Музей Черномырдина Музей Бахрушина Центральный музей
    Вооруженных Сил РФ Валютная биржа Центральная детская
    библиотека Музей Есенина Политехнический музей Дворец спорта Видное Педагогический
    колледж Музей спорта Музей памяти воинов Библиотека 214 МузШкола Радость Самбо 70 Частная коллекция

Как сделать анализ картины в живописи, есть ли форма, образец, сравнение? Анализ картины

Как сделать анализ картины в живописи, есть ли форма, образец, сравнение?

Никто не ответил. Отвечаю сама.

Почитала на сайтах, вот что интересное нашла.

Главное, в любой картине привлечь зрителя

к рассмотрению какого-то жизненного эпизода.

Что на картине изображено?

Как анализировать картину?

Сравнение - это про живопись рассказать по плану,

сделать всесторонний анализ художеситвенного произведения.

Главное внимание уделить:

сюжет, жанр

портрет,

пейзаж,

натюрморт,

историческая сцена,

бытовая сцена из жизни людей,

Определить, какой главный смысл образа произведения живописи.

Что художник или живописец хотел нам рассказать, заострить наше внимание на чем.

Время написания картины, век, эпоха.

Какая композиция картины: статика, динамика, равновесная.

Как сочетаются на картине элементы, форма, цвета.

Гамма картины : холодные , теплые или

смешанные тона.

Что хотел мастер самое главное нам рассказать?

Какие символы он зашифровал в картине?

Что было до этой картины в визуальном образе, взгляд как бы в прошлое.

Что будет после? Взгляд в будущее, очень важный элемент.

Где находится главный герой картины?

Обычно картина построена по правилам золотой пропорции.

и главный герой вписывается в треугольник, шар или прямоуголник и занимает одну третью часть от всего поля картины.

Последнее .

Ваше отношение к картине.

Понравилась она вам или нет.

Чем понравилась?

Что непонятное?

Картина получилась у художника , если имеет законченный образ,

то есть , если есть образ чего-то или чего-либо,

то это произведение искусства.

подробности тут

Серов, Девочка с персиками

www.bolshoyvopros.ru

Как осуществить анализ картины?

Описание портрета, натюрморта или другого произведения искусства своей целью имеет развитие художественного мышления. Также анализ необходим для подтверждения авторства и определения времени написания картины.

Прежде чем научиться понимать искусство, необходимо выучить сам язык. Ведь никто никогда не станет обвинять неграмотного в том, что он не может оценить красоты литературы, поскольку ведь для понимания явно необходимо научиться читать. Именно так писал в своей книге Макс Фрай. Близкое знакомство со структурой картины и законами восприятия искусства поможет актуализировать исследовательскую позицию человека, благодаря чему он сможет постигнуть самостоятельно смысл живописного произведения, освоить художественное мышление.

В процессе обучения в художественных школах, в обычных школах на уроках изобразительного искусства учащиеся знакомятся с творчеством различных художников, направлениями и стилями искусства. При этом важно не только слушать, когда учитель выступает обычным лектором, но и пытаться самим делать анализ картины, выразить словами не только ее структуру, но и содержание, поделиться своим понимание образов.

Что касается восприятия, то следует сказать, что применительно к художественным произведениям этот процесс зависит не столько от уровня подготовки, сколько от общей культуры, жизненного опыта и ассоциативных способностей. Также существуют и общие закономерности, не зависящие непосредственно от индивидуальных качеств человека.

Анализ картины, организованный в учебном заведении, должен стать хорошей теоретической базой для самостоятельной художественной деятельности, которая будет в дальнейшем стимулировать потребность учащихся в более осмысленном восприятии действительности, а также способствовать самоопределению и социокультурной адаптации.

Чтобы выполнить качественное описание натюрморта или другого произведения изобразительного искусства и абстрагироваться от сюжетного восприятия, необходимо обратить внимание, что картина – это не просто окно в мир, а некоторая плоскость, на которой художником при помощи различных живописных средств может создавать иллюзию пространства.

По этой причине сначала необходимо проанализировать базовые параметры произведения. Важно оценить размер картины, ее формат, технику исполнения. Рассмотреть, с какого расстояния произведение лучше всего воспринимается.

Затем анализ картины подразумевает рассмотрение сюжета произведения, жанра. Это может быть натюрморт, пейзаж, портрет, анималистический, мифологический, бытовой, исторический, религиозный жанр. Также нужно постараться определить замысел художника. Какую задачу он хотел решить написанием данного произведения? Какова степень натурализма или условности? Также важной составляющей любого художественного произведения является композиция. Она может быть статичной, динамичной или уравновешенной. Необходимо оценить соотношение пространства и фона на полотне, угол зрения, который выбрал художник. Возможно, он старался вовлечь людей во взаимодействие с изображением, или зритель остается только сторонним созидателем. Оцените, насколько хорошо в картине читаются изображенные объекты, силуэты, насколько они сами по себе ценны.

Также существует множество аспектов, на которые необходимо обратить внимание. Например, насколько детализировано изображение, как передан колорит, какие цвета преобладают и так далее. Теперь вы в самом общем виде знаете, как делается анализ картины. Но помните, что процесс во многом зависит от вашего собственного восприятия и является индивидуальным.

fb.ru

Искусствоведческий анализ живописи и описание картины Поля Гогена «Королева»

Наша Галерея современного искусства продолжает цикл статей об истории искусства.

Мы приглашаем всех желающих посетить наши Мастер классы и Лекториум по истории живописи, методологии атрибуциии предметов искусства,графики, скульптуры, истории изобразительного искусства, которые проводятся в Москве. Мы рекомендуем записаться заранее и обозначить те темы лекций, которые были бы Вам интересны. Приходите, будет интересно.

Наши Мастер классы и Лекториум >>>>

Каталог Наши художники >>>>>

Каталог товаров Живопись >>>>

Автор статьи Анастасия Вахрамеева

Искусствоведческий анализ и описание картины Поля Гогена «Королева. (Жена короля)»

"Нет совершенной красоты без некоторой необычности пропорций" Эдгар По

Картину можно назвать одним из лучших произведений позднего творчества Гогена. Полотно было написано во время второго приезда художника на Таити (с 1895 до смерти в 1903 году). Это была тщетная попытка Гогена на закате дней скрыться от европейской цивилизации, максимально приблизившись к дикой первозданной природе Полинезии, обитатели которой «знают лишь радостные стороны жизни», чудесный мир, где можно жить «почти без денег». Однако в годы второй поездки художник был уже полностью разочарован в жизни: знойное солнце тропиков лишь усугубляло экзему, а бесчисленные беспорядочные связи привели к неизлечимому заболеванию. В отсутствии стабильного источника дохода – полотна, которыми расплачивался Гоген, зачастую шли на подстилки котам и собакам,– даже в хижине под пальмами на берегу южного моря художник ощущал себя брошенным и безумно одиноким. Парадоксально, но именно в свои отчаянные и несчастные годы, на все более европеизировавшемся Таити он создал самые большие и эйфористические картины рая. По окончанию работы над полотном мастер написал другу Даниэлю де Монфрейду: «Только что закончил картину — один метр тридцать сантиметров на один метр, которую считаю гораздо удачнее всего предыдущего: обнаженная царица лежит на зеленом ковре, служанка срывает плоды, два старика подле большого дерева рассуждают о древе познания; в глубине морское побережье… Деревья в цвету, собака сторожит, справа два голубя воркуют». Полотно довольно большого размера, что в соединении с прямоугольным форматом может при первом рассмотрении ввести зрителя в заблуждение, и он увидит в ней повествование. Это не так, мастеру был важен не конкретный сюжет, а символизм всего происходящего. Художник со всем присущим ему своеобразием написал ветхозаветную сцену, а не реальную таитянскую жизнь. Для передачи библейского сюжета он заимствует художественные приемы, обращаясь к искусству Египта, Индии, Ирана, Камбоджи и тщательно изучая таитянский фольклор. Художник пропустил библейский сюжет через призму собственного восприятия. В центре изображена прекрасная таитянка. Поза, которую принимает обнаженная королева, напоминает нам как «Спящую Венеру» Джоржоне и «Обнаженную Маху» Гойи, так и скандально известную «Олимпию» Мане . Она «обнажена, но царственно одета» . В отличие от героини Ренуара таитянская Ева абсолютно естественна в своей наготе, ее красивое молодое тело без ложного стыда, присущего цивилизации, открыто зрителю. В отличие от Анны с этюда Ренуара, которая скрывает свою наготу и при этом прямо обращает к зрителю выразительные слегка грустные глаза, жена короля смотрит не на нас – ее отрешенный взгляд направлен куда-то в сторону, что отдаляет зрителя от недоступной королевы и таинственного мира Гогена. Но запретный плод сладок, и чем больше становится дистанция между реальным миром и земным раем, воплощенным мастером, тем более привлекательным становится полинезийский Эдем. Зрителю нельзя проникнуть в этот мир. Красота королевы идеальна в своей дикости и неприкосновенности. В этих строках как нельзя лучше раскрывается образ чернокожей красавицы Гогена: «…Эта таитянская Ева очень нежна, очень мудра в своей наивности. Загадка, скрытая в глубине ее детских глаз, для меня непостижима…Это Ева после грехопадения, она еще может бесстыдно ходить обнаженной, она еще не растеряла своей животной красоты первого дня творения… Это Ева, и тело ее еще тело животного. Но голова уже эволюционировала, мысль развила тонкость чувств, любовь оставила на губах ироническую улыбку, и пусть наивно, но она ищет в своей памяти причины времен прошедших и настоящих. Она смотрит на вас, и во взгляде у нее загадка» . Что связывало самого мастера с созданной и воспетой им королевой? Если руководствоваться тем, что картина относится к позднему этапу творчества Гогена (второй приезд художника на Таити), то, скорее всего это его вторая таитянская жена Паола (Гоген считал, что с нее был написан самый лучший портрет обнаженной женщины). Однако, отталкиваясь от описаний внешности из «Ноа Ноа», можно подумать, что это первая полинезийская жена – Техура... «Молодая женщина с правильными чертами лица, прямыми черными волосами, стройным телом, небольшой грудью и длинными хорошо развитыми ногами, фигурирующая почти во всех его таитянских картинах, - это несомненно Техура». Пропорции фигуры темнокожей красавицы не цитируют античных богинь. Крепкое телосложение таитянки далеко от европейского «ложного идеала хрупкости». Если натурщица Ренуара, напоминает зрителю фарфоровую статуэтку, то сияющая загорелая кожа королевы делает ее подобной бронзовой статуе. Примечательно, что все персонажи на полотне имеют разный цвет кожи. Сияющий бронзовый загар королевы контрастирует с серовато-голубыми силуэтами служанок, напоминающих по цвету индийские божества, и слегка сутулыми фигурами беседующих стариков, похожих на деревянных идолов. Изображенная королева очень органично вписывается в природный ландшафт. Основную вертикаль картины держит дерево, ставшее поводом дискуссий двух стариков. О чем они размышляют? Древо познания добра и зла, от которого всевышний предостерегал первых людей в ветхозаветном сюжете, это исток и вместе с тем цель для человеческой души. Все больше отдаляясь от цивилизации, Гоген постепенно утрачивал всякое представление о добре и зле: «Сглаженность различий между полами, которая у дикарей делает мужчину и женщину столь же друзьями, сколь и любовниками, и тем самым устраняет даже понятие порока, почему она внезапно вызвала у старого цивилизованного человека как раз порочные представления, явившись в опасном обличье новизны и неизведанности». Ствол древа, расположенный в центре композиции, овивает змей. Это легко узнаваемое воплощение искусителя и разрушителя. Суть первородного греха и мирового несовершенства состоит в разъединении божественного единства. Ева мечтала вкусить вечность, отведав плод с Древа познания. Отделение женского начала от мужского лишает познания жизни. О соединении мужского и женского на полотне могут косвенно указывать воркующие справа голуби. (То, что это именно голуби, указывает сам художник, крупный размер и яркий цвет птиц без указаний Гогена может невольно заставить зрителя принять их за фазанов.) Перемещая взгляд вглубь, за стволом дерева зритель замечает темную собаку довольно внушительных размеров. Можно ли правильно трактовать этот образ сторожащей собаки, очертания морды которой навевают мысли о египетском Анубисе, ведь в мистическо-религиозном контексте христианского райского сада ей наверняка не нашлось бы места… Но в мире людей есть такие черные псы. Скорее всего, это некий символ одиночества. Гоген ощущал, что жизнь прошла, он прожил ее как бродячая собака, а цель, на алтарь которой было положено все, по-прежнему ускользала. Определить время суток и найти источники света на полотне Гогена не представляется возможным. У мастера было специфическое отношение к светотени: «Вы хотите знать, презираю ли я тени? Как средство выявления света – да. Посмотрите на японцев, которые так восхитительно рисуют, и вы увидите у них жизнь на солнце и открытом воздухе без теней. Так как тени являются обманом зрения, вызванным солнцем, то я склонен отказаться от них». Мы наблюдаем смешение времен года, поскольку в тропических широтах, как в райском саду, можно одновременно лицезреть все фазы годового цикла жизни растений: на дереве и кустарниках присутствует как зеленая, так и желтая листва. И эта желтая листва сама по себе излучает свет. Главное в этой картине – цвет, она как лирический гобелен, где все абсолютно гармонично. Сам художник отмечал: «Мне кажется, что по цвету я еще никогда не создавал ни одной вещи с такой сильной торжественной звучностью». Колорит этой картины скорее можно назвать холодным. Невероятная палитра цветов, используемых художником, довольно условна: на родине полотна Гогена были осмеяны в статьях, где упоминались «оранжевые реки» и «красные собаки». Столь яркие краски помогают лучше передать экзотическую атмосферу острова и культуру таитян. «Пламенеющие пейзажи, омытые сверкающим солнцем, позволили наконец Гогену добиться интенсивности цвета, которая не была больше результатом его воображения, а находила обильную пищу в наблюдении действительности…» Особенно выделяется яркий изумрудный цвет зеленого «ковра», в чуть более светлом варианте он продублирован Гогеном при обозначении кроны деревьев в верхнем левом углу. Разбросанные перед лежащей королевой созревшие фрукты пестрят желтым, оранжевым, красным и светло-сиреневым цветами. Для обозначения созревших плодов, срываемых служанкой, используется ярко-красный. Ядовитый желтый цвет с примесями зеленого, в который окрашена листва древа познания, не ощущается теплым. Так о подобной листве писал Гоген: «На лиловой земле – длинные змеевидные листья металлической желтизны, которые кажутся мне тайными священными письменами древнего Востока». Холодный компонент зеленого уравновешивается темно-коричневым в обозначение ствола дерева и линейных контуров фигур. В целом в изображении растительности присутствуют различные оттенки оранжевого, бурого и золотистого. Линия берега показана свинцово-синим цветом с легким сиреневатым отливом, чуть далее вправо розовеет прибрежная зона. Море вблизи показано синим, в отдалении художник использует более насыщенный оттенок темно-синего цвета, обозначая тем самым линию горизонта. Когда мы смотрим на край неба, который удается разглядеть сквозь листву, создается впечатление, что это разбавленный тон морского синего. В колорите полотна отсутствует черный. Следуя импрессионистической традиции, Гоген не использовал черный, белый и серый цвет. Как альтернатива черному у него выступают вся гамма от насыщенного бурого до темно-коричневого, а также темно-зеленый цвет. Данные цвета используются и для обозначения контуров персонажей. Эти контуры делают образы линейными, что придает им некую декоративность. Но изображенные фигуры помещены в уловную иллюзорную среду, которая не позволяет говорить о линейности в классическом понимании. Отношение к пространству, как и к светотени, у Гогена очень непростое. Художника критиковали за то, что на его картинах «недоставало воздуха». Но, несмотря на это, в столь монументальной работе не быть глубины. Глубина обозначается косою линией побережья, которая создает динамику, морское побережье с небом на заднем плане занимает примерно одну треть полотна, если отсекать по горизонтали. Выше мы уже отмечали исключительную цветовую уравновешенность, в расположении изображенных – также присутствует гармония. В божественной безмятежности художник сумел соединить здесь изображение трех царств: человеческого (королева, старики, служанка) животного (собака, змей, голуби), и растительного (древо познания, плоды), сосуществующих в вечной гармонии рая. В этом триединстве на фоне древа познания можно увидеть и круговорот жизни:

Я умер камнем и воскрес растеньем, Растеньем умер и животным стал, Прожив свой век, я возродился человеком Смерть не страшна – ну что я потерял?

На картине несколько пространственных планов. Ближе всего к зрителю расположены фрукты, сразу за ними лежит обнаженная женщина, которая прячется от солнца, перекрыв голову веером, в тени дерева, ствол и крона которого создают уже третий план. Дополнительную символическую и смысловую нагрузку несут собака, старцы и служанка. Взгляд зрителя будет постепенно скользить по этим фигурам в размышлениях о древе познания, как символе вечной жизни. Вертикальный ствол древа познания добавляет полотну некую монументальность. Если говорить о фактуре картины Гогена, то это полотно написано большей частью за счет довольно свободных и широких мазков. Иногда возникает ощущение, что мазки абсолютно одинаковые, и отличаются только цветом. «Благоухающее таитянское Ноаноа», воплощенное в образе прекрасной женщины, «эквивалент величия, глубины и тайны Таити», этот как путь художника к постижению красоты и истины.

Альбом Поль Гоген из серии Великие художники. М., 2009 г., стр.42 Альбом: Поль Гоген из серии Великие художники. М., 2009 г. Гоген П. Ноа Ноа/ пер. с франц. Н.Рыковой, Л.Ефимова, СПб.: Азбука-классика, 2012. Стр. 68 Ревалд Дж. Постимпрессионизм, М., Аванта+, 2011, стр. 392 Ревалд Дж. Постимпрессионизм, М., Аванта+, 2011, стр. 148 Альбом Поль Гоген из серии Великие художники. М., 2009 г., стр.42 Ревалд Дж. Постимпрессионизм, М., Аванта+, 2011, стр. 388

Наши Мастер классы и Лекториум >>>>

Каталог Наши художники >>>>>

Каталог товаров Живопись >>>>

www.artimex.ru

1.2 Анализ картины Левитана «Вечерний звон». Пейзаж как жанр изобразительного искусства

Анализ картины

Анализ произведения искусства

Василий Верещагин «Апофеоз войны»

Подготовила Куликова Д. В.

207 группа

Фактические сведения

Верещагин Василий Васильевич (1842–1904), русский художник, мастер батальной картины. Родился в Череповце 14 (26) октября 1842 в семье помещика. Василий в возрасте девяти лет поступил в морской кадетский корпус. По окончании этого заведения, после короткого периода службы вышел в отставку и поступил в петербургскую Академию художеств, где учился с 1860 по 1863.

Картина «Апофеоз войны», написана в 1871 году. Размер 127×197 см; Государственная Третьяковская галерея, Москва; холст, масло

Жанр – батальный. Сам Верещагин описал жанр своей картины «Апофеоз войны» так — «если не считать ворон, это натюрморт, в переводе с французского мёртвая природа…»

Денотативное прочтение

Среди раскаленной степи, под жгучими лучами солнца, изображена пирамида из человеческих черепов. На некоторых видны следы от пуль и сабельных ударов. И стая ворон, которые надеются поживиться мертвечиной. И красноречивая надпись на раме: "Посвящается всем завоевателям: прошедшим, настоящим, будущим".

Конотативное прочтение

Сегодня нам трудно поверить, но Василий Верещагин при жизни был самым знаменитым русским художником XIX века. Ни один из его современников – ни Репин, ни Поленов, ни Шишкин, ни Васнецов, ни Левитан – не могли сравняться с ним ни по славе, ни по богатству.

Верещагин ездил по железной дороге в собственном вагоне. Такое, кроме него, позволял себе только император.

Верещагин был любимцем Александра III, любимцем Генерального штаба и кумиром тогдашней армии и флота. Он родился в заштатном Череповце, в дворянской семье, где были сильны патриархальные взгляды, окончил Морской кадетский корпус в Петербурге и художником стал против воли родителей. Сначала посещал Рисовальную школу Общества поощрения художников, затем выдержал экзамены в Академию художеств. Сначала он был обычным кондовым реалистом, но, поучившись в Париже у ориенталиста Жана Жерома, именно в Париже русский художник увлекся европейской тягой к Востоку и стал художником-этнографом.

Из Парижа Верещагин поехал на Кавказ, где принялся с исключительной тщательностью рисовать разные картины местного быта, например религиозную процессию на празднике Мохаррем в Шуше (1865). Но! Но он бы не стал Верещагиным, если б не живописал быт с позиций гневного демократа. Кавказская серия стала панорамой изобличения варварского религиозного фанатизма.

Так к художнику пришел первый успех. Обличения как раз входили в моду тогдашней русской общественной жизни.

Через два года Верещагин в гуще русских войск едет в Туркестан, где находит себя как баталист. Меньше всего Верещагин размышлял о справедливости той захватнической войны. Он мыслил в рамках официальной идеологии: просвещенная Россия освобождает угнетенные народы от тирании. Нечто подобное сегодня творится в Ираке, только у Буша нет своего Верещагина, зато он был у русского императора.

Художник работал по схеме: русские войска – это благородный порыв, жизнь Востока – это ужасы азиатчины.

Он научился мастерски рисовать подробности жизни: «Самаркандский зиндан» (тюрьма), «Продажа ребенка-невольника», его кисть снова имела успех. Он умел пугать. Вот на картине «Торжествуют» на жарком солнце нарисована азиатская толпа на самаркандской площади у мечети, где на шестах выставлены отрубленные головы русских солдат.

На масштабной выставке в Петербурге женщины падали в обморок, священники молились, а император впадал в ярость.

И все же постепенно художник отходит от схематизма и начинает воспринимать войну как народное бедствие. Так, главной картиной, которую мастер привозит из Туркестана, стал шедевр «Апофеоз войны» – гора человеческих черепов в пустыне, залитой солнцем. Неясно, чьи черепа. Смерть сравняла православных и мусульман... воронье с одинаковым стуком клюет голую кость.

Изначально полотно называлось «Торжество Тамерлана», замысел был связан с Тамерланом, войска которого оставляли за собой такие пирамиды черепов.

Однако картина В. В. Верещагина носит не столько конкретно-исторический, сколько символический характер. Полотно «Апофеоз войны» — это изображение смерти, уничтожения, разрушения.

Верещагин находит убедительное художественное решение. Лаконичная и лишенная возможности развития сюжета композиция воспринимается с первого взгляда. Ее символика также ясна сразу, но картина не отпускает после беглого просмотра. Хотим мы того, или нет, она останавливает и заставляет задуматься. Художник придает груде черепов форму пирамиды, акцентировав ее нечеткие грани расположением птицы в левой части, птицы, сидящей спиной в центре, и тенью в правой части. Форму пирамиды имели гробницы фараонов в Древнем Египте, что символизировало сверхчеловеческое величие правителя. Эта форма использовалась и в другие времена при возведении мавзолеев, памятников воинам и построек, связанных с космологическими культами. Пирамида - наиболее устойчивая форма и как способ организации композиции.

Мёртвые деревья, полуразрушенный безлюдный город, высохшая трава — все это части одного сюжета. Даже желтый колорит картины символизирует умирание, а ясное южное небо еще больше подчеркивает мертвенность всего окружающего. Даже такие детали, как шрамы от сабельных ударов и дыры от пуль на черепах «пирамиды», еще явственнее выражают идею произведения.

Молчаливый, выжженный солнцем пейзаж с высохшими деревьями словно и способен вместить в себя только эту страшную груду человеческих останков и воронье, слетевшееся на свой пир. Трудно предположить, что в городе, вид на который открывается у самой линии горизонта, есть жизнь.

Любая война - это торжество смерти. Это выжженная земля, черепа и вороны, и никаких победных маршей, шелка знамен и звона орденов.

Верещагин погиб в 1904 году, когда поехал писать Русско-японскую войну. Погиб на рейде Порт-Артура, на броненосце «Петропавловск», который подорвался на японской мине. По словам очевидцев – тех, кто чудом тогда уцелел, – Верещагин до последних минут сохранял хладнокровие и зарисовывал бой в блокноте.

studfiles.net

Анализ картин художников

ПРИМЕНЕНИЕ ПРАВИЛ ПЕРСПЕКТИВЫ В ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМ ИСКУССТВЕ

Знание законов и правил линейной перспективы помогает художнику наиболее выразительно раскрыть содержание художественного произведения. В работе над композицией картины художник должен уметь разместить на плоскости листа предметы, объекты в различных ракурсах и на разном уровне по отношению к линии горизонта. Создавать композицию, передающую на картине объемно-пространственную среду в соответствии с замыслом художника, — трудное дело. Величайшим помощником в этом деле является перспектива.

В зависимости от того, как художник расположит на картине линию горизонта (высоко или низко), главную точку картины Р, дистанционные точки и точки схода, будет меняться эмоциональное воздействие картины на зрителя. В каждом живописном произведении имеется центр композиции главная точка картины Р, положение которой влияет на привлечение зрителя к главному персонажу картины.

Поэтому при составлении композиции картины первостепенной задачей для художника является выбор высоты линии горизонта и положение главной точки картины.

Законы перспективы не должны сковывать творческую инициативу художника, а наоборот они позволяют при умелом их использовании находить более сложные и трудно еще объяснимые закономерности.

Для лучшего понимания практического применения перспективы в изобразительном искусстве весьма важно научиться анализировать перспективное построение картин художников.

АНАЛИЗ КАРТИН ХУДОЖНИКОВ

Сделаем анализ перспективных построений или же реконструкцию отдельных произведений живописи известных художников.

В картине художника П. Федотова «Сватовство майора» (рис. 16) линия горизонта делит картину почти пополам, а главная точка Р сдвинута значительно влево и находится перед лицом девушки, которую выдают замуж. На фронтальной перспективе комнаты нетрудно определить линию горизонта. Для этого необходимо продолжить линии пересечения стен с потолком или же линии плиток паркетного пола, состоящего из квадратов.

Определив линию горизонта и точку Р, можно с помощью диагоналей в квадратных плитках паркета определить точки О а О. Зная отрезок РО, определим совмещенную точку зрения б1,, и угол зрения. Угол зрения будет равен 60°.

В картине того же художника «Завтрак аристократа» (рис. 17) линия горизонта проходит на уровне глаз главного лица. Точка Р в отличие от предыдущей картины сдвинута вправо.

Точку Р можно определить с помощью рисунка на ковре, имеющего прямоугольную форму, точнее квадратную. Следовательно, проведя диагональ в квадрате, получим на линии горизонта точку D

Остальные элементы определяются после того, как известны точка Р и точка D

Высоту линии горизонта можно определить по перспективному масштабу высоты. Исходя из размеров мебели, помещенной в комнате, линия горизонта проходит на высоте примерно 1 м 40 см.

art-meridian.com

Как сделать анализ картины в живописи, есть ли форма, образец, сравнение? Анализ картины