Картины ускользающего мира – укиё-э. Картины укие э


Укиё-э — Artrue

Укиё-э — стиль в японской живописи, зародившийся в конце XVI века.

Актер Савамура Содзюро в роли Огиси Курандо. Сяраку Тосюсай

История развития

С японского название направления переводится как «плывущий мир». Изначально слово «укиё» применялось в буддизме и представляло бренность бытия и повседневную печаль, а с приходом в Японию периода Эдо смысл этого слова обрел совершенно иной смысл. Данная Эпоха принесла в страну множество социальных изменений: так, например, в городах появились специально отведенные места, в которых располагались театры Кабуки, появлялись публичные дома. Тогда слово «укиё» стало обозначать мимолетное наслаждение.

Молодая пара у водопада. Хисикава Моронобу

Одним из основателей укиё-э считается известный японский художник Хисикава Моронобу. Стиль укиё-э представляет собой гравюры, выполненные на дереве.

Изначально гравюры были монохромными, так как при их создании использовалась лишь черная тушь. Спустя пару столетий художники данного направления стали добавлять гравюрам выразительности, раскрашивая их цветными красками. В то же время Судзуки Харунобу разработал метод многоразовой печати для создания нисики-э, что переводится как «парчовые картины». Массовое производство гравюр сделало их доступными для покупки многим жителям Японии, которые до того времени не могли позволить себе такую роскошь, как покупка картин.

Красная Фудзи. Кацусика Хокусай.

Создание гравюр

В создании произведения принимали участие несколько человек: художник, гравер, резчик по дереву и печатник, каждому из которых была отведена большая роль. Зачастую работы делались на заказ и их количество могло быть очень большим.

Последовательность создания гравюры:

  1.  Живописец рисует на тонкой бумаге контур будущего рисунка.
  2.  Гравер клеит данный эскиз на деревянную дощечку и вырезает на ней первую форму для печати.
  3.  Гравер делает на форме некоторое количество отпечатков для обозначения будущих оттенков.
  4.  Резчик по дереву вырезает печатные формы, которые созданы для определенных цветов.
  5.  Печатник по инструкции от художника наносит на формы краску нужного цвета и вручную отпечатывает их на рисовой бумаге.

Создание гравюры — весьма долгий и трудоемкий процесс, требующий много старания и умений. Итоговый вид картины зависел не только от хороших эскизов, но и от опыта граверов и резчиков. Для производства цветных изображений порой требовалось вырезать более десятка различных форм.

artrue.ru

Картины ускользающего мира – укиё-э

Самобытность – основная черта японской гравюры укиё-э. Не имея аналогий в искусстве других стран Дальнего Востока, эта система легла в основу формирования не только культуры самой Японии, но и оказала влияние на историческое течение и становление всей мир

        Почти два столетия ( XVII - XIX вв.), относящихся к эпохе Эдо, просуществовала укиё-э, зародившись в недрах городской культуры и пройдя долгий и интересный путь.  Основными жанрами, сформировавшимися в этот период стали бидзинга и якуся-э.          Бидзинга – изображение красавиц. Героинями сюжетов становились прекрасные обитательницы «зеленых кварталов» (увеселительных заведений), которые в то время играли весьма значительную роль в Японии.

        Якуся-э – театральная гравюра. Развитие этого жанра гравюры было обусловлено бешеной популярностью актеров столичного театра кабуки среди горожан, так как якуся-э были преимущественно их портретами. Оба эти жанра были актуальны на протяжении всей истории существования укиё-э.          Чрезвычайно важным событием стало изобретение цветной печати укиё-э в 1765 году мастером гравюры Судзуки Харунобу. Разумеется, до этого времени гравюры не всегда были черно-белыми: их либо раскрашивали от руки, либо применяли технику двуцветной печати. Сам процесс изготовления гравюры был очень длительным и трудоемким, потому что основывался не только напринципах живописи, но и каллиграфии, поэзии и декоративно-прикладного искусства. Это было в большей мере коллективное творчество, так как в работе участвовал и художник, и гравер, и печатник.          Конец XVII – начало IX веков считается «золотым веком» укиё-э. Большую популярность и всеобщее признание принесли японской гравюре такие мастера, как Тории Киёнага, Китагава Утамаро, Тёбунсай Эйси, Кубо Сюнман и многие другие. В начале XIX века излюбленной темой укиё-э становится пейзаж.

        Сами японцы не особо ценили укиё-э как высокохудожественные произведения, поэтому сохранилось не так уж много гравюр. Но мода на укиё-э в Европе заставила их переосмыслить свое отношение к ним, потому что гравюры стали массово скупать коллекционеры и любители искусства. Таким образом, японская гравюра оказала огромное влияние на французскую живопись XIX века (импрессионизм), а через нее и на живопись всех стран Европы. 

econet.ru

Укиё-э (японская классическая гравюра)

 

ЯПОНСКАЯ КЛАСИЧЕСКАЯ ГРАВЮРА

Когда говорят «восточное ис­кусство», первое, что вспоми­нается большинству людей,— это японская гравюра конца XVII - первой половины XIX века. Имен­но она представляет в глазах евро­пейцев наиболее яркие черты ис­кусства Востока. Красочная и вместе с тем изысканная, экзоти­ческая и понятная по содержанию гравюра впервые привлекла вни­мание художников и любителей искусства во второй половине XIX столетия.

Японской гравюрой увлекались Тулуз-Лотрек, Мане, Дега, Ван-Гог. Знакомство с ней повлияло на творчество русских и советских художников: Билибина, Сомова, Остроумовой-Лебедевой, Митрохина, Верейского. Сей­час японская гравюра заняла до­стойное место в ряду значитель­нейших достижений мирового ис­кусства. Гравюру этого периода в отличие от современной принято называть классической.

Японская гравюра на дереве - это обрезная ксилография. Клише для нее изготовлялись на продоль­ном срезе грушевого или вишне­вого дерева. Эскиз художника накладывался на доску, и все линии обрезались с двух сторон острым ножом. При этом плавность рисун­ка древесных волокон не могла не сказываться на ее линеарном строе. Первоначально гравюра бы­ла одноцветной, и весь сравнитель­но небольшой тираж ее подкраши­вался от руки, что придавало про­изведениям особое очарование не­посредственности и рукотворности.

Ранний период развития японской гравюры

 

Ранний период развития гра­вюры датируется 1680—1760 года­ми.

Хисикава Моронобу. Влюбленные. Середина 1680-х годов.Первым выдающимся масте­ром был Хисикава Моронобу (1618—1694). Его станковая гра­фика на любовно-лирические и жанровые темы отличалась калли­графической выразительностью линий, прославлением земной красоты, декоративностью, под­черкнутым стремлением к цвет­ности. Большинство произведений Хисикава Моронобу имеют гори­зонтальный формат, родственный формату книжного разворота. С книгой роднят их и виньетки в уг­лах листа.

 Окумура Масанобу. Киото. Серия «Ироко трех больших городов». Между 1716 и 1748. У Окумура Масанобу, второго выдающегося мастера этого перио­да, наблюдается более самостоя­тельный подход к станковой гра­вюре. Хотя он еще предпочитает горизонтальные форматы, но ис­пользует и вертикальные, уже ни­как не связанные с книгой. К 1740-м годам в гравюре была выра­ботана техника двух-трехцветной печати, и Масанобу охотно приме­няет ее, изображая изысканные наряды своих героинь и атрибуты внешнего вида героев. Линии у Масанобу стали тоньше, изящнее, художник употребляет их целе­направленно: лица героев обрисо­ваны тончайшей нежной линией, а, например, детали обстановки или контуры одежды даны более толстой и грубой чертой, что при­дает гравюре многообразие выра­зительных средств.

Окумура Масанобу работал так­же и в области театральной гра­фики, но не был в ней таким нова­тором и энтузиастом, как Киёнобу. Масанобу предпочитал сюжеты, которые ближе к теме женской красоты. А надо сказать, что по традиции все роли в театре Кабуки исполняли мужчины. Окумура Масанобу избрал для себя тему нежных, женственных актеров-юношей — исполнителей женских ролей. На то, что они юноши, указывают только маленькие фио­летовые шапочки, закрывающие выбритый, как и подобает мужчи­не, лоб.

Тории Киёнобу. Итикава Дандзюро I и Яманака Хэйкуро. 1714.Тории Киёнобу (1644-1729) - театральный художник, изобра­жавший актёров театра Кабуки в самые драматичоские моменты представления. Он учился у своего отца, актёра и графика, и стал ос­нователем династии театральных художников Тории. В его работах оформился жанр «якуся-э» - портреты актёров, появлявшихся на афишах, программах, плакатах и в станковой гравюре.

Плакатность, легкая читаемость, укрупненность черт сказываются во всех произведениях Киёнобу. Талантливый художник, он сумел передать в гравюре всю динамику и драматизм сцен Кабуки, найти графический эквивалент герои­ческому исполнительскому стилю «арагото». Располагая парные композиции из двух борющихся актеров на вертикальном листе бу­маги, Тории Киёнобу вносит в композицию такое движение и страсть, каких до него гравюра не знала. Многие герои Киёнобу, как это было и в Кабуки, выступают полуобнаженными, причем все тело их загримировано в красный цвет — цвет справедливой ярости и силы. Актеры запечатлены в мо­мент наивысшего напряжения - так называемые кульминационные моменты «миэ», специально пред­назначенные для того, чтобы зри­тель зафиксировал на них взгляд. Что же может быть более привле­кательным для художника, чем та­кая поза? Герои как бы говорят: посмотрите на нас, какие мы силь­ные и могучие, как непримирима наша решающая схватка. И худож­ник передает самое существо этой позы. Для этого он использует спе­циально им изобретенные мазки «мимидзугаки» («червеобраз­ные») в передаче напрягшихся му­скулов, прием «хётан-аси» (упо­добление мускулистых ног тыкве-горлянке), да и все линейное ре­шение гравюры свидетельствует о напряженности каждой линии и мазка.

В театральной гравюре с самого начала широко использовались изображения монов — фамильных горбов актеров, которые в сильно увеличенном виде украшали их кимоно. Моны сами по себе ше­девры миниатюрной графики, вы­полненные в контрастной манере. Применение в гравюре вдвойне подчеркнуло их красоту и графи­ческую выразительность.

 

Второй период развития японской гравюры

 

На втором этапе развития гра­вюры (сородича 1760—1800-х годов) расширился круг её тематики, более ярким и глубоким ста­ло раскрытие эмоционального ми­ра человека, выявление характер­ных черт его внешнего облика. Это время нередко называют «золотым веком» японской гравюры. Оно ознаменовано деятельностью круп­нейших художников, применяв­ших листы разных размеров и развитую технику многоцветной печати.

Судзуки Харунобу. Осэн с буйволом. Середина 1760-х годов.Первым мастером, который на­чал работать в этой технике, был Судзуки Харунобу. Он не только внес в искусство ксилографии тех­нические новшества, но и исполь­зовал ее возможности в передаче сложного эмоционального состоя­ния своих героев и героинь. Ха­рунобу применил и богатейшую цветовую гамму, получаемую при печатании с семи и более досок, и такой прием, как раскат, созда­ющий плавный переход от темного к светлому. Главное, он употребил великое множество разных по ха­рактеру линий: и толстых черных, и цветных, и тисненых, дающих едва заметную впадину на мяг­кой бумаге.

Харунобу — создатель нового идеала красоты: юной девушки с изящной тонкой фигуркой и кро­шечными ручками и  ножками. Прототипом ее послужила реаль­ная женщина — дочь зеленщи­ка Осэн, в честь которой современ­ными городскими франтами слага­лись стихи и песни. 15 одной из гравюр Харунобу показал Осэн, ведущую буйвола, нагруженного двумя огромными плетеными кор­зинами, а в корзинах — любовные признания и письма. Так в образ­ной форме Харунобу дал понять зрителю, насколько славилась кра­сота Осэн.

Судзуки Харунобу. Влюбленные в заснеженном саду. Конец 1760-х годов.Харунобу показывает своих ге­роинь и в интерьере, и — что но вполне привычно для более ранней гравюры — на лоне природы. Зна­менитая гравюра Харунобу «Влюбленные в заснеженном са­ду» свидетельствует о тонком ли­рическом начало, которое гравюра могла выразить через пейзажные фоны.

Параллельно с Харунобу груди­лись и театральные графики, как прежней династии Тории, так и вытеснившие ее представители семьи Кацукава.

Произведения театральной гра­фики в численном отношении со­ставляют около половины всех японских гравюр. Велика и их художественная значимость. Раз­нообразие тем, драматизм, декора­тивные эффекты, заимствованные из театра Кабуки, свойственны этим гравюрам.

Кацукава Сюнсё. Савамура Содзюро III и Ямасита Мангику в «зеленой комнате». 1782.Основателем династии Кацука­ва был Кацукава Сюнсё (1726— 1792), который почти всю жизнь посвятил театральной теме. Бла­годаря ему она и зазвучала в пол­ную силу цвета, усвоив все дости­жения полихромией гравюры. Каждый образ Сюнсё неповторим. Это и центральные героические роли, и лирические женские, иг­раемые лучшими актерами. В ком­позициях Кацукава Сюнсё мы не­редко встречаем новую форму - триптих, появление которого было связано с желанием показать не только одного исполнителя, но и весь основной состав действующих лиц. Сюнсё вплотную приблизил­ся к изучению исполнительского искусства, проник даже за кулисы, где выдающиеся актеры репетиро­вали, одевались, гримировались, размышляли о спектаклях. Поме­щения, отведенные для этого, на­зывались «зелеными комнатами», и Сюнсё создал специальную жан­ровую разновидность гравюры - «зеленые комнаты».

 

Кацукава Сюнэй. Портрет актера Савамура Содзюро III. 1780-е годы.

Ученики и последователи Сюнсё продолжали творческие поиски учителя, стараясь все больше при­близиться к актеру, конкретнее передать его внешность. Кацукава Сюнко (1743—1812), например, сделал первые погрудные изобра­жения актеров на веерах и плака­тах, а Кацукава Сюнэй (1762 — 1819) исполнил погрудные компо­зиции-портреты на листах большо­го размера.

Китао Сигэмаса. Две красавицы. 1789—1801.Китао Сигэмаса (1739-1820) был основателем школы Китао. Для нее характерно стремление передать сходство в портретах зна­менитых красавиц. Произведения Китао Сигэмаса недаром считают­ся примером хорошего вкуса в ис­кусстве «укиё-э». Его героини не­обычайно изысканны, их костюмы драпируются благородными склад­ками, общая композиция всегда «завязана» в прихотливый узел линий и контуров.

Тории Киёнага (1752— 1815) — представитель славной династии Тории, к удивлению современников, отверг свое знат­ное имя и подписывался толь­ко «Киёнага». Этим он провоз­гласил уход от театральной те­матики, от ставших для него тесными канонов поздних Тории. И действительно, Киёнага завое­вал славу и без знатной фами­лии. Достаточно сказать, что он был учителем великого Утамаро. Киёнага посвятил жизнь вос­певанию красоты женщин, хотя иногда обращался и к театру. Большинство ксилографии художника изображает бытовые сцены, прогулки и шествия, зна­менитых красавиц и даже во­преки запретам светскую жизнь.

Тории Киёнага. Вечерняя прохлада на берегу реки Окава. Середина 1780-х годов.

Для героев Киёнага характер­но достоинство, спокойное изя­щество. Образы его идеальны. Фигуры имеют удлиненные про­порции и располагаются на ли­сте в величавом ритме шествия. Тонкий овал лица, маленький рот, миндалевидные глаза и черные густые брови — этими чертами Киёнага награждает почти всех персонажей. В Кабуки среди исторических пьес он предпочитает пьесы из придвор­ной жизни, романтические исто­рии, все, что так или иначе подразумевает действие героев выс­шего света. При их изображе­нии Киёнага избегает наивной роскоши, напыщенности. Одеж­ды персонажей не отвлекают взгляда от силуэта фигур, при­меняемый орнамент неназойлив, часто встречаются гладкие чер­ные кимоно.

Киёнага одним из первых вос­пел красоту и особую изыскан­ность черного цвета в полихромной гравюре. Удивительны те его графические листы, на ко­торых герои и героини предста­ют на фоне пейзажа. Это знаменитые триптихи «Двенадцать месяцев на юге». Но самой, по­жалуй, привлекательной гравю­рой является «Вечерняя прохла­да на берегу Окавы», где три красавицы, присев на помост, подставляют свои разгоряченные лица первому вечернему ветер­ку. В самом повороте голов де­вушек чувствуется, что они ощу­щают прохладу, и это невольно передается зрителю.

Китагава Утамаро. Три прославленных красавицы.Часть триптиха.1790-е годы.Киёнага не занимался портретированием. Эту задачу решил его прославленный ученик Китагава Утамаро (1753—1806) - один из лучших мастеров япон­ской гравюры. Только в 1790-х годах он выступил с самостоя­тельными работами, но его про­изведения сразу же получили повсеместное признание. С по­мощью плавной, текучей линии, то строго обобщающей объем, то тонко подчеркивающей дета­ли, он создал образ красавицы с изящной посадкой головы на удлиненной шее, идеальным ова­лом лица, приподнятыми, слов­но в удивлении, черными бровя­ми и маленьким алым ртом. Этот женский образ стал вопло­щением национального идеала красоты.

Художник прибегал к прие­мам, способным сделать восприя­тие произведения более ост­рым,— тени на бумажной стене выявляли красоту силуэта фи­гуры, прозрачные ткани, при­крывающие лицо, придавали от­тенок таинственности, рама зер­кала подчеркивала четкость овала отраженного в нем лица. Сохраняя черты идеализации, Утамаро стремился выявить в портретах характер, различие примет внешности, темперамен­та, привычек поведения (серии «Десять женских характеров», «Дни и часы женщин»). Его ге­роини не лишены жизненной до­стоверности. Особенно присуще это композициям на темы по­вседневного женского труда: се­рии «Шелководство», «Женщи­ны за шитьем». Пристальный интерес к человеку, его харак­теру повлек за собой создание серии «Большие головы», в ко­торой с наивысшей полнотой проявился талант Утамаро. Ксилографии выполнены в сложной технике полихромной печати на листах большого размера. Здесь художник применил слюдяной порошок, дающий эффект сереб­ристого мерцающего фона.

Тосюсай Сяраку. Итикава Эбидзо в роли Такэмура Саданосина. 1794.Если конец XVII века в жан­ровой гравюре прошел под эги­дой Утамаро и его последовате­лей, то в театральной гравюре тоже появилась фигура, не имею­щая себе равных. Это Тосюсай Сяраку. О жизни графика не со­хранилось никаких свидетельств, кроме ста пятидесяти велико­лепных гравюр, в большинстве своем театральных. Сяраку явил­ся сразу зрелым мастером; еще более загадочно то, что первые же его произведения изданы самым знаменитым издателем в наилучшем из возможных вариантов — в крупном форма­те, на серебряных фонах, не­сколькими сериями. Сколько ни гадали ученые о настоящем име­ни (Сяраку — псевдоним) и про­исхождении, все усилия рас­крыть тайну Сяраку оказались тщетными. Он настолько выде­лялся среди современных масте­ров гравюры, что подыскать близких ему художников, кото­рые могли бы оказаться его учи­телями или учениками, невоз­можно. Тосюсай Сяраку. Отани Онидзи в роли Эдобея. 1794.Погрудные портреты ак­теров отличаются смелостью и артистизмом исполнения, пре­дельным накалом страстей. В них достигло апогея стремле­ние к характерности, постепенно нараставшее в театральной гра­вюре второй половины XVIII ве­ка. Сяраку работал меньше го­да — всего девять месяцев в 1794 и 1795 годах, и внезапное и пол­ное исчезновение его столь же необъяснимо, как и внезапное появление. Но, несмотря на крат­ковременность художественной карьеры, Сяраку успел войти в историю как выдающийся ма­стер японской театральной гра­вюры, мало кто мог сравниться с ними в прежних жанрах — изображе­нии актеров и красавиц. Но имен­но в XIX веке в гравюре появля­ется пейзаж, с которым связан последний расцвет классиче­ской японской ксилографии.

Кацусика Хокусай. Волна.Серия «36 видов Фудзи». 1823—1833.Самый выдающийся пейза­жист эпохи — Кацусика Хокусай (1749—1860). В ранние го­ды он примыкал к школе Кацукава, чьи приемы эмоциональ­но яркой трактовки человече­ского образа воплотились в книжных иллюстрациях и те­атральных гравюрах. В даль­нейшем Хокусай изучал также классическую живопись Китая и Японии. Об овладении бога­той художественной традицией классического Востока свиде­тельствует его многотомник ри­сунков «Манга», изданный в 1812 —1871 годах. В него вошли книги с изображением пейзажей, цветов, птиц, насекомых, живот­ных, а также меткие жанровые зарисовки и тщательные шту­дии человеческого лица, мими­ки и жестикуляции. С 1820-х го­дов основной темой Хокусая ста­новится пейзаж. В сериях гра­вюр вытянутого, вертикального формата «Новые мосты в раз­личных провинциях», «Путе­шествие по водопадам различ­ных провинций», «Поэты Китая и Японии» общая отвлеченная трактовка пейзажа, соответст­вующая средневековой тради­ции, сочетается с конкретно изображенными мотивами япон­ского ландшафта.

Кацусика Хокусай. Тропинка на перевале Мисима. Серия «36 видов Фудзи». 1823—1833.Самая знаменитая серия Хо­кусая — «36 видов Фудзи» в действительности содержит со­рок шесть пейзажей. В этой серии священная гора Японии пред­стает как символ нации и стра­ны. Хокусай проявил немалую изобретательность, чтобы пока­зать Фудзияму с самых разных, порой неожиданных точек зре­ния. Она то предстает у него ве­личественной, на первом плане («Южный ветер. Хорошая пого­да», «Гроза»), то отдаляется от нас, обрамленная завитком вол­ны или вписанная в круг огром­ной бочки, которую мастерит на побережье искусный бочар. Про­стые труженики или путеше­ственники, которых Хокусай не­редко включает в первый план произведений, не случайная для него деталь, а имеющее большой смысл изображение наро­да, нации, которую символизи­рует Фудзи.

Андо Хиросигэ. Станция Камбара. Серия «56 станций Токайдо». 1833.

Наряду с величественным об­разом природы, созданным Хокусаем, существовал тип пейза­жа, проникнутый тонким лири­ческим чувством. Его создате­лем был Андо Хиросигэ (1787 — 1858). Виртуозно, используя та­кие техники, как тиснение * и раскат **, Хиросигэ передает зыбкие, преходящие состояния природы, атмосферные эффекты снега, тумана, дождя, неповто­римое настроение каждого угол­ка родины.

*Тиснение — печатание гравюры при помощи неокрашенных досок, которые создают вдавленные в поверх­ность бумаги линии и плоскости.

** Раскат — прием, при котором слой густой краски раскатывается валиком по листу. При этом создается впечат­ление постепенного перехода от тем­ного к светлому.

Наибольшую славу ему принесла серия «53 станции Токайдо», то есть дороги, соеди­нявшей новую столицу Эдо со старой Киото. Хиросигэ проявил себя также большим мастером жанра «цве­ты и птицы». Известная гравю­ра художника

Андо Хиросигэ. Ласточки и камелии под снегом. Около 1832.

«Ласточки и ка­мелии в снегу» (около 1830) тре­петно передает ощущение первых холодов, опушивших снегом ветви камелий и заставивших ласточек взъерошить свои перья.Эта серия (1833 — 1834) запечатлела скромное обаяние японской провинции. Длительное время художник раз­рабатывал темы путешествий по стране, достопримечатель­ных мест провинции, городов Эдо и Киото. В гравюрах чувству­ется сильнейшая индивидуаль­ность мастера, сумевшего в каж­дом из сотен пейзажей увидеть его неповторимую прелесть и правдивую красоту.

У Андо Хиросигэ, так же как у Кацусики Хокусая, было не­мало подражателей. Среди них — Андо Хиросигэ II (1826 — 1869) и многие другие. Пробо­вали свои силы в пейзаже и пред­ставители театральной династии Утагава, которые в XIX веке образовали сильную разветвлен­ную школу, своего рода пред­приятие по выпуску театральных гравюр. Но надо признать, что за некоторыми исключениями художники Утагава в XIX веке не создали сколько-нибудь зна­чительных произведений, в том числе и в пейзаже. Хокусай и Хиросигэ остались двумя ма­стерами, с именами которых мы связываем наивысшие достиже­ния японской классической гра­вюры.

 

 

УКИЁ-Э (японск. ukiyo-e — "картины плывущего, исчезающего мира") — школа рисунка и гравюры на дереве в искусстве Японии XVII—XIX вв.

В XVII— первой половине XIX века в японском искусстве развилось направление «укиё-э» — «искусство быстротекущего ми­ра». Оно было порождено станов­лением нового городского сосло­вия — ремесленников и торговцев.

«...Жить лишь дарованным тебе мгновением, наслаждаться, любу­ясь луной, цветением вишен, осен­ними листьями кленов, петь песни, пить вино и развлекаться, ничуть не заботясь о нищете, вызывающе глядящей нам в лицо, бездумно отдаваться потоку, подобно тыкве, бесстрастно влекомой течением реки. Это то, что мы называем укиё-э»

— так говорили горожане новой столицы Эдо (с 1714 года) и старой Киото.

Искусство этого мира — «укиё-э» и прежде всего гравюра — стало отражением всей жизни горожан, их вкусов, интересов, мод. В отли­чие от аристократической живо­писи средних веков гравюра на дереве была многотиражной, до­ступной по цене, воистину попу­лярной. Она основывалась на тра­дициях книжной графики, прог­рамм излюбленного театра горо­жан — Кабуки, но только с появ­лением станковой графики (то есть в понимании японцев — гра­вюр на отдельных листах) она стала приобретать все большее значение как самостоятельный вид искусства.

Совпадает с периодом правления династии Токугава (1603—1868), или Эдо (по древнему наименованию столицы Японии г. Токио). Этот период характерен развитием городской культуры. Художники стремились отразить новую эстетику скоротечности жизни в быстро меняющемся мире. Отсюда название. Термин "укиё-э" заимствован из философии буддизма, где он обозначал "суетный", или "быстротекущий мир".

В XV в. этот термин понимали как "изображение повседневной действительности", а в XVII в. под тем же словом стали подразумевать "мир развлечений и удовольствий". Термин "укиё-э" в 1661 г. впервые употребил писатель Асай Рёи.

Мастера укиё-э изображали сценки из жизни торговцев, ремесленников, городские и сельские пейзажи, сцены спектаклей театра Кабуки, портреты популярных актеров в сценическом гриме и костюмах, портреты знаменитых красавиц и гейш.

Помимо традиционной техники цветной ксилографии (гравюры на дереве) художники создавали расписные ширмы из шёлка или бумаги для жилого интерьера, свитки для токонома (стенной ниши). Такие свитки можно было переносить с места на место или рассматривать вместе с гостями, медленно перематывая с рулона на рулон.

Особенности школы укиё-э складывались под воздействием вкусов новых заказчиков произведений искусства: торговцев, богатых горожан — тёнин, городских меценатов, покровителей театра и литературы. Именно в это время стали ценить дорогие безделушки — инро, нэцкэ.

В школе укиё-э формировались новые для японского искусства бытовые жанры — изображения чаепития, музицирования, утреннего туалета красавиц, жизни служанок.

Тории Киёнага. Вечерняя сцена в Синагава. Часть диптиха. Середина 1780-х годов.Новые приемы изображения появлялись под влиянием западноевропейского искусства. Начало этого процесса относят к 1543 г., когда в Японию прибыли португальские мореходы. И хотя в дальнейшем последовало запрещение христианства (1597) и закрытие страны для иностранцев (1633—1640), через порт Нагасаки продолжали поступать произведения искусства соседнего Китая, а также западноевропейские гравюры. Японцы переработали европейские приемы светотени и объемной моделировки формы и создали на этой основе оригинальный стиль. Одним из проявлений этого стиля были "мэганэ-э" ("картины сквозь очки") — их рассматривали через специальные увеличительные линзы, создающие эффект стереоскопии (трехмерности).

Таков был первый результат взаимодействия традиций Запада и Востока в понимании пространственности изображения. Японские художники использовали способы построения западноевропейской перспективы (центральной проекции с одной точкой схода), но трактовали их по-своему.

Основателями школы укиё-э считают рисовальщиков И. Матабэй и Х. Моронобу. Их рисунки использовали граверы по дереву. Постепенно, по мере усвоения новых приемов в картинах укиё-э складывалась особая система понимания изобразительного пространства, отличная как от европейской, так и от традиционной японской.

Если в гравюрах К. Утамаро (1754—1806), великого мастера жанров бидзинга и окубиэ, и Судзуки Харунобу (1725—1770) еще преобладает старый стиль, то в произведениях Кацусика Хокусая (1760—1849) и Андо Хиросигэ (1797—1858) более заметны западноевропейские приемы отображения пространства. Однако в дальнейшем перспективные приемы растворяются в композиционной структуре, свойственной национальным традициям японского пейзажа.

 

 

Китагава Утамаро. Три прославленных красавицы.Часть триптиха.1790-е годы.БИДЗИНГА (японск, bidzinga — "изображение красавиц" от bi — "красота") — жанр традиционной японской графики школы укиё-э, предметом которого является изображение прекрасных женщин, знаменитых красавиц, гейш, обитательниц "веселых" кварталов японской столицы Эдо. Сложился в XVII в., вначале в изображениях тушью на свитках. В XVIII в. в цветных гравюрах на дереве в этом жанре прославились С. Харунобу, Т. Киёнага и великий Китагава Утамаро (1754—1806). В работах этих художников под влиянием их прекрасных моделей сложился особый, изысканный стиль графики и утонченный образ "типичной" красавицы с удлиненным овалом лица, изогнутой шеей и крошечным ртом. Изображались сцены туалета, чайной церемонии, прогулок и незатейливых игр. В жанре "бидзинга" совершенствовался уникальный стиль японской графики, основанный на выразительности силуэта, музыкальной игре тончайших линий и гармонизации блеклых тонов : серебристого или золотистого фона, нежных розовых, голубоватых, жемчужно-серых и палевых красок. Для получения "коралловых", "табачных", "горчичных" оттенков красители смешивали с рисовой мукой. Вместе с мелким кружевным узором, передающим шитье одежд, эти "закрытые" тона создавали эффект, получивший название "нисикиэ" ("парчовые картины") или гравюр "парчового стиля". Наивысшим достижением японского искусства в жанре "бидзинга" стала серия цветных ксилографий К. Утамаро "окубиэ" ("большие головы") — шедевры стилизованного лирического портрета. Гравюры бидзинга оказали влияние на творчество французского художника постимпрессиониста Э. Дега (термин "бидзинга" следует отличать от "бундзинга").

 

 

Китагава Утамаро. Три прославленных красавицы.Часть триптиха.1790-е годы.ОКУБИЭ (японск. okubi-e — "большие головы") — жанровая разновидность и композиционный тип классической японской гравюры на дереве в жанре бидзинга "изображение красавиц" школы укиё-э. Представляет собой погрудные портреты знаменитых городских красавиц — гейш в обыденной, домашней обстановке. Создатель окубиэ — выдающийся японский рисовальщик и гравер Китагава Утамаро (1754—1806). В 1791—1799 гг. этот замечательный художник создал серию гравюр, отличающихся нежной грацией, изысканной стилизацией традиционных мотивов, утонченностью цветовых отношений. За эту серию Утамаро прозвали "художником женщины".

 

"ПАРЧОВЫЙ СТИЛЬ" — термин употребляется в трех основных значениях. Во-первых, "парчовым стилем" называют разновидность японских цветных гравюр на дереве школы укиё-э второй половины XVIII в., характерных особенным колоритом нежных, тончайшим образом гармонизированных тонов: охристого, золотистого, розового, палевого, серебристого с мелким узорчатым рисунком — орнаментом, заполняющим поле листа и напоминающим парчу.  Окумура Масанобу. Киото. Серия «Ироко трех больших городов». Между 1716 и 1748. Наиболее ярко "парчовый стиль" проявился в ксилографиях С. Харунобу и К. Утамаро. Судзуки Харунобу (1724—1770) в 1760-х гг. первым стал использовать технику кэнто́ (японск., "прямой угол"). Лист бумаги при многокрасочной печати последовательно переносили с одной доски (печатной формы с накатанной краской определенного цвета) на другую. Специальные ограничители — прямоугольные рамки, установленные в стыках граверных досок, — обеспечивали совпадение различных частей изображения. Для получения тончайших оттенков: коралловых, табачных, горчичных, Харунобу подмешивал в краски рисовую муку. Японское название этой техники — "нисики-э" ("парчовые картины"). Особенно изысканно в подобных гравюрах выглядит орнаментация одежд, изображающая узоры парчи.

Второе значение термина "парчовый стиль" имеет отношение к росписи японского фарфора сацума.

Третье — к росписи китайского фарфора "розового семейства", которая также ассоциируется с узорами парчовых тканей того времени.

 

Утагава Кунисада. Женщина, зажигающая лампу. Конец 1810-х годов.УТАГАВА (японск. Ut’agawa — "Река песен") — школа классической японской гравюры на дереве конца XVIII — начала XIX в. Развивалась в границах национальной школы укиё-э. Основана японским художником Тойохару (1735—1814), принявшим имя Утагава. Он один из первых использовал приемы западноевропейской перспективы и тональных моделировок. Учеником Тойохару Утагава был рисовальщик и гравер Тойокуни (1769—1825) — его произведения отличаются изысканной пластикой линий и цвета. Зять и последователь Тойокуни — Тойокуни Второй (1777—1835) — живописец, гравер и керамист. Его настоящее имя Тойошиге, но подписывался он как Утагава Тойошиге (после кончины учителя Тойокуни Первого он взял себе его имя). К школе Утагава причисляют также рисовальщика и гравера Куниёси Утагава (1797—1861), который также использовал в своем творчестве элементы западноевропейского искусства, хотя изображал преимущественно самураев и героев японского Средневековья

shedevrs.ru

Укиё-э: картины плывущего мира

Укиё-э: картины плывущего мира

В современном мире, даже те, кто впервые слышит непонятное японское слово «укиё-э», сразу понимает, о чем идет речь, лишь взглянув на любую из японских картинок. Уникальная, ни с чем не сравнимая манера письма, знакома всему миру: гравюры уки-ё глядят на нас с рекламных плакатов, украшают интерьеры ресторанов. Имена японских художников, таких как Андо Хиросигэ, Кацусика Хокусай или Тосюсай Сяраку, становятся также привычными нашему уху, как, скажем, Левитан или Перов.

В отличие от «высокой» живописи, изображавшей пейзажи и религиозные сюжеты и пришедшей в Японию из Китая, ukiyo-e (картины переменчивого «плывущего» мира) – родились в Японии и предназначались для простого обывателя. Героями этих гравюр становились обычные люди, персонажи пьес театра Кабуки, на них изображались сценки из повседневной жизни, т.е. зарисовки «плывущего» мира - термин, пришедший из буддийской метафоры о мимолетности жизненных радостей.

Специфический переменчивый мир Эдо вращался вокруг кварталов удовольствий, каких как Yoshiwara. В этом суетном королевстве ломались обычные иерархические устои, установленные сёгунатом Токугава, деньги значили больше, чем положение в обществе, актеры и художники задавали тон, а проститутки поднимали свое мастерство до такого уровня, что затмевали женщин высшего общества.

В жанре укиё в отдельную ветвь выделились картины сексуального содержания “shunga” (букв. – весенние картинки), на которых изображались известные куртизанки того времени за обслуживанием клиентов. Откровенность любовных сцен порой просто шокирует неискушенных любителей живописи. Картинки shunga снискали такую популярность среди населения, что большинство мастеров пробовали себя в этом жанре.

Не меньшей популярностью пользовались бидзин – э («портреты красавиц»). На них изображались куртизанки высшего ранга «таю». Одним из наиболее выдающихся художников этого жанра, чьи портреты дошли до наших дней, считается Китагава Утамаро (1753—1806).

Позднее появились пейзажные оттиски. Основателем пейзажного жанра считается Кацусика Хокусай (1760-1849), другим «монстром» японского пейзажа является Андо Хиросигэ (1797-1858).

Яркие краски, картины реальной жизни и мягкие линии укиё-э вызвали восхищение западной публики. Укиё оказало ключевое влияние на импрессионизм и пост-импрессионизм, они вдохновляли таких художников, как Тулуз-Лотрек, Манэ и Дега. Ван Гог сделал копии двух картин Hiroshige из цикла 100 известных видов Эдо. При этом, в Японии гравюры укиё-э не рассматривались как произведения искусства: миллионы оттисков выпускались ежегодно, часто они просто выбрасывались или применялись в качестве оберточной бумаги. Многие годы японцы с недоумением смотрели на интерес иностранцев и вообще не понимали, как можно относить укиё-э к искусству.

В Токио небольшой музей Ukiyo-e Ota Memorial Art Museum выставляет постоянно меняющуюся композицию японских гравюр, а Edo-Tokyo Museum не только представляет серию гравюр, но и наглядно объясняет способ их изготовления.

Ваш гид в Японии, Ирина

Внимание! Перепечатка или копирование материалов сайта http://www.edemvtokyo.ru возможны только при условии прямой активной ссылки на сайт.

www.edemvtokyo.ru

Гравюра укиё-э | Японский язык онлайн

укиё-э

Появление и развитие укиё-э

Одним из самых известных видов японского искусства является гравюра, получившая название укиё-э (浮世絵). Дословно «укиё-э» переводится как «плывущий мир», что отсылает нас к буддийской философии, в которой словом «укиё» обозначался «бренный мир». Но с появлением в эпоху Эдо «веселых кварталов» (публичных домов), понятие было переосмыслено и стало обозначать «мир мимолётных явлений». Впервые слово «укиё-э» было упомянуто писателем  Асай Рёи в 1661 г.

Стиль укиё-э относится с ксилографии, печатной графике на дереве или оттиске на бумаге. Создателем укиё-э считается живописец и график Хисикава Моронобу (菱川 師宣).

Предшественниками укиё-э стали эхон (絵本) – сборники рассказов с сопровождающими их картинками. Затем гравюры обрели самостоятельность и использовались в качестве афиш к постановкам театра кабуки или свитков с изречениями какэмоно (掛け物), помещаемых в нишах токонома (床の間), своеобразных домашних святилищах.

Первоначально картины укиё-э возникли в конце 17 века. Первые гравюры были черно-белыми, так как для их создания использовалась тушь, а с 18 века картинки стали цветными, так как мастера начали раскрашивать их киноварью вручную, используя кисть. Затем появилась техника полихромной печати, получившая название нисики-э (錦絵) — «парчовые картинки».

укиё-э

Гравюры были очень дешёвыми, так как техника была достаточно проста и позволяла выпускать большие «тиражи», и предназначались для широких слоёв, в основном, городского населения. И лишь когда европейцы начали массово скупать картины, японцы поняли всю ценность этих произведений, и им пришлось выкупать картины производства своей же страны у иноземцев. Из-за того, что оттиском можно было создать не одну сотню одинаковых картин, можно увидеть одну и ту же работу в нескольких точках земного шара, и все они будут подлинными.

Так как основными потребителями картин были горожане, сюжеты отражали типичный образ жизни японского города: прекрасные дамы, ежедневные бытовые ситуации, сумоисты, актёры театра кабуки, сюжеты легенд. Позже стали изображаться пейзажи и военная тематика. Соответственно, картины укиё-э являются не только произведениями искусства, но и важными историческими источниками, из которых мы можем узнать многое о жизни эпохи Эдо.

укиё-э

Гравюры предназначались для того, чтобы любоваться ими в горизонтальном положении, поэтому их не вешали на стену, кроме какэмоно. Из-за этого некоторые произведения имеют свой «секрет». Например, кимоно героя могло быть с рисунком, который возможно было разглядеть, только когда картина лежала горизонтально или при взгляде на неё снизу, если она висела на стене.

Техника выполнения

Для создания японской гравюры требовалось три человека: художник, резчик и печатник. Качество и красота работы зависели от всех трёх мастеров. Первый тушью наносил прототип картины на прозрачную бумагу, резчик приклеивал его на деревянную дощечку из вишни, груши или самшита и вырезал области, оставшиеся белыми. Это была первая печатная форма, а рисунок фактически уничтожался. Затем делалось несколько оттисков с разными цветами (для каждого цвета или тона своя форма), и печатник, заранее обговорив с художником цветовую гамму, наносил на набор форм краску и печатал гравюру на рисовой бумаге.

Основные жанры

Бидзин-га (美人が) — изображение красавиц. Как понятно из названия, основным предметом изображенияукиё-э этого жанра являлись прекрасные женщины. Чаще всего на гравюрах можно было увидеть обитательниц весёлого квартала Ёсивара: гейш, куртизанок и просто известных прекрасных женщин. Типичная красавица тех времён имела овальную форму лица, изогнутую шею и маленький рот. Сюжеты, в которых фигурировали красавицы, были повседневными: чайная церемония, туалет, прогулки, игры. В этом жанре возник стиль окуби-э (お首絵) — «большие головы», где изображалась крупным планом голова девушки.

Мастера: Судзуки Харунобу, Тории Киёнага, Китагава Утамаро.

 

Якуся-э (役者絵)— портреты популярных актёров театра. Художник должен был придерживаться определённых строгих правил в изображении: например, косые глаза, собранные в кучу, обозначали гнев; если герой закусывал платок, то это показывало безудержную страсть, а волосатость отсылала к дикости и животной необузданности. Гравюры якуся-э имеют интересную особенность: на головах героев можно заметить фиолетовое пятно. На самом деле, это пятно обозначало шапочку, символизирующую высоко выбритый лоб, как у всех мужчин Эдо, которую надевали на голову актёры, изображающие женщин (а как известно, в кабуки все роли, в том числе женские, изображали мужчины).

Мастера:  Тории Киёнобу, Кацукава Сюнсё, Тосюсай Сяраку, Утагава Тоёкуни.

Сюнга (春画 «весенние картинки») — эротические гравюры.

При слове «укиё-э» у японца, прежде всего, всплывает в голове образ картины в жанре сюнга, а затем уже и всех остальных. Сюнга представляет собой жанр, в котором изображались очень откровенные интимные сцены с преувеличенными анатомическими подробностями, шокирующие европейцев, воспитанных в строгих христианских обычаях. Но шок сменился популярностью — на Западе таких изображений быть никогда не могло, и иностранцы скупали их очень активно.

Мастера: Хисикава Моронобу, Кацусика Хокусай, Китагава Утамаро, Судзуки Харунобу.

Катё-га (花鳥絵 — «цветы и птицы»). Картинки жанра катё-га можно назвать атласами по флоре и фауне эпохи Эдо. Основным правилом было изображать по два разных вида птиц или цветов.

Мастера: Охара Косон, Дзякутю Ито.

укиё-э

Фукэй-га (府警画) — изображение пейзажей. Часто выпускались целые серии сюжетов, которые были объединены одним мотивом. Например, «Тридцать шесть видов Фудзи», «Сто видов луны».

Мастера: Кацусика Хокусай, Андо Хиросигэ.

Муся-э(武者絵) — изображения знаменитых самураев. Относится к историко-героической жанру, ставшему популярным в 1830-е годы. Изображались реальные исторические личности, хроники и участники средневековых войн. На рубеже 19-20 веков гравюры служили своеобразным средством массовой информации, повествуя о событиях на фронтах боевых действий с Китаем и Россией.

Мастер: Утагава Куниёси.

Укиё-э на Западе и в России

Специалисты говорят о большом влиянии японских гравюр укиё-э на создание стилей модерн и импрессионизм в Европе и России. Это явление называют японизмом и отмечают его появление в работах Винсента Ван Гога, Клода Моне и многих других.  Ван Гог имел около 400 японских гравюр и писал о позитивном влиянии от их созерцания. Также у Ван Гога есть работы, просто скопированные с произведений одного из выдающихся мастеров укиё-э Утагава Хиросигэ «Сливовый сад Камэйдо» и «Внезапный дождь над мостом Син-Охаси на реке Атака».

В своих коллекциях укиё-э имели Уистлер, Мане, Дега, Гонкур, Золя. В конце XIX века исследователь А.В. Вышеславцев привёз из кругосветного путешествия несколько японских гравюр и альбомов, что вызвало интерес к этому необычному искусству, и в 1898 году в Петербурге прошла первая выставка гравюр. В нынешнее время японская гравюра занимает одно из почетных мест в мировом искусстве.

Посещали ли вы выставки японской гравюры в России, Японии или в любой другой стране? Расскажите в комментариях о своих впечатлениях.

Если вы уже твёрдо решили изучать японский язык, но не знаете с чего начать, начните с записи на наш курс «Японский язык для начинающих за три шага«!

nihon-go.ru

Картины ускользающего мира – укиё-э

Самобытность – основная черта японской гравюры укиё-э. Не имея аналогий в искусстве других стран Дальнего Востока, эта система легла в основу формирования не только культуры самой Японии, но и оказала влияние на историческое течение и становление всей мировой культуры.

Почти два столетия ( XVII - XIX вв.), относящихся к эпохе Эдо, просуществовала укиё-э, зародившись в недрах городской культуры и пройдя долгий и интересный путь, запечатленный мастерами японской гравюры создающими свои картины в разные периоды.

Основоположником гравюры укиё-э считают Хисикава Моронобу (1618-1694). Он первым стал создавать не только книжные иллюстрации, но и станковые произведения. Подписывая каждое и относясь к ним как к истинным произведениям искусства, Моронобу имел огромный успех. Его искусство, работы его учеников и младших современников (Тории Киёнобу и Кайгэцудо Андо) определили стиль ранней гравюры укиё-э. Основными жанрами, сформировавшимися в этот период стали бидзинга и якуся-э.

Бидзинга – изображение красавиц. Героинями сюжетов становились прекрасные обитательницы «зеленых кварталов» (увеселительных заведений), которые в то время играли весьма значительную роль в Японии. Эти женщины славились не только своей красотой, но и образованностью, великолепным вкусом и изысканными манерами. Именно они задавали тон моде, поэтому гравюра быстро становилась не только произведением искусства, но и обладала изрядной долей информативности, повествуя о событиях в жизни столицы, моде, знатных особах, а иногда и служила рекламой для увеселительных заведений.

Якуся-э – театральная гравюра. Развитие этого жанра гравюры было обусловлено бешеной популярностью актеров столичного театра кабуки среди горожан, так как якуся-э были преимущественно их портретами. Оба эти жанра были актуальны на протяжении всей истории существования укиё-э.

Чрезвычайно важным событием стало изобретение цветной печати укиё-э в 1765 году мастером гравюры Судзуки Харунобу. Разумеется, до этого времени гравюры не всегда были черно-белыми: их либо раскрашивали от руки, либо применяли технику двуцветной печати. Сам процесс изготовления гравюры был очень длительным и трудоемким, потому что основывался не только на принципах живописи, но и каллиграфии, поэзии и декоративно-прикладного искусства. Это было в большей мере коллективное творчество, так как в работе участвовал и художник, и гравер, и печатник.

Конец XVII – начало IX веков считается «золотым веком» укиё-э. Большую популярность и всеобщее признание принесли японской гравюре такие мастера, как Тории Киёнага, Китагава Утамаро, Тёбунсай Эйси, Кубо Сюнман и многие другие. В начале XIX века излюбленной темой укиё-э становится пейзаж. Мировую известность в этом направлении получил мастер Кацусика Хокусай, с серией своих гравюр «36 видов Фудзи» и пятнадцатитомным трудом «Хокусай манга». В это же время на первое место выходят работы представителей школы укиё-э Утагава. Её основатель, Утагава Тоёхару, прославился своими пейзажами уки-э («перспективные картины»).

Позднее, к темам изображения прекрасных дам (гейш и куртизанок) и актеров популярного театра кабуки, в которых на поздних этапах мастера достигали портретного сходства, добавились и направления эротического характера, и сцены любования прекрасными природными явлениями, и катё-га («цветы и птицы»), и пейзажи, и сюжетные композиции литературных произведений и военных хроник. Таким образом, укиё-э были охвачены практически все аспекты жизни людей разного возраста и положения в обществе.

Сами японцы не особо ценили укиё-э как высокохудожественные произведения, поэтому сохранилось не так уж много гравюр. Но мода на укиё-э в Европе заставила их переосмыслить свое отношение к ним, потому что гравюры стали массово скупать коллекционеры и любители искусства. Таким образом, японская гравюра оказала огромное влияние на французскую живопись XIX века (импрессионизм), а через нее и на живопись всех стран Европы.

Галина Щедрина

www.art-dealer.narod.ru

japanpoetry.ru

Японские гравюры укиё-э - картины изменчивого мира...: edo_tokyo

Укиё-э (яп. 浮世絵, картины изменчивого мира) - возникшее в период Эдо направление в японском изобразительном искусстве, представленное гравюрами, отпечатанными с деревянных досок (ксилография).

Слово "э" означает "картина", "изображение".Термин «укиё» заимствованный из буддийской философии, буквально переводится как «мир скорби» или "бренный, быстротекущий мир", и обозначает одну из буддийских категорий - иллюзорность бытия, бренность, быстротечность человеческой жизни, мир страданий, горестей, болезней и смерти. С ХVII в. слово укиё приобрело новый смысл и стало означать  мир земных радостей, любви и наслаждений. А далее "современный" и даже "модный". Появилось множество новых понятий: укиё-дзоси - современный роман, укиё-комон - модный узор кимоно, укиё-сугата - модный облик, укиё-э — картины повседневной жизни.Техника ксилографии появилась в Японии ещё в период Хэйан (794–1185) вместе с распространением буддизма, и вначале использовалась при изготовлении черно-белых оттисков с изображениями различных буддийских святых и при иллюстрировании текста сутр.Возникновение стиля укиё-э было обусловлено бурным ростом городов в начале периода Эдо (1603-1867), появлением класса тёнин, состоящим из третьего и четвертого сословия -купцов и ремесленников, и как следствие, развитием городской культуры.Периоду Эдо в Японии предшествовало длительная эпоха междоусобных войн (со второй половины XV до начала XVII века), завершившиеся победой Токугава Иэясу в битве при Сэкигахаре (1600 г.) и установлением сёгуната Токугава. В стране наступил мир  и политическая стабильность.

[Нажмите, чтобы прочитать дальше...]Хотя номинально столицей оставался Киото, где жил император, реальным политическим и культурным центром стал Эдо (современный Токио) - резиденция сёгуна. Быстрорастущее население новой столицы быстро превысило по численности население Киото и Осака. К середине XVII здесь проживало около одного миллиона человек. Рост городов привел к образованию третьего сословия - купцов, ростовщиков, которые хотя и стояли на самой низкой ступени социальной лестницы, после самураев, ремесленников и крестьян, сосредоточили в своих руках огромный капитал и финансовую мощь, и фактически управляли экономической жизнью страны. При этом общество развивалось в условиях жесткой регламентации, которая затрагивала все сословия. Пытаясь утвердить свое превосходство над богатеющей буржуазией , сёгун выпустил множество законов с предписанными нормами  поведения в еде, одежде, передвижении, архитектуре и во многом другом. Никаких политических прав, возможности участвовать в управлении страной и свободой действий вне коммерческой деятельности у тёнин не было.  У купцов и ремесленников оставалось лишь несколько отдушин, позволявших тратить на них капиталы, чтобы хоть чуть-чуть украсить свою жизнь: театр Кабуки, соревнования борцов-сумоитов, визиты в "веселые кварталы", как в то время назывались огражденные стенами районы публичных домов. Тёнин были вынуждены искать собственные формы самовыражения, в результате наиболее ярким явлением этого периода стала городская культура. В изобразительном искусстве самой характерной ее формой стала гравюра укиё-э, в драматургии - театр Кабуки, в литературе - новый прозаический жанр - укиё-дзоси ("повести из нашей жизни"), в поэзии - хайку. Полнокровное изображение жизни города во всем многообразии типов и характеров - основная черта искусства этой эпохи.Круг интересов городского искусства был достаточно широк, но любые его проявления, в том числе и гравюра укиё-э, обладали двумя важными качествами - развлекательностью и информативностью. Жизнь горожан протекала по своим законам, они имели свой язык, свои праздники, обычаи. Гравюра в этих условиях играла роль своеобразного средства массовой информации, повествуя о событиях в жизни столицы, моде, знатных особах, о представлениях и актерах театра Кабуки, гейшах и куртизанках из "веселых кварталов". Это определило направление развития жанров укиё-э: бидзин-га - изображения красивых женщин "веселых кварталов", якуся-э - изображения актеров театра Кабуки, муся-э - изображения воинов, последним оформился жанр фукэй-га - пейзаж.Первоначально гравюра укие-э существовала в форме иллюстраций к ксилографическим книгам, издававшимся массовым тиражом. Текст и иллюстрации в этих изданиях печатались черным цветом. Выделение гравюры в отдельный вид искусства относят ко второй половине XVII века. Отцом японской гравюры считается Хисикава Моронобу (1618-1694), хотя некоторые исследователи прародителем этого жанра называют Матабэй Иваса (1578-1650), который первым обратился к изображениям сцен из современной жизни и стал показывать многообразие человеческих чувств и отношений. Но Моронобу первым начал подписывать свои работы, то есть относится к ним как к произведениям высокого искусства, и выпускать гравюры на отдельных листах - итимаиэ. Работая в начале расцвета городской культуры, период Гэнроку (1688-1704), художник подарил своему народу доступную и дешевую гравюру, заменившую горожанам дорогостоящую живопись.До середины  XVIII века гравюры были черно-белыми (сумидзури-э) и печатались с одной доски, так называемого ключевого блока, передававшего только линейные контурные изображения. Вскоре контурный рисунок начали подкрашивать от руки одним, а позже двумя-тремя цветами.Ранние гравюры в первой половине раскрашивались от руки киноварью и назывались тан-э, из-за преобладания красного цвета, хотя желтый и светло-зеленый цвета тоже встречались, эти гравюры были в основном большого размера (57х32см). Наиболее популярные сюжеты в то время - изображения красавиц-куртизанок из Ёсивара и актеров театра Кабуки. Позднее размеры гравюр стали уменьшаться (31х16см). Листы подкрашивались тёмно-красной краской (бэни-э) или оттенялись черной плотной краской, что создавало эффект покрытия черным лаком (уруси-э). Первые оттиски с использованием красного цвета (бэнидзури-э) появились в середине XVIII в. Революцию в укиё-э произвел выдающийся мастер Судзуки Харунобу (1725-1770), впервые в 1764 году применивший технику полихромной цветной печати, позволившей в 1765 начать массовую печать многоцветных гравюр, получивших название "парчовые картины" (нисики-э).Для создания укиё-э требовалось три человека: художник, резчик и печатник. Укиё-э изготовлялись следующим образом. Художник тушью делал на тонкой бумаге прототип гравюры, резчик приклеивал этот рисунок лицевой стороной на доску продольного распила и вырезал из неё области, на которых бумага была белой, получая таким образом первую печатную форму. Рисунок при этом уничтожался. Потом делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал задуманные цвета. Резчик изготовлял необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Печатник, обговорив с художником цветовую гамму, наносил краску растительного или минерального происхождения на получившийся набор форм и на влажной рисовой бумаге вручную печатал гравюру.Конец XVIII - начало  XIX века считается "золотым веком" укиё-э. Она заменяла в небогатых домах дорогостоящую живопись, использовалась для иллюстрирования книг, печати календарей, театральных афиш, реклам и поздравительных текстов и открыток.  В эти года творили такие мастера, как Тории Киёнага (1752-1815), Китагава Утамаро (1753-1806), Тосюсай Сяраку (годы творчества 1794-1795), Кубо Сюнман (1757-1820) и другие, принесшие гравюре большую популярность и всеобщее признание. в это время дебютировал Утагава Тоёкуни (1769-1801), ведущий мастер первой половины XIX века. Первое тридцатилетие XIX века стало эпохой наиболее массового распространения укиё-э, в это время в во многих городах (Эдо, Киото, Осака, Нагоя) работали сотни художников, создавших десятки тысяч гравюр. Одной из любимых тем укиё-э становится пейзаж, непревзойденным мастером которого считается Кацусика Хокусай(1760-1849). Такие серии гравюр, как "36 видов Фудзи" и пятнадцатитомный труд "Хокусай манга", принесли ему мировую славу.Другим выдающимся мастером пейзажа является Андо Хиросигэ (1798-1861), создавший свою собственную манеру, считающуюся наиболее близкой к традиционному японскому взгляду на свою природу и землю.Во второй половине XIX  века, после революции Мэйдзи работало несколько талантливых художников, продолжавших традиции мастеров прошлого, но постепенно укиё-э выходит из моды заменяясь фотографией.В самой Японии гравюры долгое время считались "низким" жанром, поэтому огромное количество работ было утеряно. В Европе японские гравюры вошли в моду, коллекционеры и любители искусства стали закупать их в большом количестве. Эстетика укиё-э оказала огромное влияние на становление импрессионизма, особенно на таких художников, как Эдгар Дэга, Клод Моне, Винсент Ван Гог, а через импрессионизм и на всю европейскую живопись конца XIX - начала XX века.

edo-tokyo.livejournal.com


Evg-Crystal | Все права защищены © 2018 | Карта сайта