думают, что они не умеют рисовать. Это не так. Я не верю, что рисование это дар. Научить рисовать можно кого угодно. Однако мы должны работать над тем, что хотим воплотить в жизнь, то же относится и к рисованию. Даже если вы никогда не достигнете вершин мастерства, рисование изменит вашу жизнь - спросите любого художника. Да, вы будете делать ошибки; мы все делаем их. Секрет в том, чтобы понимать, что именно мы сделали неправильно, и учиться на своих ошибках. Моя задача - освободить вас от двадцати лет учебы. Я научу вас приемам, дам советы и продемонстрирую полезные навыки, которые я совершенствовал многие годы, занимаясь живописью и экспериментируя. Я помогу вам научиться изображать природу, в том числе главные элементы пейзажа: небо, горы, озера, деревья, скалы, бегущую воду, здания, мосты. Также я покажу вам, как наделить пейзаж настроением и привнести ощущение особой атмосферы. Я не собираюсь навязывать вам определенный стиль. Со временем, практикуясь, вы выработаете собственную, легко узнаваемую манеру. Писать акварельными красками - это проще, чем вы думаете. Я рад возможности показать вам, как это делается.
Желаю удачи! Кейт Фенвик
Скачать книгу
Небо в акварельных этюдах "по сырому"
«Весна. Мокрое поле»
Акварельная живопись «по сырому» непредсказуема. Ошибка в написании неба (мазок кисти по просохшему слою в небе) привел к такому результату.
«Ветер»
Опять из-за ошибки (взят слишком плотный тон облаков), мы видим силуэты лесистых гор в тумане. А может все-таки пасмурное небо?
«Весна. Лужицы»
Добавление в сырой слой на небе фиолетово-коричневого. Такое небо получилось.
"Стожки"
Облака подсвеченные вечерним солнцем.
"Вечер"
Неудачная нижняя часть этюда компенсируется интересным небом.
Онлайн мини-курс «Техники рисования неба в акварели»
Мини-курс «Техники рисования неба в акварели» — это несколько онлайн-уроков, на которых Вы научитесь передавать различные состояния неба, писать реалистичные объемные облака и изображать эффекты пробивающихся сквозь тучи лучей света.
Посмотреть
Воспользуйтесь кнопками. Поделитесь с друзьями.
oformitelblok.ru
Акварельная живопись – HiSoUR История культуры
Акварель – это метод окраски, в котором краски сделаны из пигментов, взвешенных в водном растворе. Акварель относится как к среде, так и к полученным изображениям. Акварели, окрашенные водорастворимыми цветными чернилами вместо современных акварелей, называются «aquarellum atramento» (латынь для «aquarelle made with ink»). Однако этот термин все больше и больше выходит из употребления.
Традиционный и наиболее распространенный материал-носитель, к которому применяется краска, – для акварельных картин – бумага. Другие опоры включают папирус, бумагу коры, пластмассы, веллум, кожу, ткань, дерево и холст. Акварельная бумага часто изготавливается полностью или частично из хлопка, что дает хорошую текстуру и минимизирует искажения при намокании. Акварели обычно полупрозрачны и кажутся светящимися, потому что пигменты закладываются в чистой форме с несколькими наполнителями, затеняющими цвета пигмента. Акварели также можно сделать непрозрачными, добавив китайский белый цвет.
В Восточная Азия , акварельная краска с чернилами называется кисточкой или прокруткой. На китайской, корейской и японской живописи она была доминирующей средой, часто в монохромных черных или коричневых. [Необходимость разъяснения] Индия, Эфиопия и другие страны имеют давние традиции акварельной живописи. Отпечатки пальцев с акварельными красками возникли на материке Китай ,
историяАкварельная живопись очень старая, датированная, возможно, пещерными картинами палеолита Европа , и был использован для иллюстрации рукописи, по крайней мере, в египетские времена, но особенно в европейском средневековье. Однако его непрерывная история как художественная среда начинается с Возрождения. Немецкий художник Северного Возрождения Альбрехт Дюрер (1471-1528), который нарисовал несколько прекрасных ботанических, диких животных и пейзажных акварелей, обычно считается одним из самых ранних экспонентов акварели. Важная школа акварельной живописи в Германия возглавлял Ханс Бол (1534-1593) в рамках эпохи Возрождения Дюрера.
Несмотря на это раннее начало, акварели обычно использовались барабанскими станковыми художниками только для эскизов, копий или мультфильмов (полномасштабные чертежи). Известными ранними практиками акварельной живописи были Ван Дейк (во время его пребывания в Англия ), Клод Лоррейн, Джованни Бенедетто Кастильоне и многие голландские и фламандские художники. Тем не менее, ботанические иллюстрации и иллюстрации живой природы, возможно, образуют самые старые и самые важные традиции в акварельной живописи. Ботанические иллюстрации стали популярными в эпоху Возрождения, как в ручных тонах с деревянными блоками в книгах или в широкоформатных листах, так и в виде тонированных чернильных рисунков на веллуме или бумаге. Ботанические художники традиционно были одними из самых требовательных и совершенных акварельных художников, и даже сегодня акварели с их уникальной способностью суммировать, уточнять и идеализировать в полном цвете – используются для иллюстрации научных и музейных публикаций. Иллюстрации дикой природы достигли своего пика в XIX веке с такими артистами, как Джон Джеймс Одубон, и сегодня многие натуралисты-гиды по-прежнему иллюстрируются акварельными картинами.
Школа английского языкаНесколько факторов способствовали распространению акварельной живописи в XVIII веке, особенно в Англия , Среди элитных и аристократических классов акварельная живопись была одним из случайных украшений хорошего образования; кардмейкеры, военные офицеры и инженеры использовали его для своей полезности при отображении свойств, ландшафта, укреплений, полевой геологии и для иллюстрации общественных работ или проектов с заказом. Акварельные художники обычно привозились с геологическими или археологическими экспедициями, финансируемыми обществом Дилеттанти (основан в 1733 году), чтобы документировать открытия в Средиземноморье, Азии и Новый мир , Эти экспедиции стимулировали спрос на топографических живописцев, которые произвели надпись на знаменитых сайтах (и достопримечательностях) вдоль Гранд-тура на Италия который был предпринят каждым модным молодым человеком того времени.
В конце 18 века английский клирик Уильям Гилпин написал серию чрезвычайно популярных книг, описывающих его живописные путешествия по сельской местности Англия , и иллюстрировал их самодельными сентиментализованными монохромными акварелями речных долин, древних замков и заброшенных церквей. Этот пример популяризировал акварели как форму личного туристического журнала. Слияние этих культурных, инженерных, научных, туристических и любительских интересов привело к празднованию и продвижению акварели как явно английского «национального искусства». Уильям Блейк опубликовал несколько книг ручной тонированной выгравированной поэзии, представил иллюстрации к Данте в Inferno, а также экспериментировал с крупными монотипическими работами в акварели. Среди многих других значительных акварелистов этого периода были Томас Гейнсборо, Джон Роберт Козенс, Фрэнсис Таун, Майкл Анджело Рукер, Уильям Парс, Томас Херн и Джон Уорик Смит.
С конца 18-го по 19-й век рынок печатных книг и отечественного искусства в значительной степени способствовал росту среды. Акварели были использованы в качестве основного документа, из которого были изготовлены коллекционные ландшафты или туристические гравюры, а оригинальные акварельные оригиналы ручной работы или копии известных картин способствовали многим художественным портфолио высшего класса. Сатирические широты Томаса Роулендсона, многие из которых были опубликованы Рудольфом Акерманном, также были чрезвычайно популярны.
Три англичанина, которым приписывают создание акварели в качестве независимого зрелого живописного носителя, – Пол Сандби (1730-1809), которого часто называют «отцом английской акварели»; Томас Гиртин (1775-1802), который впервые использовал его для крупноформатной романтической или живописной пейзажной живописи; и Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775-1851), который принес акварельную живопись на высочайший уровень власти и изысканности и создал сотни великолепных исторических, топографических, архитектурных и мифологических картин акварелей. Его метод разработки акварельной живописи поэтапно, начиная с больших, нечетких цветовых областей, установленных на влажной бумаге, затем улучшал изображение с помощью последовательности стирок и глазурей, позволял ему производить большое количество картин с «эффектом мастерства» и делал его мультимиллионером, частично по продажам из своей личной художественной галереи, первой в своем роде. Среди важных и талантливых современников Тернера и Гиртина были Джон Варли, Джон Продай Котман, Энтони Копли Филдинг, Сэмюэл Палмер, Уильям Хавелл и Самуэль Прут. Швейцарский художник Абрахам-Луи-Родольф Дюкрос также широко известен своим большим форматом, романтическими картинами в акварели.
Слияние любительской деятельности, издательских рынков, коллекционирования произведений среднего класса и техники 19-го века привело к созданию английских акварельных обществ: Общества художников в водных цветах (1804, ныне известного как Королевское акварельное общество) и Нового Water Color Society (1832, ныне известный как Королевский институт художников в водных цветах). (Шотландское общество художников в водном цвете было основано в 1878 году, теперь известное как Королевское шотландское общество художников в акварели.) Эти общества ежегодно проводили выставки и рефералы покупателей для многих художников. Они также занимались мелким статусом соперничества и эстетическими дебатами, особенно между сторонниками традиционной («прозрачной») акварели и ранними последователями более плотного цвета, возможного с цветом тела или гуашью («непрозрачная» акварель). Позднее грузинское и викторианское периоды произвели зенит британской акварели, среди самых впечатляющих работ 19-го века на бумаге, благодаря художникам Тернеру, Варли, Коттэну, Дэвиду Коксу, Питеру де Винту, Уильяму Генри Ханту, Джону Фредерику Льюису, Майлсу Биркет Фостер, Фредерик Уокер, Томас Коллиер, Артур Мелвилл и многие другие. В частности, изящные, лапидарные и атмосферные акварели («жанровые картины») Ричарда Паркса Бонингтона создали международную причуду для акварельной живописи, особенно в Англия а также Франция в 1820-х годах.
Популярность акварелей стимулировала многие нововведения, в том числе более тяжелые и более крупные бумажные бумаги и кисти (так называемые «карандаши»), специально предназначенные для акварели. Акварельные учебники впервые были опубликованы в этот период Варли, Коксом и другими, установив пошаговые инструкции по рисованию, которые по-прежнему характеризуют жанр сегодня; «Элементы рисования», акварельный художественный совет английского искусствоведа Джона Раскина, не был напечатан только один раз, так как он был впервые опубликован в 1857 году. Были проданы коммерческие марки акварели, а краски были упакованы в металлические трубы или в виде сухих тортов, которые могли бы быть «вытирают» (растворяют) в студийном фарфоре или используют в переносных металлических красках в поле. Современные прорывы в химии позволили получить много новых пигментов, в том числе прусский синий, ультрамариновый синий, кобальтовый синий, виридиан, кобальтовый фиолетовый, желтый кадмий, ауреолин (кобальтинитрит калия), цинковый белый и широкий спектр карминовых и мареных озер. Эти пигменты, в свою очередь, стимулировали большее использование цвета со всеми лакокрасочными материалами, но в английских акварели, особенно Братством Прерафаэлитов.
Соединенные Штаты
Джон Сингер Сарджент, белые корабли. Brooklyn музейАкварельная живопись также стала популярной в Соединенные Штаты в течение 19-го века; Среди выдающихся ранних практикующих был Джон Джеймс Одубон, а также ранний река Гудзон Школа таких как Уильям Х. Бартлетт и Джордж Харви. К середине века влияние Джона Раскина привело к увеличению интереса к акварели, особенно к использованию детального «рускинского» стиля такими художниками, как Джон У. Хилл Генри, Уильям Трост Ричардс, Родерик Ньюман и Фиделия Мосты , Американское общество художников в акварели (ныне Американское акварельное общество) было основано в 1866 году. Американскими экспонентами среды конца XIX века были Томас Моран, Томас Икинс, Джон ЛаФардж, Джон Сингер Сарджент, Чайлд Хассам и, Уинслоу Гомер.
ЕвропаАкварель была менее популярна в континентальной Европе. В 18 веке гуашь была важным средством для итальянских художников Марко Риччи и Франческо Зуккарелли, чьи пейзажные картины были широко собраны. Гуашь использовалась рядом художников во Франции. В XIX веке влияние английской школы помогло популяризировать «прозрачную» акварель в Франция , и он стал важным средством для Эжен Делакруа, Франсуа Мариуса Гране, Анри-Джозефа Харпиньеса и сатириста Оноре Домье. Другие европейские художники, которые часто работали в акварели, были Адольф Мензель в Германия и Станислав Масловский в Польша ,
К сожалению, неосторожное и чрезмерное принятие ярко окрашенных нефтеносных анилин-красителей (и пигментов, усугубляемых ими), которые все быстро исчезают при воздействии света, а также усилия по правильному сохранению двадцать тысяч картин Дж. В. Тернера, унаследованных Британским музеем в 1857 году, привело к экспертизе и отрицательной переоценке стойкости пигментов в аквареле. Это привело к резкому снижению их статуса и рыночной стоимости. Тем не менее, изолированные практикующие продолжали предпочитать и развивать среду в XX веке. Великолепные пейзажные и морские акварели были сделаны Полом Сикьяком, а Пол Сезанн разработал стиль акварельной живописи, состоящий полностью из перекрывающихся небольших глазурей чистого цвета.
20 и 21 векСреди многих художников 20-го века, которые произвели важные работы в акварели, следует упомянуть Василию Кандинскому, Эмилю Нольде, Полю Кле, Эгону Шиле и Раулю Дюфи. В Америка , основными экспонентами были Чарльз Берчфилд, Эдвард Хоппер, Джорджия О’Киффе, Чарльз Демут и Джон Марин (80% его общей работы – акварель). В этот период американская акварельная живопись часто имитировала европейский импрессионизм и пост-импрессионизм, но значительный индивидуализм процветал в «региональных» стилях акварельной живописи с 1920-х по 1940-е годы. В частности, Кливленд Школа ” или ” Огайо Школа «художников, сосредоточенных вокруг Кливлендского художественного музея, а художники из Калифорнийской сцены часто ассоциировались с Голливуд анимационные студии или Художественный институт Chouinard (ныне Калифорнийский институт искусств). Калифорния художники использовали разнообразную географию своего государства, средиземноморский климат и «автомобильность», чтобы оживить традицию наружного или «пленэра». Самыми влиятельными среди них были Фил Дайк, Миллард Лист, Рекс Брандт, Донг Кингман и Милфорд Зорнес. Калифорнийское общество акварели, основанное в 1921 году и позднее переименованное в Национальное акварельное общество, спонсировало важные выставки своей работы.
Хотя рост абстрактного экспрессионизма и тривиальное влияние художников-любителей, а также стилей живописи, ориентированных на рекламу или мастерскую, привели к временному снижению популярности акварельной живописи после c. 1950, акварели продолжают использоваться такими художниками, как Марта Берчфилд, Джозеф Раффаэль, Эндрю Уайет, Филипп Перлстайн, Эрик Фишль, Герхард Рихтер, Ансельм Кифер и Франческо Клементе. В Испания , Ceferí Olivé создал инновационный стиль, за которым следовали его ученики, такие как Рафаэль Алонсо Лопес-Монтеро и Франческ Торне Гавальда. В Мексика , основными экспонентами являются Игнасио Барриос, Эдгардо Коглан, Анхель Мауро, Висенте Мендиола и Пастор Веласкес. в Канарские острова , где в этой живописной технике много последователей, есть такие выдающиеся артисты, как Франсиско Боннис Гурин, Хосе Комас Кесада и Альберто Манрике.
hisour.com
Техника акварельной живописи в изобразительном искусстве и архитектурной графике
Акварель – самый поэтичный вид живописи. Часто легкую лирическую новеллу, наполненную светлыми нежными образами, или чарующую прозрачную мелодию называют акварельными. И все понимают, о чем идет речь.
Акварельные техники в изобразительном искусстве
Изысканность сочных тонов и размытость полутонов, тончайшие, воздушной легкости переходы, мягкость линий и особая глубина пространства – все это акварель. Несмотря на широкое распространение и доступность средств, техника акварельной живописи остается непостижимой и загадочной даже для профессионалов.
Вся прелесть акварельной техники заключается в ее прозрачности. Белая бумага отражает лучи света, проникающие сквозь прозрачные тонкие слои акварельной краски, и придает свежесть оттенкам рисунка. Существует множество разных способов выполнения таких изображений. Все акварельные техники невозможно классифицировать, поэтому их разделяют условно, в зависимости от каких-либо факторов, например, от влажности бумаги. Расскажем вкратце лишь об основных.
Английская акварель
Техника акварельной живописи, которая называется работа «по-мокрому» или английская акварель, выполняется по предварительно смоченной бумаге. Такой способ позволяет получить прозрачные, легкие оттенки цвета с мягкими переходами. Особенно эффектен этот метод в пейзажной живописи. Главная трудность заключается в текучести акварели. Нередко художник зависит от капризов краски, растекающейся по мокрой бумаге. Исправить отдельный фрагмент, не затрагивая остальные, обычно не удается, поэтому английская техника акварельной живописи требует мастерского владения кистью и постоянного самоконтроля.
Итальянская акварель
Другой метод – работа «по-сухому» или итальянская акварель, заключается в нанесении краски на сухой лист одним или несколькими слоями, в зависимости от замысла художника.
Однослойная акварель в данном случае пишется мазками в одно-два касания кистью, что позволяет сохранить всю чистоту цвета. При необходимости можно добавить краску другого цвета или оттенка в уже нанесенный, но еще не просохший слой.
Многослойная акварель или лессировка – это способ нанесения акварельной краски прозрачными мазками, одним слоем поверх другого, уже высохшего. Благодаря этому краски в разных слоях не смешиваются, а работают на просвет. Мазки делаются аккуратно, чтобы не размыть и не повредить высохшие участки. Такая техника акварельной живописи помогает достичь интенсивности цвета, четких и глубоких теней, красочных рефлексов.
Акварельные работы могут выполняться и в смешанной (комбинированной) технике, когда акварелист гармонично сочетает живописные приемы, используя все богатство красок.
Акварельная живопись в архитектурной графике
Техника акварели широко применяется и в архитектурной практике. Она наиболее совершенна для передачи форм сооружения на чертежах и дает полное представление о том, каким объект должен быть в реальности. Как утверждал доктор архитектуры П. П. Ревякин, техника акварельной живописи является изобразительным средством архитектора, и чем выше его мастерство, тем живее, проще и понятнее становится чертеж.
Архитектурная акварель, в отличие от художественной, более лаконична, имеет некоторую обобщенность, деловую простоту и ограниченность палитры. Художественной обработке чертежа посвящены специальные курсы акварельной живописи, обучающие будущих архитекторов ее правилам и закономерностям.
Заключение
Акварель многообразна, неповторима и индивидуальна, как почерки людей, она - вместилище разнообразных живописных школ и техник, направлений и стилей. Как нельзя объять необъятное, так нельзя в короткой статье описать многоликость этого вида искусства и особую его восприимчивость « к темпераментным взмахам кисти».
fb.ru
