Музей ЧерномырдинаИстория одного шедевра: «Мать художника» Уистлера. Уистлер картины
Джеймс Уистлер, картины с названиями и биография
Особенности творчества художника Джеймса Уистлера: для картин Уистлера характерны нетрадиционные цветовые решения, почти «акварельная» прозрачность и «музыкальные» названия: свои работы Уистлер нередко называл «ноктюрнами», «Симфониями» и «Импровизациями».
Известные картины Джеймса Уистлера: «Симфония в белом № 1», «Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника», «У рояля».
Джеймс Эббот Макнейл Уистлер родился в России в 1844 году. То есть, конечно, найдутся зануды-биографы, которые поправят: не в России, а в американском городе Лоуэлл (штат Массачусетс) и не в 44-м, а на десять лет раньше. Но сам Уистлер (в те времена еще не Джеймс Эббот Макнейл, а просто Джимми) часто говорил, что родился — как художник и личность — когда приехал к отцу, военному инженеру, проектировавшему в Петербурге Николаевскую железную дорогу.
В 11 лет он начал брать уроки рисования у Александра Корицкого — папиного подчиненного, студента Императорской академии художеств. Корицкий водил мальчика в музеи, возил его в Петергоф, знакомил с петербургской архитектурой. В доме Уистлеров часто бывал наставник Корицкого — Карл Брюллов, за ужином взрослые много и с удовольствием спорили об искусстве. Плотность прекрасного вокруг была столь высока, что дальнейшая судьба Джеймса Уистлера была предопределена — у него было другого выбора, кроме как стать великим художником.
В 12 лет Джеймс, подававший большие надежды, был зачислен в Академию художеств — сразу на второй курс и за казенный счет. Увы, на его пути вскоре возникло неожиданное препятствие. Опасаясь, что эпидемия холеры (свирепствовавшая в те годы в России) доберется до столицы, Джордж Уистлер отослал сына в Штаты.Опасения не были напрасными: Джордж умер от осложнений холеры в 1849 году. По настоянию матери, рассчитывавшей, что Джеймс продолжит дело отца, юноша поступил в военную академию Вест-Пойнт.
Нужно ли говорить, что после шести волшебных лет в Петербурге, учеба в Вест-Пойнте казалась Уистлеру невыносимо скучной? Он никогда не был фанатом дисциплины. Среди искусствоведов популярна легенда о том, как молодой Уистлер рисовал на уроке мост. Вместо скупого чертежа Джеймс изобразил реку, покрытые сочной травой берега и соединяющий их изящный каменный мост. На мосту он разместил двоих детей, удивших рыбу. «Уберите детей с моста! — потребовал рассерженный ментор. — Это же чисто инженерное задание!» Уистлер стер детей с моста и нарисовал их с удочками на берегу. Разумеется, преподаватель впал в ярость и потребовал «убрать детей совсем». Уистлер подчинился. На работе, которую он сдал в следующий раз, уже не было никаких детей. Зато на берегу виднелись два скорбных могильных камня.
В конце концов, Уистлер завалил экзамен по химии, и был отчислен из Вест-Пойнта — к немалому своему облегчению.
Едва дождавшись совершеннолетия, Джеймс Уистлер отправляется в Париж — город, в котором (как ему кажется) никто не станет наказывать его за детей, мирно удящих рыбу с моста.
В Париже Уистлер учится у Шарля Глейра — преподавателя, в чьей мастерской в разные времена занимались Сислей, Ренуар, Моне. Он вращается в богемных кругах, живет на широкую ногу, никогда не отказывает себе в удовольствии украсить интерьер дорогим веером или ориентальной ширмой (увлечение Уистлера японской культурой приобретает в те годы характер одержимости). Равно как и в каких-либо других удовольствиях.
Несмотря на то, что копии Веласкеса или Рембрандта (которые Уистлер делает на заказ) приносят какой-никакой доход, он периодически оказывается на мели. Впрочем, это его не тяготит: быть в Париже нищим и вместе с тем расточительным художником — немеркнущая классика. Постепенно Уистлер приобретает известность среди коллег: в частности, его первую большую картину «У рояля» восторженно принимает маститый парижский реалист Гюстав Курбе.
В 1857 году Уистлер едет в Англию, которая производит на него могучее впечатление. По возвращению в Париж, он работает над циклом офортов, изображающих Темзу, а в 62-м участвует в выставке в Лондонской королевской академии. В декабре 62-го Джеймс Уистлер в компании своей подруги Джоанны Хифферман покидает Париж, чтобы навсегда поселиться в Лондоне. И, возможно, совершает одну из главных своих ошибок.
Дело в том, что Джеймс Уистлер был завзятым пижоном или, как сказали бы сейчас, — хипстером. Он мог появиться на улице с ядовито-лимонным зонтом вместо трости, надеть пурпурные носки или украсить карман пиджака розовым платком. По меркам XIX века все это было сродни тому, что сейчас носит, к примеру, Мерилин Мэнсон. «Вы — один из самых странных людей в Париже. Хорошо еще, что вы — гений», — сказал однажды Уистлеру Эдгар Дега. Однако то, к чему терпимо относились в Париже, нервировало чопорных обитателей Челси: лондонцы считали Уистлера позером и выскочкой.
Сейчас в это трудно поверить, но не менее эпатирующими современники находили и его картины. После переезда в Лондон, Уистлер часто бывал в Париже, можно сказать, что он жил на две столицы. И в обеих успевал получить свою порцию тумаков от критиков и публики.
В 1863-м он принял участие в знаменитом Салоне отверженных — выставке картин, не принятых жюри «основного» Парижского салона. Конечно, главной «жемчужиной» в 63-м стал скандальный «Завтрак на траве» Эдуарда Мане. Но и картине Уистлера «Симфония в белом № 1. Девушка в белом» досталось изрядно: белое на белом — что за варварская цветовая гамма!
В основном, художнику перепадало за его палитру. Уистлер превыше сюжета, «похожести» или тщательно выписанных деталей ценил настроение. И старался передать его в первую очередь за счет цвета. Годы спустя, то, что он делал в середине XIX века, выльется в весьма модное ответвление импрессионизма — тонализм. Но современникам его невесомые, почти акварельно прозрачные полотна казались вычурной эстетской дичью.
Уистлера критиковали яростно и безоглядно. Его привычка писать не на пленере, а по памяти, «по впечатлению». Его приверженность восточным мотивам. Его страсть давать картинам музыкальные названия — все эти «ноктюрны», «симфонии» и «аранжировки». Его краски и, конечно, его носки — все становилось объектом нападок.
Через 10 лет после парижского Салона отверженных в Лондоне состоялась первая персональная выставка Уистлера. И обернулась для него финансовым крахом.
Вопреки неудачам Уистлер продолжал сражаться с реальностью по обе стороны холста.
Разумеется, дело было в творческом мировоззрении. Однако, описывая войну, которую Уистлер вел с реализмом, нельзя не упомянуть один вполне житейский нюанс.
Однажды его подруга — Джоанна — пошла позировать к старому приятелю Уистлера Гюставу Курбе (напомним, одному из главных парижских реалистов XIX века). И не вернулась. С тех пор Джеймс Уистлер чаще всего употреблял слово «реализм» в соседстве со словом «проклятый». (Джоанна Хиффернан у Курбе — 1, 2 и, вероятно, — 3. И на картинах Уистлера — 1, 2)
В конце концов, Уистлера признали. Признали коллеги, критики, публика. Признали — что важно — при жизни. Его картины удостаивались высоких наград по обе стороны Атлантики. В 1884-м его избрали почетным членом Академии художеств в Мюнхене. В 92-м наградили Орденом Почетного Легиона в Париже. И все же признание оказалось запоздалым — в письмах друзьям Уистлер все чаще жаловался на душевный износ и физическое истощение.
Нужно заметить, что экспозиции, которые Уистлер организовывал, начиная с 80-х, тоже стали революцией. Он сам придумывал сценарии для открытия выставок, сам делал рамы для картин, сам разрабатывал «униформу» для смотрителей музеев, сам выбирал цвета, в которые надлежало покрасить стены. С некоторых пор он отдавал предпочтение желтому. Сотрудники галерей в желтых ливреях встречали гостей, раздавая им желтые галстуки-бабочки, сам Уистлер, разумеется, являлся на открытие в желтых носках и так далее.
В 1903 году Уистлер — уже тяжело больной — готовил большую ретроспективную выставку своих картин, по обыкновению работая над каждой мелочью. До открытия он не дожил — ретроспектива состоялась лишь через два года после его смерти.
Можно спорить о том, какая из его картин имеет больший вес для истории живописи. Но главное наследие Уистлера — пожалуй, его приверженность идее, что мир можно сделать красивее и лучше, двигаясь от малого к большому. От рамы — к картине. От картины — к стене, на которой она висит. От стены — к фасаду, улице, кварталу, городу, стране, планете, мирозданию. Судя по нынешнему облику мироздания, Уистлер многое не успел. Но он, по крайней мере, пытался.
Автор: Андрей Зимоглядов
Джеймс Уистлер
«…Искусство Уистлера трудно отнести к какой-нибудь определенной художественной школе. Он воспринял и синтезировал в своем творчестве самые разные течения, не поддавшись ни одному из них.Свои пейзажи и портреты художник часто называл "ноктюрнами", или "цветовыми гармониями". Действительно, картины Уистлера отличает виртуозная тонкость и изысканность колорита, построенного, как правило, на сочетании одного-двух основных цветов» (Н. Кирдина).
Nocturne in Gray and Gold snow in Chelsea
"Серое и золотое: Вестминстерский мост"
Джеймс Эббот Макнил Уистлер родился 10 июля 1834 года в одном из промышленных городов США — Лоуэлле.
Осенью 1843 года Джеймс приехал в Санкт-Петербург вместе с отцом, инженером-путейцем, которого пригласило русское правительство для строительства железной дороги, которая должна была соединить две столицы.
Годы детства и юности, проведенные Джеймсом в России, оказались самыми безоблачными и светлыми в его полной потрясениями жизни. Снежная русская зима с катанием на коньках по льду Невы, прогулки по Царскому Селу и Петергофу — ярчайшие детские впечатления художника.
Мальчик рано пристрастился к рисованию. Уроки первоначально давал А. Корицкий, вольноприходящий ученик Академии художеств. В 1845 году Джеймс благодаря полученной подготовке был принят сразу во второй класс академии и приступил к рисункам с гипсов. Отправленный в Лондон на каникулы, Джеймс пишет отцу о том, что собирается смотреть картоны Рафаэля: «Я бы хотел, чтобы Вы могли пойти со мной! И Корицкий тоже, как бы мы наслаждались». В четырнадцать лет он твердо избирает путь художника.
Но в апреле 1849 года скоропостижно умирает отец. Мать с детьми и гробом мужа возвращается на родину, в Америку… Приходит конец систематическим занятиям искусством. Отдав дань семейным традициям, Уистлер учится три года в Вест-Пойнтской военной академии, затем работает чертежником в Геодезическом управлении, где овладевает техникой офорта, необходимой для изготовления карт.
Джеймс уволился из Геодезического управления в феврале 1855 года. Уистлер рассказывает: «Я писал портреты: кузины Анни Дени, Тома Уиннанса и других знакомых в Стонингтоне. Я сообщил родным, что уезжаю в Париж. Никто не возражал. Да все это уже намечалось с петербургских времен. Мне оставалось взять билет. Мне положили выплачивать в год триста пятьдесят долларов, которые я и получал очень регулярно».
Он навсегда покидает Америку. Лишь много лет спустя его произведения совершат путешествие через океан, чтобы занять достойное место в музеях.
В Париже Уистлер учился в мастерской Ш. Глейра, однако большее значение имело для него общение с Фантен-Латуром и с Курбе, а также дружеские связи с Мане, Дега и Моне. В 1858 году Уистлер опубликовал «Французскую Сюиту» из двенадцати гравюр, нарисованных в Париже, на Рейне и в Лондоне: «Ливерден», «Лудильщица», «На солнце», «Непрочная постройка», «Матушка Жерар», «Улица в Саверне», «Маленький Артур», «Тряпичница», «Анни», «Торговка горчицей», «Фюметта» и «Кухня». Офорты, в которых ясно ощущается влияние Рембрандта, принесли художнику известность.
Уистлер занимался своими офортами в самых различных условиях, рисуя прямо на меди, без всякой подготовки или предварительных набросков. Для него медная доска и острие были тем, что бумага, перо или карандаш для других. Поэтому так редки его карандашные рисунки на бумаге, тогда как количество гравюр весьма значительно. Он уверенно владел иглой, каждый штрих попадал точно на свое место.
В 1859 году художник пишет картину «У рояля». На картине, написанной в сдержанной цветовой гамме, изображены близкие ему люди — сестра Дебора и ее дочь Анни.
У рояля.
Картина была послана в Салон 1859 года вместе с двумя офортами. Она была отвергнута, а два офорта — приняты. Своеобразие молодого художника, видимо, испугало жюри. Несправедливость этого решения вызвала скандал. Бонвен выставил в своей мастерской отвергнутые полотна, имевшие большой успех. Картина «У рояля» вызвала восторженные отзывы, среди них и Курбе. «Теккерей увидел ее и хвалил выше всякой меры…» В этот единственный раз печать была благосклонна к Уистлеру. С этого времени он стал широко известен…
Начиная с 1859 года, в течение нескольких лет Уистлер кочевал между Лондоном и Парижем. В Лондоне он останавливался у своей сестры, леди Хейден, на улице Слоан. Иногда он приводил туда своих друзей.
Уистлера привлекала своеобразная прелесть Лондона. Никто не понял и не почувствовал ее лучше его, ни Тёрнер, ни Констебль… Он понемногу совсем обосновался в Лондоне и до самой смерти всегда возвращался туда…
С 1859 года он стал изучать Темзу. Он еще датировал свои офорты, и к этому году относятся одиннадцать досок серии Темзы. Он видел реку так, как никто до него не видел: то черной от сажи, то блистающей на солнце со своим лесом мачт, бесконечным рядом шаланд, мрачными пакгаузами, огромными доками с маленькими харчевнями на берегу. Он рисовал ее такой, какой видел, какой она была тогда… Среди этих офортов есть лучшие из того, что он вообще создал: «Набережная Черного Льва»:
«Тизак». В 1862 году Уистлером была создана лирическая композиция «Симфония в белом № 1. Девушка в белом»
Белая симфония Три девушки
Девушка в белом. 1862.
"Симфония в белом 3". 1867 г. Холст, масло
Уистлер выбирает композиции с элементами, которым достоверность не обязательна: музыка, к которой отсылает нас название картины, дарит художнику принципы композиции, базирующиеся на эмоциях, внутреннем темпе, чисто формальных аккордах.
Но картина «Салон отверженных» вызвала смех у зрителей, приученных к совсем другой живописи.
«Первым среди европейских художников Уистлер испытал увлечение искусством Японии и Китая. В цветных японских гравюрах на дереве его привлекала неожиданность и острота композиционного решения, выразительность ракурсов, радостные краски. Увлечение экзотическим Востоком он стремится передать в своих произведениях "Принцесса страны фарфора", "Каприз в пурпурном и золотом. Золотая ширма", "Пурпур и розовое. Ланге Лизен шести марок"» (В. Барашкова).
В 1864 году Уистлер послал на выставку в Королевскую Академию два полотна — «Уоппинг» и «Длинные Лизен», или «Шесть марок фарфора». С этого момента наступает новый период в его художественном развитии. На следующий год он выставляет «Девочку в белом» — свое самое своеобразное, законченное и совершенное произведение, которое многие художники считают одним из лучших произведений века.
Девушка в белом. 1864.
На полотне — Джо Хайфермен, рыжеволосая ирландка, постоянная натурщица Уистлера в те годы. Вокруг нее мир экзотических вещей — японский веер, китайская ваза сине-белого фарфора. Мы ощущаем душевную ясность модели. Жемчужно-белые оттенки платья Джо в сочетании с насыщенными цветовыми пятнами — красными, розовыми, золотистыми, черными — создают мажорное, чуть приглушенное звучание этой «симфонии».В 1871 году Уистлер создает замечательный «Портрет матери». Это — одна из драгоценнейших жемчужин американского искусства.
«Выдержанный в благородном созвучии серебристых, серых и черных оттенков, осязательно конкретный в передаче объемов и фактуры предметов, ясно уравновешенный в своей простой и непосредственно-естественной композиции, этот портрет был самым наглядным воплощением лучших качеств национальной американской реалистической традиции», — пишет А.Д. Чегодаев.
Такие же четкие формы прямоугольников (стена, рамка картины, темная драпировка слева) художник применяет и при создании портрета английского историка и философа Томаса Карлейля (1872).
Над полотном «Гармония в сером и зеленом. Мисс Сесили Александер» (1872–1874) Уистлер работал в продолжение 70 сеансов. Это самый очаровательный и самый изящный портрет художника.
«Характеру юной грациозной девушки с капризно-печальным выражением лица, легкой, как порхающие над ее головой бабочки, и хрупкой, как стебельки изображенных рядом с ней полевых цветов, точно соответствует изысканное сочетание серых и зеленоватых тонов, в которых решен портрет, хотя художник ввел сюда и золотистые тона, — пишет Н. Кирдина. — Золотой полоской заканчивается черная панель; бантики на туфлях закреплены крошечными золотыми пряжками; волосы заколоты золотой булавкой; золото мы находим и в драпировке, брошенной на стул, и в узоре циновки на полу: картина написана широкими, свободными мазками. Тончайшие сочетания палевых, серых, серовато-зеленых, серовато-розовых оттенков великолепно передают и легкость одежд, и теплоту просвечивающего сквозь материю тела, и мягкость волос. Завершающий штрих этого портрета — подпись самого художника, напоминающая бабочку, окруженную овалом. И хотя портрет писался долго, кропотливая работа художника скрыта за блестящим артистизмом исполнения».
К этому времени технические приемы художника уже сложились. Сиккерт пишет:
«Техника Уистлера очень проста. Некоторые из ранних вещей… были на обыкновенном грунтованном светлом холсте. Позднее он предпочитал специально подготовленный холст, более грубый и тонированный обычно серым…
Начиная портрет он сначала тщательно готовил подбор тонов. Палитрой ему служила поверхность овального стола, на котором ему было удобно смешивать краски. Затем он писал прямо без подмалевка. После сеанса он собирал остатки красок со стола мастихином и опускал в блюдце или блюдо с водой, чтобы пользоваться ими на следующий день… Чтобы "не загружать холста", по его выражению, ему нужно было принимать ряд предосторожностей. Употребление с самого начала полной палитры, включая медленно сохнущие краски, вроде черной жженной слоновой кости и розового краппа, причиняло ему бесконечные трудности. Здесь не трактат по технике живописи, и достаточно сказать, что метод Уистлера не подходил для писания больших картин, требовавших многих сеансов. Это был метод "алла прима", при котором фактически картина прописывалась заново на каждом сеансе…»
Созданная в 1875 году художником картина «Ноктюрн в черном и золотом. Падающая ракета» стала неожиданно причиной громкого суда. Известный критик Д. Рескин обвинил Уистлера в том, «что он швырнул в лицо публике горшок с краской». Уистлер привлек критика к суду за диффамацию и оскорбление. Сказавшийся больным, Рескин прислал вместо себя на суд двух лордов, которых Уистлер, одаренный блестящим остроумием, смог совершенно уничтожить. Но судебный процесс, хотя и выигранный художником, привел к его полному разорению. В мае 1879 года для оплаты судебных издержек и других долгов на аукционе за бесценок были проданы его работы, дом и восточные коллекции.
В том же году Уистлер уехал из Лондона в Венецию, заключив договор с Обществом изящных искусств о создании серии из двенадцати офортов этого знаменитого города. Ему приходилось в Италии очень туго, и иногда он попадал в тягостное положение из-за отсутствия денег, но художник хранил все созданное, собираясь сделать хорошую выставку по возвращении в Лондон. И действительно, выставка венецианских работ прошла с большим успехом, что, впрочем, лишь увеличило враждебность со стороны критики.
«…В самом художнике произошел душевный надлом, — считает В. Барашкова. — По-прежнему все созданные им работы окутаны поэзией, им присуща особая свежесть и безупречный, изысканный колорит. Но ушла сила, чаще встречаются композиционные повторы, погрешности в рисунке фигур порой назойливо напоминают о себе.
С годами пришло признание, успех, появились почитатели, богатые заказчики. "Портрет матери" приобрело французское правительство, портрет Т. Карлейля занял почетное место в Художественной галерее в Глазго».
Не меньше своих картин Уистлер ценил свои работы декоратора. К сожалению, сохранился лишь интерьер знаменитой «Павлиньей комнаты» — столовой в доме Лейландов. Работая почти без эскизов, Уистлер создал нечто «совершенно новое, очень пышное, хотя и изысканное». Роспись «Павлиньей комнаты» предвещает панно стиля модерн конца XIX – начала XX века.
«…Уистлер не переносил одиночества — до самой смерти… Его дом всегда был открыт для всех… Говорят, один чудак, бедняк-музыкант, которого Уистлер называл "первым эстетом", зашел однажды поужинать, попросился переночевать и кончил тем, что остался на три года… Дом Уистлера был открыт и для поэтов и писателей молодого поколения. А потом и светское общество стало в нем появляться… Хотя его картины еще не были приняты, сам Уистлер вошел в моду — его словечки, жесты были предметом разговоров на обедах и приемах. Начиная с этого времени публика была всегда в курсе малейших деталей частной жизни Уистлера…
Уистлер прекрасно знал цену этой популярности. Среди людей, толпившихся вокруг него, пока он был в моде, он не мог найти друзей, которых он хотел бы иметь. Позднее он посвятил "Изящное искусство создавать себе врагов" "тем редким людям, которые уже смолоду отказались от дружбы многих"… Некоторые считали, что он не мог жить без ссор, что это составляло для него всю прелесть жизни. Но он сражался, только будучи вынужден к этому. А сначала жизнь его текла спокойно и без всяких тайн. Он верил на слово своим друзьям, пока они не доказывали на деле, что были его врагами…» (Пеннель).
Умер Уистлер в Лондоне 17 июля 1903 года.
art.mirtesen.ru
Джеймс Уистлер. Долгая дорога к признанию.
Композиция в чёрном.
У Джеймса Уистлера, как и у многих других предшественников импрессионизма, были натянутые отношения с критикой. Например, «Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника» стала последней картиной Уистлера, которую согласились разместить на выставке Королевской Академии. Одним из его непримиримых критиков стал искусствовед Джон Рёскин (Раскин). Рёскин был борцом с академизмом и ниспровергателем «незыблемых» ценностей классической живописи.
В 1859 г., после неудачной попытки выставиться в Салоне, Уистлер уезжает в Лондон, где живет до 1894 г., впрочем, довольно часто выезжая за границу. Поначалу лондонская публика отнеслась к Уистлеру довольно благосклонно. На выставке Королевской академии искусств было показано его полотно «За роялем», отвергнутое в Париже. Однако в последующие годы реакция публики резко меняется.
В Париже он учился в художнических классах, копировал картины в Лувре, подружился со своими французскими собратьями (наиболее близким ему стал Гюстав Курбе, рисовавший крестьян, "как крестьян", а не как розовощеких пастушков). У него постепенно стал вырабатываться свой стиль: без выписывания деталей - "каждый листик на дереве, каждый волосок в прическе", без морализаторства. Ему важно было передать "впечатление", "музыку", изображаемого, недаром позже он давал своим картинам "звучащие" названия: "Симфония в белом", "Ноктюрн, холод и серое: снег в Челси". Иногда ему удавалось выставляться в парижском Салоне, но вот его "Девушка в белом" подверглась такой же ожесточенной критике, как и висевший неподалеку "Завтрак на траве" Эдуарда Мане.
Во Франции (и еще в большей степени в Англии) царил тогда академизм, "гладкопись", а только нарождавшийся - в картинах Сезанна, Писарро, Мане и Уистлера - импрессионизм понимания не встречал. Уистлер пережил период увлечения японским искусством, что отразилось в ряде его картин, и особенно в росписи "Комнаты павлинов"; от японцев он взял туманные, расплывчатые контуры и "немногословность" рисунка.
Некоторое время он жил в Лондоне, где подружился с художниками Данте Габриелем Росетти и Бери-Джонсом. Картины Уистлера не раз отвергались не только парижским Салоном, но и Лондонской Королевской академией, но он участвовал зато в выставках "отвергнутых", их общая слава была еще впереди. Жил он небогато, непризнание официальных кругов сужало круг покупателей; за эти годы были написаны многие его лучшие картины - и уже упоминавшийся "Портрет матери", и портрет историка Карлейля, и "Принцесса фарфорового царства", и множество "городских" альбомов, а также гравюр.
Джеймс Уистлер. Симфония в белом №2: девушка в белом. 1864 г. |
Но вот в 1877 году на лондонскую Гросвенорскую выставку, где были представлены картины Милле, прерафаэлиты Росетти, Бери-Джонса и других, приняли десять работ Уистлера, среди которых был "Ноктюрн: Падающие огни". Этот ноктюрн представлял вечер, берег и рассыпающиеся в темноте золотые и разноцветные огни ракеты фейерверка. Известный английский теоретик искусства (в дальнейшем прославившийся своими работами по истории и философии) Джон Рескин выступил со статьей - анализом выставки. Он высоко оценил картины Милле и Бери-Джонса, но "Падающие огни" в его глазах были "мазками краски, непонятно разбросанными по полотну".
Он гремел: "М-р Уистлер должен знать, что пишу я это, чтобы предупредить возможных покупателей. Сэр Линдсей не должен был принимать для выставки эту картину, которой самодовольный и малообразованный художник решил ввести в заблуждение уважаемых посетителей", - и далее - "Мне приходилось встречаться с бесстыдством "кокни" (лондонский простолюдин), но я никогда не предполагал увидеть, как некий тщеславец осмелится запросить двести гиней за то, что он брызнул краской из горшка в лицо публике".
Рескин был тогда крупной фигурой (скажем, как Стасов в России), и его слово имело большое значение. Прочтя это, Уистлер сначала оскорбился, а затем обратил внимание на обвинение, что он "не работает", ленится и "ведет праздную жизнь" - это он-то, который столько раз переделывал работы, чтобы достичь искомой гармонии ("Портрет матери", например, потребовал почти 70-ти сеансов).
Уистлер обратился в суд. В качестве моральной компенсации он требовал от ответчика тысячу фунтов стерлингов. (В английском законодательстве имелась статья, наказывавшая за клевету - "опубликованное утверждение чего-то, не соответствующее действительности и вызывающее публичное осуждение".) Суд состоялся в ноябре 1878 года. Рескин был тогда болен и не мог явиться, но представил авторитетных свидетелей, утверждавших, что работы Уистлера - "только претензия на искусство".
На стороне Уистлера выступили три его единомышленника, другие художники были согласны с Рескиным (или просто опасались за свое материальное положение - после выступления против такого значительного лица как смогут они продать свои картины?). На суде адвокат Рескина задал вопрос: сколько времени художник рисовал "Падающие огни", и получил ответ - два дня.
- И за двухдневную работу вы хотите получить двести гиней?
- Нет, - отвечал Уистлер, - я прошу эту плату за знания и умение, которому я учился всю жизнь.
Джон Рёскин (Раскин).
При этих словах в зале раздались аплодисменты. Нo на суде Уистлера ожидал удар: свидетель противоположной стороны, человек, которого он считал своим другом, художник Бери-Джонс, сказал, что считает поведение Уистлера саморекламой, и что эта его картина - "просто набросок"; а другой свидетель, художник Фриш, вообще сравнил ее с рисунком на обоях... Суд все же постановил, что Рескин в клевете виновен. Но постановление это было странно половинчатым, если не хуже: в качестве моральной компенсации Уистлеру присудили четверть пенса, самую мелкую английскую монету...
Джеймс Уистлер. Rotherhithe, 1860 г. |
Это был не выигрыш, а полный разгром. Уистлер остался должен и суду, и своему домовладельцу, и доходов не предвиделось; его любимая коллекция предметов восточного искусства пошла с молотка, собственные картины были конфискованы, а тут еще родилась дочь... Хорошо, что от одной коммерческой фирмы пришло предложение сделать несколько картин в Венеции, это позволяло как-то выжить. К счастью, работа его увлекла, и венецианский альбом получился хорошим. Отрицательное же отношение к нему со стороны английских академических кругов не проходило. Когда в 1882 году Уистлер предложил Национальной портретной галерее Лондона свой портрет Карлейля, он получил глумливый ответ: "И это называется искусством?"
Портрет Карлейля
Но обстановка постепенно менялась. Во Франции стали понемногу понимать и ценить новое направление - импрессионизм. Уистлер, уже живя во Франции, успешно участвовал в выставках во Франции, Германии, Бельгии и США. В 1891 году портрет Карлейля приобрел музей Глазго, а "Портрет матери" - Лувр, что считалось высшим признанием художника. Коллекционеры бросились к Уистлеру с предложениями, а "Падающие огни", предмет судебного разбирательства, были проданы в Америку за сумму в четыре раза большую, чем за них было прошено на злополучной Гросвенорской выставке (Уистлер очень хотел, чтобы об этом сообщили Рескину).
Следуя заветам Глейра и передавая их затем своим ученикам, Уистлер сначала тщательно подбирал основные тона для лица, волос, одежды, фона – в свету, полутени и тени. Полученные смеси он хранил в баночках, заливая сверху водой. Добиваясь единства и свежести исполнения, мастер работал одновременно над всей поверхностью холста, а не заканчивал произведение по частям. При нарушении правильного соотношения тонов в своих «симфониях» и «аранжировках» он не довольствовался частичными исправлениями, а уничтожал все написанное, иногда не один раз.
| Д. Уистлер. «Принцесса страныфарфора». Масло. 1863. |
Творчество декоратора Д. Уистлер ценил не меньше своих картин. Он одним из первых понял значение света и пространства в современном интерьере и отказался от темных обоев, пышных драпировок, перегруженности мебелью. При оформлении выставок Уистлер вводит принцип разреженного развешивания картин. Единственным сохранившимся интерьером стала знаменитая «Павлинья комната» – столовая в доме Лейландов. Там должна была висеть картина Уистлера «Принцесса страны фарфора», и он, работая почти без эскизов, с двумя помощниками исполнил роспись, желая создать нечто «совершенно новое, очень пышное, хотя и изысканное». Роспись «Павлиньей комнаты» предвещает панно стиля модерн конца XIX – начала XX века. В мотиве золотых птиц, раскинувших пышные хвосты с сотнями «глазков», в насыщенном синем цвете фона можно увидеть переосмысленные в сказочном ключе темы фейерверков в ночном небе над Темзой, которые Уистлер так любил воспроизводить в своих пейзажах-ноктюрнах».
Harmony in Green and Rose: The Music Room. 1860-61. Oil on canvas. Freer Gallery of Art, Washington, DC, USA.
At The Piano,1858-59. Oil on canvas 67 x 91.6 cm .The Taft Museum, Cincinnati, Ohio
Полотно «У рояля» 1859 года получило одобрение Курбе. На нем изображены близкие Уистлеру люди – сестра Дебора и ее дочь Анни.
Wapping. 1860-4. Oil on canvas.71.1 x 101.6 cm. National Gallery of Art, Washington.
В 1899 году работы Уистлера, вместе с работами Сезанна, Мане, Тулуз-Лотрека выставлялись в картинных галереях Лондона, который 25 лет тому назад отказывал им всем в признании. Казалось бы, пришел успех, но Уистлер так и не мог забыть о суде, он даже написал и издал книгу, очень остроумную и иллюстрированную им самим, под названием "Тонкое искусство создавать врагов", где, среди прочего, рассказывал и о своей тяжбе с Рескиным.
Свою известную серию картин, решённых, в необычных для тех лет, осветлённой гамме-- "Симфония в белом", художник создаёт, будучи влюблённым в модель Джоанну Хифферхан. Сейчас нам трудно поверить, что холст,"Симфония в белом №1", выставленный вместе с «Завтраком на траве» Э. Мане в «Салоне отверженных», вызывал смех у зрителей, приученных к поверхностной литературности в живописи.
Симфония в белом
Уистлер умер в 1903 году и был похоронен на Чизвикском кладбище, расположенном недалеко от любимой им Темзы. Его могила находится вблизи от могилы Уильяма Хогарта, мастера гравюры, которого он так полюбил еще в далеком детстве в Санкт-Петербурге.
В мае 1879 года Уистлер был объявлен банкротом, и все его имущество ушло с молотка. От полного разорения Уистлера спасла поездка в Венецию (1879—80 гг.), где он написал несколько работ маслом («Ноктюрн в синем и золотом. Собор Св. Марка в Венеции»), серию офортов — так называемый «Венецианский цикл» («Нищие», «Площадь Св. Марка в Венеции») и около ста пастелей («Нищие. Зима», «Ступеньки»). Эти работы вызвали благосклонную реакцию критики и отчасти восстановили репутацию художника.
Между тем обстановка постепенно меняется. Критики и публика начинают понемногу понимать и ценить новое направление - импрессионизм. Уистлер успешно участвует в выставках во Франции, Германии, Бельгии и США. В 1884 г. художника приглашают стать членом «Общества английских художников», а через два года избирают его президентом. В 1891 году портрет Карлейля приобрел музей Глазго, а "Портрет матери" - Лувр, что считалось высшим признанием художника. Коллекционеры бросились к Уистлеру с предложениями, а картина "Ноктюрн: Падающие огни", предмет судебного разбирательства, была продана в Америку за сумму в четыре раза большую, чем за нее было прошено на злополучной Гросвенорской выставке (Уистлер очень хотел, чтобы об этом сообщили Рескину).
Первым среди европейских художников Д. Уистлер испытал увлечение искусством Японии и Китая. В цветных японских гравюрах на дереве его привлекала неожиданность и острота композиционного решения, выразительность ракурсов, радостные краски. Увлечение экзотическим Востоком он стремится передать в своих произведениях «Принцесса страны фарфора», «Каприз в пурпурном и золотом. Золотая ширма», «Пурпур и розовое. Ланге Лизен шести марок». Завершает эти картины «Симфония в белом № 2. Девочка в белом», созданная в 1864 году.
Purple and Rose: The Lange Lijzen of the Six Marks. 1864. Oil on canvas. Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, PA, USA.
Rose and Silver: The Princess from the Land of Porcelain. 1864. Oil on canvas. Freer Gallery of Art, Washington, DC, USA
Variations in Flesh Color and Green: The Balcony. 1864-70. Oil on wood. Freer Gallery of Art, Washington, DC, USA.
Caprice in Purple and Gold No 2 - The Golden Screen. 1864. Oil on wood. Freer Gallery of Art, Washington, DC, USA.
Художник без устали интерпретировал ночные сюжеты, показывая публике все новые и новые импрессионистические работы, в которых растворяющиеся в густых тенях предметы обзаводились новым смыслом.Мастер утверждал, что подобные сцены нужно писать очень жидкой краской. Такую, смешанную по собственному рецепту, краску он называл «соусом». Уистлеровский «соус» был столь текучим, что художнику приходилось работать, расстилая холст на полу (иначе краска просто стекала с него). Обозначенные этим «со усом» детали расплывались, превращаясь в плоские, с неровными краями, цветовые пятна, медленно плывущие и исчезающие в непроглядной
Ноктюрн в черном и золотом. Падающая ракета.
В 1877 г. десять работ Уистлера были приняты на Гросвенорскую выставку в Лондоне. Среди них была «Падающая ракета».
Cremorne Gardens, No. 2.1872-77.Oil on canvas,68.5 x 134.9 cm.The Metropolitan Museum of Art, New York
В 1899 году работы Уистлера, вместе с работами Сезанна, Мане, Тулуз-Лотрека выставлялись в картинных галереях Лондона, который 25 лет тому назад отказывал им всем в признании. Казалось бы, пришел успех, но Уистлер так и не мог забыть об обиде, нанесенной Рескиным. Он даже написал и издал в 1890 году книгу, очень остроумную и иллюстрированную им самим, под названием 'Изящное искусство создавать себе врагов', где собраны материалы судебного разбирательства 1878 года, рецензии и отзывы на произведения Уистлера, а также его ответы на критику и размышления об искусстве.
Как когда-то в юности, на склоне лет в жизнь Уистлера еще раз вошла Россия. В январе 1899 года художница А. Остроумова, ученица Репина по Академии художеств, пришла в живописную мастерскую Уистлера в Париже. На ее вопрос, у кого ей учиться искусству гравюры, престарелый художник сказал: «...Я не могу научить вас искусству, его постигают наедине или совсем не постигают».
Уистлер умер 17 июля 1903 года и был похоронен на Чизвикском кладбище, расположенном недалеко от любимой им Темзы.
alindomik.livejournal.com
Джеймс Эббот Макнил Уистлер: жизнь и творчество художника
Джеймс Эббот Макнил Уистлер (англ. James Abbot McNeill Whistler, 1834—1903) — англо-американский художник, мастер живописного портрета в полный рост, а также офорта и литографии. Один из ключевых тоналистов — предшественников импрессионизма и символизма.
СОДЕРЖАНИЕ
Биография художника
Творчество
Интересные факты из жизни художника
Картины Джеймса Уистлера
Цитаты художника
Библиография
БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА
Родился 10 июля 1834 в Лоуэлле (шт. Массачусетс).
В 1850-е годы Уистлер начал делать офорты, первая серия которых была опубликована в 1858.
В 1855 он уехал в Париж, где учился живописи у Шарля Глейра. Среди живописных произведений раннего периода творчества Уистлера – У фортепиано; Побережье Бретани; Голубая волна. В 1860 он закончил вторую серию офортов – Темза, за которую получил премию Бодлера.
С конца 1850-х годов Уистлер жил главным образом в Англии; принимал участие в революционных событиях в Чили (в период Тихоокеанской войны 1864–1866 против Испании) и в 1866 в Вальпараисо написал свое первое произведение Ноктюрн. После этого в жизни художника наступило самое продуктивное время (1862–1878), он исполнил несколько прекрасных портретов, включая знаменитый Портрет матери (1872, Париж, Музей Д’Орсе), а также портреты Томаса Карлейля (1872–1873, Глазго, Городской музей и картинная галерея) и Розы Кордер (1872–1877).
Лишившись средств после судебного процесса против критика Джона Рёскина, Уистлер отправился в Венецию, где сделал серию изысканных и тонких офортов.
Отчасти поправив материальное положение и утвердив свою репутацию, он стал в 1886 президентом Общества английских художников, но постоянное стремление к полемике и новациям привело к тому, что он был вынужден уйти с этого поста.
Картины, выполненные маслом, которые Уистлер начал писать с конца 1870-х годов, не принесли ему признания. Он разводил краску до очень жидкой консистенции, пытаясь следовать рецептам японских живописцев, и его полотна темнели.
В офортах Голландской серии, выполненной в 1890-х годах, Уистлер вновь продемонстрировал свое поэтическое видение мира. Он совершил несколько путешествий за границу, а также преподавал в академии Кармен в Париже.
Был другом французского художника Альфонса Легро и склонил его к переезду в Англию. В конце жизни Уистлер — один из «светских львов» лондонского общества, вращался в одном кругу с Оскаром Уайльдом и Обри Бердслеем. В оправдание своего искусства написал трактат «Изящное искусство создавать себе врагов» (1890). Художник скончался 17 июля 1903 г. в Лондоне. Похоронен на лондонском кладбище при церкви св. Николая в Чизуике.
ТВОРЧЕСТВО
В начале своей карьеры Уистлер удивлял современников плоскостностью и орнаментальностью изображений — в этом отразилось его раннее увлечение японским искусством. С импрессионизмом его сближало стремление запечатлеть первое поэтическое, музыкальное впечатление от предмета, будь то пейзаж или человеческая фигура. Разделяя бодлеровское учение о синестезии, Уистлер по аналогии с музыкой называл свои портреты «симфониями» и «импровизациями». В то же время Уистлер по многим вопросам расходился с импрессионистами.
At the Piano 1859 
Harmony in Green and Rose: The Music Room 1861 
Symphony in White no 1 (The White Girl) 1862 Он не одобрял культ пленэра и говаривал, что «писать с натуры лучше всего дома».
Ключом к живописному эффекту полотна Уистлер считал его цветовую тональность, которую подолгу обдумывал заранее, старательно смешивая краски для достижения желаемого эффекта. Созвучия тонов, по его мнению, должны соответствовать ритмам линий. В поздних произведениях, особенно «ноктюрнах» с видами Лондона, Уистлер использует крайне разведённые, по-акварельному прозрачные краски, которые передают ощущение зыбкой подвижности атмосферной среды.
Nocturne in Grey and Gold: Chelsea Snow 1876 
Nocturne Grey and Gold — Canal 1884 
Nocturne Trafalgar Square Chelsea Snow 1877 МАТЬ УИСТЛЕРА
«Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника» (англ. Arrangement in Grey and Black: The Artist’s Mother) — наиболее известная из работ Джеймса Уистлера. Картина в настоящее время находится в музее Орсе в Париже, иногда «делая туры» по всему миру.
Для картины позировала мать художника Анна Макнейл Уистлер (Anna McNeill Whistler), жившая в Лондоне с сыном. Есть несколько версий создания картины, по одной из них Анна Уистлер послужила в качестве замены для другой модели, в последний момент. По другой версии предполагалось, что первоначально модель Уистлера должна была позировать стоя, но, для пожилой матери долгое позирование стоя было очень обременительно. Впервые картина была представлена на 104-й выставке Королевской академии искусств в Лондоне (1872), но была отклонена Академией.
Этот эпизод усугубил разрыв между Уистлером и британским миром искусства, это была последняя картина представленная художником на утверждение академии.
То, что эта картина стала известна, как символ «культа матери», получившего распространение уже в наше время, расстроило бы Уистлера — художник всегда хотел, чтобы его картины ценили только за их формальные достоинства. «Аранжировку в сером и чёрном» можно увидеть в фильмах, сериалах и даже мультфильмах, недаром Уистлер считал свои картины аналогами музыкальных пьес и называл их «симфониями» или «ноктюрнами».
ИНТЕРЕСНЫЕ ФАКТЫ ИЗ ЖИЗНИ
Его произведения вызывали одобрение Курбе и Бодлера, но самый крупный художественный авторитет викторианской Англии, Джон Рёскин, продолжал вышучивать их в печати. В 1878 Уистлер предъявил иск в 1000 фунтов стерлингов знаменитому критику, допустившему оскорбительное высказывание о его творчестве. Судебный процесс разорил художника, в качестве компенсации он получил всего лишь один фартинг. Этот случай Уистлер описал в своей книге «Изящное искусство создавать себе врагов (The Gentle Art of Making Enemies, 1890)».
Картина «Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника, 1871» широко используется в современной поп-культуре. Картина появляется в нескольких эпизодах Симпсонов: «Rosebud», «Проблемы с Триллионами», «Бёрнс и пчёлы». Вокруг этой картины был построен сюжет фильма «Мистер Бин». В фильме мистер Бин, куратор «Лондонской Национальной галереи», был послан в Америку, чтобы проконтролировать передачу картины «Мать художника» в художественную галерею Лос-Анджелеса за $ 50 млн (USD). В этой истории, мистер Бин портит картину растворителем и незаметно заменяет её репродукцией. Песня «Mother» Джона Леннона посвящена матери Уистлера. В мюзикле Anything Goes Кола Портера. В фильме «Голый пистолет 2½» у одного из героев родимое пятно в форме Матери Уистлера.
ЦИТАТЫ ХУДОЖНИКА
- Вы спрашиваете, милостивый государь, в каком учреждении было бы наиболее уместно поместить написанные вами картины. Могу ли я предложить вам приют для слепых?
- Если о картине говорят: «Видно, что над ней хорошо поработали», — значит, она не закончена.
- Когда другие включаются в мой разговор, разговор становится невозможным.
- Природа содержит — в цвете и формах — элементы всех картин, подобно тому, как клавиатура содержит звуки всякой музыки. Но художник рождён для того, чтобы выбрать, отобрать и сгруппировать со знанием дела эти элементы так, чтобы достичь прекрасного результата, так же как музыкант выбирает свои звуки и образует аккорды, пока не добудет из хаоса великолепную гармонию. Сказать художнику, что природу следует брать такой, как она есть — всё равно что предложить пианисту сесть на рояль. (из книги художника «Изящное искусство создавать себе врагов» (The Gentle Art of Making Enemies, 1890))
БИБЛИОГРАФИЯ
- Вуд М. Уистлер. М., 1910
- Уистлер Д. Изящное искусство создавать себе врагов. М., 1970
- Whistler’s Mother: An American Icon edited by Margaret F. MacDonald.
При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: ru.wikipedia.org, krugosvet.ru, youfrase.ru, livelib.ru
Если вы нашли неточности или желаете дополнить эту статью, присылайте нам информацию на электронный адрес [email protected], мы и наши читатели будем вам очень благодарны.
Джеймс Эббот Макнил Уистлер: картины художника
Творчество. Свобода. Живопись.Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!
Джеймс Эббот Макнил Уистлер: жизнь и творчество художника
2 (40%) 1 голос(ов)allpainters.ru
История одного шедевра: «Мать художника» Уистлера: vakin
Джеймс Уистлер. Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника. 1871Холст, масло. 144,3 × 162,4 смМузей Орсе, ПарижКликабельно 5897 × 5247 пикселей«Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника» - одна из самых известных за пределами США картин, которая была написана художником американского происхождения. Ее даже называют американской «Моной Лизой», хотя изначально отказывались выставлять и называли неудачным экспериментом. Сегодня она, купленная французским правительством в 1891 году и хранящаяся в парижском музее Орсе, - предмет пародий, реплик, аллюзий и, конечно, почитания. Даже сюжет одного из фильмов о мистере Бине разворачивается вокруг приключений с этим полотном.
Сюжет
Портрет Анны Макнейл своей композицией отражает ту роль, которую мать выполнила в жизни художника в трудные для него годы. Переехав к нему в Лондон, где молодой человек жил разгульно, она помогла стабилизировать положение, настроиться на серьезную работу и глубокое осознание искусства. Ее строгий портрет, в котором сбалансированы различные формы — это зеркало характера женщины.
Есть пара историй, почему Уистлер написал свою мать. По одной версии, Анна Макнейл заменила натурщицу, отказавшуюся прийти. По другой, — первоначальный замысел предполагал, что модель будет стоять, однако 67-летняя женщина не выдержала бы этого. Ни первое, ни второе нельзя сегодня ни твердо подтвердить, ни окончательно опровергнуть.
Таинственное название — «Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника» — объясняется влиянием, которое на Уистлера оказывали Шарль Бодлер и Теофиль Готье. Первый призывал современников вдумчиво исследовать жизнь и писать ее во всей суровости, не прикрытой античными аллегориями. Второй, изучавший в то время связь музыки и живописи, вдохновил Уистлера на придание полотнам музыкальности: художник стал называть свои полотна, в том числе переименовывать созданные ранее, ноктюрнами, симфониями, гармониями, этюдами и аранжировками.
Контекст
Уистлер намеревался представить картину на выставке Королевской академии искусств в Лондоне в 1872 году. По его задумке, это была бы пощечина, которую художник страстно желал нанести снобам и критиканам. Но ничего не удалось — картину не приняли.
Простота и сдержанность в пику викториансву вызвали негативную реакцию. Критики назвали картину скорее неудачным «экспериментом», нежели искусством. Однако позднее, в годы Великой депрессии в США полотно стало гимном материнства и семейных ценностей. Даже на марке, выпущенной в 1934 году, было указано: «В память и с почитанием всех матерей Америки».
Фрагмент фильма «Мистер Бин» (1997) Мэла Смита. Сюжет разворачивается вокруг картины Уистлера
Исследователь американской культуры Марта Тедески приравняла работу Уистлера к «Американской готике» Вуда, «Моне Лизе» да Винчи и «Крику» Мунка на основании того, что, по ее мнению, каждая из этих картин очень быстро «заговорила» с массовым зрителем на одном языке и приобрела популярность.
Судьба художника
Джеймс Уистлер родился в США в семье инженера. Когда мальчику было 7 лет, Уистлеры переехали в Россию — отца пригласили работать на строительстве железной дороги, связывавшей Петербург и Москву. В то время характер Джеймса — капризный, склонный к меланхолии и болезненным состояниям — уже проявился. Единственное, что могло успокоить его, — рисование. Поэтому родители, как только получили положительные отзывы о способностях сына, отдали его учиться в академию художеств.
Первый автопортрет (1858). Аллюзия на Рембрандта. Викисклад
После возвращения в США после более чем 6-летнего отсутствия Джеймс пытался учиться в разных заведениях не художественного профиля, даже в военной академии Вэст-Пойнт, но был отчислен. Первое время после этого он работал картографом, но был со скандалом уволен, когда выяснилось, что на картах он рисовал морских змей, русалок и китов. Оставаться в США Уистлер не хотел — его тянуло в Париж.
Во французской столице, куда он все же переехал в 1855 году, молодой человек быстро освоил богемный образ жизни. Снял студию в Латинском квартале, завел подружку-француженку и портного и занялся самообразованием. Брал он и частные уроки. Так, у Чарльза Габриэла Глера он перенял два принципа, которые пронес через все творчество: линия важнее цвета, и черный — основа гармонии.
Денег не было, нищета страшная. Чтобы хоть как-то жить, он копировал мастеров в Лувре и продавал эти картинки. Алкоголь, курение, непрогретая студия усугубляли и без того слабое здоровье.
Мать Уистлера, 1850-е
После Парижу Уистлер отправился в Лондон. Собственно, большую часть жизни Уистлер провел между этими городами. Окончательно он осядет во французской столице в начале 1890-х. (К тому времени он выправит финансовое положение, снимет большую студию в Париже и посвятит себя сибаритству.)
Современники вспоминали о нем, как о воинственном и вместе с тем изысканном денди, талантливом литераторе и эксцентричном завсегдатае самых модных событий Лондона и Парижа. Актриса Эллен Терри писала: «Самыми замечательными мужчинами, которых я когда-либо встречала, были, несомненно, Уистлер и Оскар Уайльд. Оба заключали в себе столько индивидуализма, столько нескрываемой дерзости, что это невозможно описать».
Уистлер был чуть ли не единственным художником, который подал в суд на автора разгромной рецензии. Иск в адрес Джона Раскина последовал после того, как критик заявил о манере, в которой написана картина «Ноктюрн в черном и золоте: падающая ракета», что это горшок краски, брошенный в лицо публики. Самого живописца Раскин окрестил наглым шутом. Уистлеру критика показалась безосновательной.
«Ноктюрн в черном и золоте: падающая ракета» (1874). Википедия
В ходе заседания выясняли, о чем было полотно, сколько времени потрачено на его создание и почему автор просит так дорого (200 гиней) за пустяшную, по мнению суда и критики, работу. На что Уистлер ответил, что цена не за полотно, а за знания, полученные им в течение жизни и выраженные на полотне. Несмотря на отсутствие поддержки и понимания, суд признал победу за художником, правда, внушительной компенсации морального ущерба он не дождался — Раскин отделался штрафом.
Для своих выставок Уистлер писал сценарии, продумывал дизайн выставочной площадки, картинных рам, одежды смотрителей. Он был первым, кто провел выставку в абсолютно белом зале, что сегодня выглядит как норма.
Последние годы жизни Уистлер продолжал писать — в основном минималистские морские пейзажи — и даже занялся открытием художественной школы. Однако реализации планов мешало слабое здоровье, подорванное годами богемной и нищей жизни. Он умер в Лондоне в 1903 году.
Источник - Дилетант
vakin.livejournal.com
Джеймс Макнейл Уистлер (1834-1903) / картины
Творчество Джеймса Макнейла Уистлера (1834-1903) так же загадочно, как и вся его жизнь. Его работы очаровывают редкой музыкальностью и красотой, окутанными тайной.
Уистлер был личностью яркой, непредсказуемой и парадоксальной.
Он родился 11 июля 1834 года в Лоувилле, штат Массачусетс. Его отец закончил в свое время Военную академию в Вест-Пойнте и был инженером по строительству железных дорог, из-за чего часто переезжал с места на место.
С 1843 года Уистлер старший с семьей жил в России - вел наблюдение при строительстве железной дороги от Москвы до Петербурга.
В России у маленького Джеймса была прислуга и учитель, который, кроме всего прочего, учил мальчика французскому и рисованию.
Спустя некоторое время родители определили сына на учебу в Академию художеств, где после экзаменов его сразу приняли на второй курс.
В 1849 году, после смерти отца, семья вернулась в США.
В 1851 году по настоянию матери, Джеймс поступил в Вест-Пойнт. Хоть его мало интересовала военная наука, но в академии учили изготовлению карт методом гравирования, что приохотило Уистлера к созданию художественных гравюр, и чем потом, параллельно живописи, мастер занимался всю жизнь.
Когда Уистлеру исполнился 21 год, он получил право распоряжаться частью небольшого наследства, оставшегося от отца. Джеймс тут же порвал с военной карьерой и в 1855 году уехал в Париж. Начал зарабатывать, делая копии картин из Лувра.
В 1856 году он поступил в Парижскую королевскую школу рисования в мастерскую Шарля Глейра.
На протяжении нескольких лет Уистлер много путешествовал (Англия, Германия), что вдохновляло его на творчество.
В 1862 году он выставил в обновленной парижской галерее "Мартин" цикл офортов с изображением реки Темзы, и, одновременно участвовал в престижнейшей выставке Лондонской королевской академии.
В декабре 1862 года художник со своей подругой Джоанной Гифферман навсегда переехал на берега Туманного Альбиона (в Челси).
Устлер увлекался японским искусством, уделял много времени оформлению интерьера своего дома, считая что: "художник должен преобразить стену, на которой висит картина или рисунок, комнату, в которой эта стена находится, весь дом - в одну великую Гармонию, Симфонию, Композицию, такую же совершенную, как картина или рисунок, висящие на стене".
В своем доме Уистлер устраивал ежедневные приемы: после ужина гости всю ночь проводили в беседах и спорах, а под утро выходили на прогулку по берегу Темзы, наслаждаясь картиной удивительно красивого рассвета.
Манеры и стиль поведения художника (он мог прогуливаться с ярко-желтым зонтиком в руке вместо трости или с розовым шелковым платком в кармане пиджака) мешали критикам объективно оценивать его работы, что приводило к неприятию его творчества в целом.
Период борьбы начался с первой половины 60-х гг. Отчаявшись разрушить эту стену непонимания, Уистлер говорил о своей жизни как о "памятнике одиночеству".
Но всеже переломным этапом в жизни художника и его признании (1874 год) стала персональная выставка в лондонской галерее "Флемиш", где он представил более 80-ти своих работ (картины и рисунки).
С апреля 1877 Уистлер работал над оформлением столовой в богатой лондонской резиденции, которая получила название "Комната с павлинами".
В 1880 году художник выставил в Лондонском музее свои офорты и пастели, которые вызвали восхищение публики и стали широко известными.
За свои работы он получил золотые медали в Монако, Чикаго и Амстердаме.
В 1892 году в Париже его удостоили Ордена Почетного Легиона.
1902 - художник заболел, но несмотря на тяжелое состояние, продолжал готовить большую ретроспективную выставку своих работ, которая состоялась лишь через 2 года после его смерти.
Уистлер умер в Англии 17 июля 1903 года и был похоронен в предместье Лондона, на Чизвикском кладбище.
Прекрасные произведения мастера окутанны какой-то "потусторонностью". К ним невозможно привыкнуть, что позволяет постоянно получать богатейший поток впечатлений!
Композиция в сером: Автопортрет (в возрасте 38 лет). 1872
С начала 70-х Уистлер на своих картинах ставил вместо подписи стилизованную бабочку,
форма которой менялась в зависимости от темы и стиля полотна:
Принцесса из Страны фарфора: розовый и серебро. 1863-1864
Пурпурное и розовое: Китайский фарфор. 1864
Симфония в белом №2: "Девушка в белом". 1864
Гармония в голубом и серебре: Трувилль. 1865
Художник в мастерской. 1865-1866
Ноктюрн: "Le Solent". 1866
Симфония в белом №3. 1867
Симфония в сером и зеленом: Океан. 1866-1872
Комната с павлинами. 1867-1877
Три фигуры: розовый и серый. 1868-1878
Композиция в сером и черном: Портрет матери художника. 1871
Ноктюрн в голубом и серебре: Челси. 1871
Гармония в сером и зеленом: Мадемуазель Сесиль Александер. 1872-1874
Венеция. 1879-1880
Собор Сан-Джорджо Маджоре. 1879-1880
Мать с ребенком на диване. 1890-1896
Маленькая Роза из Лайм Реджис. 1895
art-talk.ru
Джеймс Уистлер. Биография и картины. Художники импрессионисты
Джеймс Уистлер (James Abbot McNeill Whistler). 1834-1903 г. Биография и картины.
Родился в США в городе Лоуэлле 10 июля 1834 года. Вместе с отцом долгое время Джеймс жил в России. Его отец строил Николаевскую железную дорогу. Именно здесь Джеймс стал изучать французский язык и бывать в Академии художеств.
Вернувшись в США, Уистлер поступил в военное училище, из которого вскоре был отчислен. Уже в это время Джеймс начинает работать над гравюрами на металле, которые известны как офорты. Дебютная серия таких работ была представлена публике в 1858 году.
В 1855 году Уистлер оказывается в Париже. Во Франции его наставником в искусстве живописи становится Шарль Глейр. Значительное влияние на художника в это время оказывают прерафаэлиты, а также Курбе и Коро.
Отношение к творчеству Уистлера было неоднозначным. Бодлер высоко оценивал его работы, а Джон Рёскин, обладающий в то время большим авторитетом, высмеивал их, используя для этого местные газеты. Уистлер предпочел разобраться с такой клеветой с помощью суда. Процесс был выигран, но средств к существованию у художника почти не осталось.
Он отправляется в Венецию, где работает в основном над акварельными зарисовками, а также создает новые офорты.
Первый период творчества отличается значительным влиянием японского искусства. Ранние работы Уистлера отличались орнаментальностью. Многое объединяло художника с импрессионистами. Так, главной задачей художника было отражение впечатления, которое оставляет тот или иной предмет. Уистлер, поддерживая теорию синестезии, давал своим работам музыкальные названия: симфония, импровизация, ноктюрн.
Но некоторые черты отделяли Уистлера от импрессионизма. Так, он предпочитал писать дома, заранее продумывая цветовую гамму своих работ. Цвет, по Уистлеру, становится основой картины, он должен сочетаться с ритмом линий.
Оригинальным цветовым решением отличаются его последние работы. Художник использует сильно разведенные, прозрачные тона, свойственные акварельным краскам. Это, по мнению Уистлера, помогает точно передать изменчивость атмосферы.
Уистлер умер в июле 1903 году. Похоронен он был на кладбище Лондона.
www.hudojnik-impressionist.ru
