Японская живопись. Картина японская живопись


Японская живопись

японская живописьЯпонская живопись является одним из наиболее оригинальных явлений в мировой культуре, чем и обусловлен интерес к ней со стороны искусствоведов и ценителей прекрасного со всего мира. В самом деле, развитие живописи на изолированных от иностранного культурного влияния (исключая лишь воздействие ближайшего соседа, Китая) японских островах шло своим, особенным путём. Живопись Японии стала отражением особого взгляда жителей этой страны на окружающий мир, отражением особой философии японцев. При этом оригинальность содержания произведений живописи в Японии сочеталась с многообразием форм произведений изобразительного искусства. Помимо более или менее привычных для восприятии западного человека картин-ширм и настенных росписей к предметам изобразительного искусства здесь относятся шёлковые и бумажные свитки, украшенные изображениями, особые альбомные листы и веера.

В отличие от средневековой Европы, где вплоть до эпохи Возрождения безраздельно доминировало церковное искусство, в истории японской живописи насчитывается несколько периодов развития, каждый из которых характеризуется особыми чертами и признаками. Первым этапом, выделяемом на основе дошедших до нас изобразительных памятников, считается период Нара (середина VII - конец VIII веков) - прежде всего это росписи храма Хорюдзи, в котором легко угадывается влияния китайской и отчасти индийской изобразительных традиций. Следующий период именуется Хэйан (начало XVII - конец XII веков). Этот длительный этап отмечен не только дальнейшим развитием храмовой живописи, но и первыми, дошедшими до нас образцами светского изобразительного искусства, представляющими собой иллюстрации к создаваемым для развлечения знати повестям и утончённым романам.

японская живописьПериод Камакура (конец XII - первая половина XIV веков) отмечен изменением стиля и настроения японской живописи. Если раньше общая атмосфера картин и росписей была утончённой, лёгкой, оптимистичной, жизнерадостной, то теперь был сделан большой шаг в сторону, с одной стороны, реализма изображения, с другой, придания ему аскетического, практического, почти военного характера. Основным сюжетами живописи стали изображения батальных сцен из мифологических легенд и исторических хроник, религиозных сцен из синтоистских сказаний и буддийской традиции. Также большое распространение получили портреты военных, государственных и религиозных деятелей.

Период Муромати (первая половина XIV - вторая половина XVI веков) на первое место в японской живописи вышла тенденция, благодаря которой она в наибольшей степени знакома основной массе зарубежных ценителей красоты. Под воздействием философии дзэн-буддизма огромное распространение получила пейзажная живопись, причём особо изысканные формы приняла монохромная техника. В этом сказалось и определённое влияние китайского пейзажа - так, самый знаменитый японский художник-пейзажист той эпохи, Тоё Ода (псевдоним Сэссю), первые пейзажи написал во время путешествия по Китаю, а развил это направление уже по возвращении на родину.

В течение дальнейших периодов развития самобытной японской живописи, Монояма (вторая половина XVI - начало XVII веков) и Эдо (начало XVII - середина XIX веков), эта тенденция продолжала активно развиваться и обогащаться. Монохромная живопись стала ещё более утончённой, всё большее внимание стало уделяться тщательной проработке деталей, художники стали экспериментировать и переносить приёмы живописи на свитках и ширмах в настенную роспись, и в обратном направлении. При этом сюжеты не ограничивались пейзажами и массовыми сценами - всё большую популярность стали приобретать психологические сцены, на которых один или несколько героев показаны в момент сильного эмоционального волнения, передаются человеческие чувства. Кроме традиционной живописи с середины XVIII века в Японии также активно развивалась гравюра на дереве, которая была двух основных видов: театральная гравюра (виднейший мастер - Тёсюсай Сяраку) и бытописательная гравюра (основоположниками являлись Судзуки Харунобу и Китагава Утамаро).

японская живописьЕсли же говорить о японской живописи как о предмете современного коллекционирования, то здесь сложилась сложная ситуация. Среди иностранных коллекционеров в сфере произведений искусства японская живопись не слишком востребована. Объяснения этому найти сложно, скорее всего, дело в непривычности самих японских образов и в отсутствии должной «рекламной кампании» по продвижению японского изобразительного искусства среди состоятельных коллекционеров из других стран. Гораздо большей популярностью, кстати сказать, во всём мире пользуются японские нэцке - миниатюрные изделия из металла, дерева, кости или фарфора, представляющие из себя забавные статуэтки с изображением животных, насекомых или людей. Самая большая иностранная коллекция нэцке находится в Британском Музее.

Поэтому наибольшим спросом японская живопись пользуется внутри страны, среди богатых частных и коллективных коллекционеров. Нужно заметить, что настоящая мода на приобретение предметов искусства в японских деловых кругах началась лишь после Второй Мировой войны. И этому есть как минимум два объяснения. Первое из них носит психологическое объяснение - после поражения от американской и советской армий, после ядерных бомбардировок Хиросимы и Нагасаки, после позорных условий капитуляции и размещении на территории страны военных баз США японской элите нужен был толчок к возрождению идеи национального величия, нужна была подпитка возрождения патриотизма. И в этой связи коллекционирование и афиширование шедевров великой японской живописи пришлось как нельзя кстати. Второе объяснение вполне прозаическое - вслед за европейскими и американскими бизнесменами японские деловые люди поняли, что произведения искусства являются одним из наиболее надёжных долгосрочных вложений капитала. Поэтому и начали скупать собственные произведения живописи. Правда, здесь стоит отметить, что основное внимание японских коллекционеров при этом всё равно уделялось знаменитым западным картинам как предметам, имеющим наилучшую репутацию и, следовательно, наибольшую стоимость. Так что японская живопись продолжает оставаться в большей мере, востребованной в государственных и общественных собраниях и в среде искусствоведов, чем у богатых коллекционеров.

Александр Бабицкий

Статьи по теме

www.luxemag.ru

Японские картины: все тонкости восточной живописи

Японская живопись – это абсолютно уникальное направление в мировом искусстве. Оно существует ещё с древних времён, но как традиция не утратило своей популярности и способности удивлять.

Внимательность к традициям

Восток – это не только пейзажи, горы и восходящее солнце. Это ещё и люди, которые создавали его историю. Именно такие люди поддерживают традицию японской живописи на протяжении многих столетий, развивая и приумножая своё искусство. Теми, кто внёс немалый вклад в историю искусства, были японские художники. Современные произведения искусства именно благодаря им сохранили в себе все каноны традиционной японской живописи.

Манера исполнения картин

В отличие от Европы, японские художники предпочитали писать ближе к графике, чем к живописи. В таких картинах не найти грубых, небрежных мазков маслом, которые так характерны для импрессионистов. В чём же заключается графичность такого искусства, как японская живопись? Цветы, деревья, скалы, животные и птицы – всё в этих картинах нарисовано максимально чётко, твёрдыми и уверенными линиями туши. У всех предметов в композиции обязательно есть контур. Заливка внутри контура обычно выполняется акварелью. Цвет размывается, добавляются другие оттенки, а где-то оставляют цвет бумаги. Декоративность – именно то, что отличает японские картины от искусства всего мира.японская живопись птицы

Контрасты в живописи

Контраст – ещё один характерный приём, который используют японские художники. Это может быть разница в тоне, цвете или контраст теплых и холодных оттенков.

Художник прибегает к приему тогда, когда хочет выделить какой-то элемент предмета. Это может быть прожилка на растении, отдельный лепесток или ствол дерева на фоне неба. Тогда изображается светлая, освещённая часть предмета и тень под ним (или наоборот).

Переходы и цветовые решения

Рисуя японские картины, часто используют переходы. Они бывают разными: например, от одного цвета к другому. На лепестках водяных лилий, пионов можно заметить переход от светлого оттенка к насыщенному, яркому какого-то цвета.японские художники современные

Также переходы применяют в изображении водной поверхности, неба. Очень красиво выглядит плавный переход от заката к тёмным, сгущающимся сумеркам. В рисовании облаков тоже используют переходы от разных оттенков и рефлексы.

Основные мотивы японской живописи

В искусстве всё взаимосвязано с реальной жизнью, с чувствами и эмоции тех, кто причастен к нему. Как и в литературе, музыке и других проявлениях творчества, в живописи существует несколько вечных тем. Это исторические сюжеты, изображения людей и природы.японские художники

Японские пейзажи бывают разнообразными. Часто в картинах встречаются изображения прудов – излюбленного предмета интерьера японцев. Декоративный пруд, несколько водяных лилий и бамбук неподалёку – так выглядит обычная картина 17-18 века.

Животные в японской живописи

Животные – тоже часто повторяющийся элемент азиатской живописи. Традиционно это крадущийся тигр или домашняя кошка. Вообще, азиаты очень любят семейство кошачьих, и поэтому их представители встречаются во всех формах восточного искусства. японские картины

Мир фауны – ещё одна тема, которой следует японская живопись. Птицы – журавли, декоративные попугаи, роскошные павлины, ласточки, незаметные воробьи и даже петухи – все они встречаются в рисунках восточных мастеров.

Рыбы — не менее актуальная тема для японских художников. Карпы кои – японский вариант золотой рыбки. Эти существа обитают в Азии во всех прудах даже маленьких парков и садов. Карп кои – своего рода традиция, принадлежащая именно Японии. Эти рыбы символизируют борьбу, решительность, достижение своей цели. Не зря их изображают плывущими по течению, обязательно с декоративными гребнями волн.

Японские картины: изображение людей

Люди в японской живописи – особенная тема. Художники изображали гейш, императоров, воинов и старцев.

Гейши нарисованы в окружении цветов, всегда в сложных одеяниях с множеством складок и элементов.

Мудрецов рисуют сидящими или объясняющими что-то своим ученикам. Образ старого учёного – символ истории, культуры и философии Азии.

Воина изображали грозным, порой устрашающим. Длинные волосы самурая были детально прорисованы и похожи на проволоку.

Обычно все детали доспеха уточнены с помощью туши. Нередко обнажённые части тела воина украшают татуировки с изображением восточного дракона. Это – символ силы и военной мощи Японии.

Правителей изображали для императорских семей. Красивые одеяния, украшения в волосах мужчин – то, чем изобилуют такие произведения искусства.

Пейзажи

Традиционный японский пейзаж – горы. Азиатские живописцы преуспели в изображении разнообразных ландшафтов: одну и ту же вершину они могут изобразить в разных цветах, с разной атмосферой. Единственное, что остаётся неизменным – обязательное присутствие цветов. Обычно вместе с горами художник изображает какое-то растение на переднем плане и детально его прорисовывает. Красиво смотрятся картины с изображением гор и цветущей сакуры. А если рисуют опадающие лепестки – картина вызывает восхищение грустной красотой. Контраст в атмосфере картины – ещё одно замечательное качество японской культуры. японская живопись цветы

Иероглифы

Часто композицию картины в японской живописи совмещают с письменами. Иероглифы располагают так, чтобы смотрелось красиво композиционно. Обычно их рисуют слева или справа картины. Иероглифы могут обозначать то, что изображено на картине, её название или имя художника.

Япония – одна из самых богатых историей и культурой держав. Во всём мире принято считать японцев педантичными людьми, которые находят эстетику абсолютно во всех проявлениях жизни. Поэтому японские картины всегда очень гармоничны по цвету и тону: если и есть вкрапления какого-то яркого цвета – то только в смысловых центрах. На примере картин азиатских художников можно изучать теорию цвета, правильную передачу формы с помощью графики, композицию. Техника исполнения японских картин настолько высока, что может служить примером по работе с акварелью и выполнению «отмывки» графических работ.

загрузка...

worldfb.ru

Японская живопись - это... Что такое Японская живопись?

Набор раздвижных дверей из сливы, начало 17-го века.

Японская живопись (яп. 絵画 кайга?, «картина, рисунок») — один из наиболее древних и изысканных из японских видов искусств, характеризуется широким разнообразием жанров и стилей. Для японской живописи, как и для литературы, характерно отведение ведущего места природе и изображение её в качестве носительницы божественного начала.[1] Другим предметом, который широко распространен в японской живописи, является изображение сцен из повседневной жизни и тематических картин, которые часто переполнены цифрами и деталями. Эта традиция, несомненно началось в период раннего средневековья под влиянием Китая, но со временем стала рассматриваться как часть японских традиций, которая существует и сегодня.

История

Пейзаж

Первая живопись в Японии доисторуется периодом японского палеолита.

Период Ямато

В периоды Кофун и Асука (IV - VII века) наряду с внедрением китайской письменности (иероглифы), создания государственного режима по китайскому образцу и распространения буддизма, из Китая в Японию были завезены и многие произведения искусства. После этого в Японии начали воспроизводить произведения живописи в стиле аналогичном китайскому.

Период Нара

С дальнейшим развитием буддизма в VI и VII веке в Японии, процветала религиозная живопись и была использована для украшения многочисленных храмов, возведенных аристократией, но в целом в период Нара в Японии вклад в развитие искусства и скульптуры был больше чем в живопись. Ранние из сохранившихся картин этого периода включают росписи на внутренних стен храма Хорю-дзи в префектуре Нара. Эти росписи включают рассказы о жизни Будды Шакьямуни.

Периода Хэйан

Начиная с X века в японской живописи выделяют направление ямато-э, картины представляют собой горизонтальные свитки, которыми иллюстрировали литературные произведения.

Период Муромати

В XIV веке развивается стиль суми-э (монохромная акварель), а в первой половине XVII века художники начинают печатать укиё-э — гравюры на дереве, изображавшие гейш, популярных актёров театра кабуки и пейзажи. Влияние популярности гравюр укиё-э на европейское искусство XVIII века называют японизмом.

Адзути-Момояма

В резком контрасте с живописью периода Муромати, выступет живопись периода Адзути-Момоямаа (1573-1603). Ей характерен полихромный стиль с широким использованием золотой и серебренной фольги. В то время школа Кано пользовалась большой известностью и престижом. Эйтоку Кано, основатель школы Кано, занимался росписью стен потолка и раздвижных дверей для разделения комнат. Такие росписные элементы служили украшением замков и дворцов военной знати.

Период Мэйдзи

Со второй половины XIX века было отмечено разделение искусства на конкурирующие европейский и традиционный стили. Во время периода Мэйдзи, Япония подверглась большим политическим и социальным изменениям в процессе европеизации и модернизации, организованной правительством. Западные стиль живописи официально продвигался правительством. Перспективные молодые художники были посланы за границу для учебы, а иностранные художники приезжали в Японию, для разработки школьной программы по искусству.

Тем не менее, после первоначального всплеска интереса к западному художественного стилю, маятник качнулся в противоположную сторону, произошло возрождение традиционного японского стиля. В 1880 году, западный стиль искусства был запрещен на официальных выставках и подвергался резкой критике.

См. также

Примечания

  1. ↑ Религиозные традиции мира = Religious traditions of the world. — М.: Крон-пресс, 1996. — Т. 2. — С. 495-610. — 640 с. — ISBN 5-232-00313-5

Литература

dic.academic.ru

Японская живопись

Японская живопись

02.01.2012

Нужно отметить, что в Японской живописи с конца VII до середины VIII в. наблюдаются те же два основных направления, что и в скульптуре: китайское (китаизированное) и более оригинальное и самобытное, японское.

 

ЯПОНСКАЯ ЖИВОПИСЬ VII—VIII вв

Японская живопись в начале VII—VIII вв. в основном связана с религиозной тематикой. В живописи многих найденных свитков и других памятников истории появляются заимствованные из Китая не только техника, но и сам типаж, сюжет, композиция, цвет. Все это получило широкое распространение на японской почве и впоследствии оказывало существенное влияние на формирование японского стиля в живописи.

В конеце VII — первой половине VIII в. еще существовали и другие виды живописи, монументальной, так и декоративной: стенопись и живопись по лаку. Одним из самых интерестных и уникальных памятников древней японской живописи является стенопись Кондо в Хорюдзи. Это выдающийся образец монументального искусства Японии.

Вместе с тем в живописи Японии (кондо Хорюдзи) можно наблюдать и другие примеры и технические приемы, так же заимствованные с других континентов. Известно, что в работах художника Хотана начинает происходить замена пластического изображения плоскотным, т.е. сама техника оконтуривания пластического объема начинает вытесняться техникой передачи объема одним линейным контуром.

Нужно отметить, что в Японской живописи с конца VII до середины VIII в. наблюдаются те же два основных направления, что и в скульптуре: китайское (китаизированное) и более оригинальное и самобытное, японское. К первому случаю относится стенопись Кондо и живопись Сесоин, а ко второму вышивка из Тюгудзи (Дайдфйроп) и росписи Тамамуси. Японские художники медленно вырабатывают свой стиль письма, тем самым закладывая основы национального искусства.

Японская живопись IX—XI вв

В эти века искусство развилось так широко, что можно смело утверждать о начале японской национальной живописи в целом. Получив название - Яматоэ (живопись Ямато). Именно Ямато: японское наименование страны подчеркивает чисто японское происхождение этого искусства. Яматоэ — живопись Ямато — противопоставлялось караэ — живописи Китая. Яматоэ, это - разрисованные бёбу (ширмы), фусу-ма (перегородки), и все возможные принадлежности японского быта, строившегося так, что внутреннее помещение составляло одну единственную площадь, которую можно было в любой момент превратить в несколько независящих друг от друга отсеков, оградив отдельные участки ширмами или разделив их друг от друга съемными плотными бумажными перегородками. В домах богатых людей ширмы и перегородки всегда расписывались. Чаще всего — это был определенный пейзаж, но не всякий, а лишь только такой, в котором был свой особый пейзажный «сюжет», например цукинамиэ сикиэ (смена времен года), (движение луны по небосводу). В первом случае картины весны, лета, осени, зимы, все эти образы времен года передавали их символами, например: цветком вишни для весны, летящей птицей для лета, полной луной для осени, снегом для зимы, во втором давалось несколько картин с разным положением луны. Нередко в пейзажные картины вводился жанр из репертуара нэнтю-гёдзи (годового обихода) — обрядов, связанных с определенным сезоном, которых получалось двадцать четыре, или каким-либо одним днем. Например, цукими (любование луной) — поклонение полнолунию, ханами (любование цветами) — ритуальное, каким оно было в старые времена и т. д. Подобные жанровые сюжеты отлично вписывались в пейзажи, но в них также помещались и такие сюжеты, как, например, цуйна - изгнание злых духов или бед, такой обряд совершался при каждой смене сезона. В пейзаж легко вносилось например, изображение лошадей, отбираемых в дворцовую конюшню. Эта церемония входила в «годовой обиход». Именно такой скрытый динамизм времени, составляющий, в сущности, самый предмет изображения, и характерен для японской живописи этого периода.

Японская живопись XII-XIV вв

Моко сюрай эмаки — так называемый свиток картин, где изображаются подвиги главным образом Суэнага и его воинов. Так появилось на свет Эма-кимоно — на этот раз живописная транскрипция не определенного художественно-словесного произведения, а исторического спектакля, разыгранного самой историей. В следствии чего в дальнейшем, появились эмаки-моно, рисующие подвиги и второго облика героя воположную художественную цель имеют тинсо (живописные изображения буддийских деятелей), ого нисээ - или "портрет".

Убедительный свидетельством развития в эту пору портретной живописи служит тот факт, что героем эпохи был именно человек: войн и монах. При изучении портретной галереи XI—XIII веков можно увидеть что ее составляют изображения деятелей буддизма. Основной задачей портретного изображения было, показать, как борется в человеке его духовная природа с его материальной, а эта борьба сильнее всего проявляется в монахе. Но и борьба духовного начала в них выражается по-разному, портретное искусство отразило и это: изображенные на картине люди индивидуальны, каждый сам по себе, как он есть, но взятый, так сказать, изнутри.

Японская живопись XV-XVI вв

Главным предметом искусства этого периода так же остается человек. Но теперь духовный поиск состоял в познании «истинной природы будды», то есть высшего бытия. Но такие поиски происходили, не где-то в «том мире», а совсем рядом, в «этом мире». На падшей и грязной земле, и не вне человека, а внутри самого человеке. Если рассматривать Дзэн как религию, то эта религия бога в человеке.

Именно такое умонастроение захватило художников и стало проявиляться в искусстве того времени. Художники, перестали изображать будд и как один стали изображать людей. Но каких именно? Роль героев досталась тем, кто учил познанию, кто сам достиг познания, то есть наиболее уважаемых и почитаемых деятелей своего учения. В дзэнских храмах, естественно, как и прежде оставались изображения Амитаба и Каннон и всяких других персонажей буддийского пантеона, но это всего лишь дань уважения традиции, установленному порядку, новое же, что появилось в этих храмах и что занимало первое место, были так называемые - Тинсо (портреты людей) — живописные и скульптурные.

Портреты были лишь одним из видов искусства живописи того периода. Другим видом искусства — Суйбо-куга (дословный перивод — картины водой и тушью, так как тушь разводилась в воде) или Иначе—сумиэ (картины тушью). Их писали на очень плотной бумаге или как вариант на шелке.

Так же в тот период в Японии появилась монохромпая живопись в конце XIII века и была заимствована из Китая, в основном дзэнскими монахами. Ее расцвет в Японии приходится на XV—XVI века, когда работали великие мастера, такие как: Дзёсэцу (1393—1427), Сюбун (середина XV в.), Сэссю (1420—1506).

На картинах изображалась природа — растения, птицы, пейзажи с горами и реками, животные — и вписанные в пейзаж и взятые отдельно, люди — как отдельная единица так и как элементы сюжета, нередко выраженного в виде чисто жанровой ситуации. Однако эти картины, в большенстве своем — известную часть, следует воспринимать с философской точки зрения.

www.waysamurai.ru

Японская живопись Википедия

Кано Санраку. Раздвижная дверь с изображением цветущей сливы, начало 17-го века.

Японская живопись (яп. 絵画 кайга, «картина, рисунок») — один из наиболее древних и изысканных японских видов искусств, характеризуется широким разнообразием жанров и стилей. Для японской живописи, как и для литературы, характерно отведение ведущего места природе и изображение её в качестве носительницы божественного начала.[1] Другим предметом, который широко распространен в японской живописи, является изображение сцен из повседневной жизни и тематических картин, которые часто переполнены цифрами и деталями. Эта традиция, несомненно, началась в период раннего средневековья под влиянием Китая, но со временем стала рассматриваться как часть японских традиций, которая существует и сегодня.

История

Сэссю. Осенний пейзаж. Национальный музей, Токио.

Первая живопись в Японии датируется периодом японского палеолита.

Период Ямато

В периоды Кофун и Асука (IV — VII века) наряду с внедрением китайской письменности (иероглифы), создания государственного режима по китайскому образцу и распространения буддизма, из Китая в Японию были завезены и многие произведения искусства. После этого в Японии начали воспроизводить произведения живописи в стиле аналогичном китайскому.

Период Нара

С дальнейшим развитием буддизма в VI и VII веке в Японии процветала религиозная живопись, используемая для украшения многочисленных храмов, возведенных аристократией, но в целом в период Нара в Японии вклад в развитие искусства и скульптуры был больше, чем в живопись. Ранние из сохранившихся картин этого периода включают росписи на внутренних стенах храма Хорю-дзи в префектуре Нара. Эти росписи включают рассказы о жизни Будды Шакьямуни.

Период Хэйан

Начиная с X века в японской живописи выделяют направление ямато-э, картины представляют собой горизонтальные свитки, которыми иллюстрировали литературные произведения.

Период Муромати

В XIV веке развивается стиль суми-э (монохромная акварель), а в первой половине XVII века художники начинают печатать укиё-э — гравюры на дереве, изображавшие гейш, популярных актёров театра кабуки и пейзажи. Влияние популярности гравюр укиё-э на европейское искусство XVIII века называют японизмом.

Адзути-Момояма

В резком контрасте с живописью периода Муромати выступает живопись периода Адзути-Момояма (1573—1603). Ей характерен полихромный стиль с широким использованием золотой и серебряной фольги. В то время большой известностью и престижем пользовалась школа Кано. Её основатель Эйтоку Кано занимался росписью стен потолка и раздвижных дверей для разделения комнат. Такие расписные элементы служили украшением замков и дворцов военной знати.

Период Эдо (1603—1868) 

В этот период искусство впервые обращается к темам повседневности - мир чайных домов, театра Кабуки, борцов сумо. Появление гравюры на дереве было связано с демократизацией культуры, поскольку гравюре свойственна тиражность, дешевизна и доступность. Вслед за бытовой живописью гравюра стала называться укие-э. Развитие гравюры связано с художником Хасикава Миранобу, который изображал незамысловатые сцены из жизни обитателей чайных домов, ремесленников, совмещая на одной гравюре разнообразные не связанные между собой события. Японская гравюра в 1780-1790 гг. вступает в период расцвета. Судзуки Харанобу впервые применил прием раската, создающий переход от темного к светлому тону, варьировал толщину и фактуру линий. Он не заботился о реальной расцветке, море на его гравюрах розовое, небо песочное, трава голубая, все зависит от общего эмоционального настроя сцены.

Период Мэйдзи

Со второй половины XIX века было отмечено разделение искусства на конкурирующие европейский и традиционный стили. Во время периода Мэйдзи Япония подверглась большим политическим и социальным изменениям в процессе европеизации и модернизации, организованной правительством. Западный стиль живописи официально продвигался правительством. Перспективные молодые художники были посланы за границу для учебы, а иностранные художники приезжали в Японию для разработки школьной программы по искусству.

Тем не менее, после первоначального всплеска интереса к западному художественному стилю, маятник качнулся в противоположную сторону, произошло возрождение традиционного японского стиля. В 1880 году западный стиль искусства был запрещен на официальных выставках и подвергался резкой критике.

Период  Тайсё (1912–1926)

Эпоха Тайсё приходится на краткий период времени, лежащий между ускоренной модернизацией Японии в эпоху Мэйдзи (1868–1912 гг.) и агрессивным милитаризмом первых лет эпохи Сёва (1926–1989 гг.).

Период Тайсё начался 30 июля 1912 со смертью императора Муцухито (Мэйдзи, 1852–1912 гг.) и восхождением на престол наследного принца Ёсихито (1879–1926 гг.). Девизом своего правления новый император выбрал Тайсё, что означает «Великая справедливость». Слабое здоровье вынудило его удалиться от дел в 1921 году, и принцем-регентом был провозглашен его старший сын Хирохито (1901–1989 гг.), будущий император Сёва

В то же время, новый виток получило и развитие живописи. Традиционные жанры продолжали существовать, однако испытали значительное влияние Запада. Одновременно с этим, многие молодые художники увлеклись импрессионизмом, постимпрессионизмом, кубизмом, фовизмом и другими художественными направлениями, развивающимися в западных странах.

В общем, период Тайсё можно назвать временем смешения японских и западных черт и приемов практически во всех видах искусства и творчества.

 Период Сёва (1926–1989)

Эпоха Сёва — период в истории Японии с 25 декабря 1926 года по 7 января 1989 года, когда императором был Хирохито (1901–1989 гг.). Девизом своего правления он выбрал Сёва, что можно перевести как «Просвещённый мир».

В истории послевоенной живописи одними из самых известных художников были Окумура Тогю (1889–1990 гг.), прославившийся изображением ста видов горы Фудзи, а также Хигасияма Кайи (1908–1999 гг.), ставший известным, в частности, благодаря тому, что создал и отреставрировал стенные росписи многих японских дворцов и храмов (Императорского дворца, храма Тосёдайдзи и т. д.). В живописи на западный манер наиболее известным художником является Хаяси Такэси (1896–1975 гг.), в чьих работах можно проследить сильное влияние Сезанна, Пикассо, Модильяни.

См. также

Примечания

  1. ↑ Религиозные традиции мира = Religious traditions of the world. — М.: Крон-пресс, 1996. — Т. 2. — С. 495-610. — 640 с. — ISBN 5-232-00313-5.

Литература

wikiredia.ru

Японская живопись Вики

Кано Санраку. Раздвижная дверь с изображением цветущей сливы, начало 17-го века.

Японская живопись (яп. 絵画 кайга, «картина, рисунок») — один из наиболее древних и изысканных японских видов искусств, характеризуется широким разнообразием жанров и стилей. Для японской живописи, как и для литературы, характерно отведение ведущего места природе и изображение её в качестве носительницы божественного начала.[1] Другим предметом, который широко распространен в японской живописи, является изображение сцен из повседневной жизни и тематических картин, которые часто переполнены цифрами и деталями. Эта традиция, несомненно, началась в период раннего средневековья под влиянием Китая, но со временем стала рассматриваться как часть японских традиций, которая существует и сегодня.

История[ | код]

Сэссю. Осенний пейзаж. Национальный музей, Токио.

Первая живопись в Японии датируется периодом японского палеолита.

Период Ямато[ | код]

В периоды Кофун и Асука (IV — VII века) наряду с внедрением китайской письменности (иероглифы), создания государственного режима по китайскому образцу и распространения буддизма, из Китая в Японию были завезены и многие произведения искусства. После этого в Японии начали воспроизводить произведения живописи в стиле аналогичном китайскому.

Период Нара[ | код]

С дальнейшим развитием буддизма в VI и VII веке в Японии процветала религиозная живопись, используемая для украшения многочисленных храмов, возведенных аристократией, но в целом в период Нара в Японии вклад в развитие искусства и скульптуры был больше, чем в живопись. Ранние из сохранившихся картин этого периода включают росписи на внутренних стенах храма Хорю-дзи в префектуре Нара. Эти росписи включают рассказы о жизни Будды Шакьямуни.

Период Хэйан[ | код]

Начиная с X века в японской живописи выделяют направление ямато-э, картины представляют собой горизонтальные свитки, которыми иллюстрировали литературные произведения.

Период Муромати[ | код]

В XIV веке развивается стиль суми-э (монохромная акварель), а в первой половине XVII века художники начинают печатать укиё-э — гравюры на дереве, изображавшие гейш, популярных актёров театра кабуки и пейзажи. Влияние популярности гравюр укиё-э на европейское искусство XVIII века называют японизмом.

Адзути-Момояма[ | код]

В резком контрасте с живописью периода Муромати выступает живопись периода Адзути-Момояма (1573—1603). Ей характерен полихромный стиль с широким использованием золотой и серебряной фольги. В то время большой известностью и престижем пользовалась школа Кано. Её основатель Эйтоку Кано занимался росписью стен потолка и раздвижных дверей для разделения комнат. Такие расписные элементы служили украшением замков и дворцов военной знати.

Период Эдо (1603—1868) [ | код]

В этот период искусство впервые обращается к темам повседневности - мир чайных домов, театра Кабуки, борцов сумо. Появление гравюры на дереве было связано с демократизацией культуры, поскольку гравюре свойственна тиражность, дешевизна и доступность. Вслед за бытовой живописью гравюра стала называться укие-э. Развитие гравюры связано с художником Хасикава Миранобу, который изображал незамысловатые сцены из жизни обитателей чайных домов, ремесленников, совмещая на одной гравюре разнообразные не связанные между собой события. Японская гравюра в 1780-1790 гг. вступает в период расцвета. Судзуки Харанобу впервые применил прием раската, создающий переход от темного к светлому тону, варьировал толщину и фактуру линий. Он не заботился о реальной расцветке, море на его гравюрах розовое, небо песочное, трава голубая, все зависит от общего эмоционального настроя сцены.

Период Мэйдзи[ | код]

Со второй половины XIX века было отмечено разделение искусства на конкурирующие европейский и традиционный стили. Во время периода Мэйдзи Япония подверглась большим политическим и социальным изменениям в процессе европеизации и модернизации, организованной правительством. Западный стиль живописи официально продвигался правительством. Перспективные молодые художники были посланы за границу для учебы, а иностранные художники приезжали в Японию для разработки школьной программы по искусству.

Тем не менее, после первоначального всплеска интереса к западному художественному стилю, маятник качнулся в противоположную сторону, произошло возрождение традиционного японского стиля. В 1880 году западный стиль искусства был запрещен на официальных выставках и подвергался резкой критике.

Период  Тайсё (1912–1926)[ | код]

Эпоха Тайсё приходится на краткий период времени, лежащий между ускоренной модернизацией Японии в эпоху Мэйдзи (1868–1912 гг.) и агрессивным милитаризмом первых лет эпохи Сёва (1926–1989 гг.).

Период Тайсё начался 30 июля 1912 со смертью императора Муцухито (Мэйдзи, 1852–1912 гг.) и восхождением на престол наследного принца Ёсихито (1879–1926 гг.). Девизом своего правления новый император выбрал Тайсё, что означает «Великая справедливость». Слабое здоровье вынудило его удалиться от дел в 1921 году, и принцем-регентом был провозглашен его старший сын Хирохито (1901–1989 гг.), будущий император Сёва

В то же время, новый виток получило и развитие живописи. Традиционные жанры продолжали существовать, однако испытали значительное влияние Запада. Одновременно с этим, многие молодые художники увлеклись импрессионизмом, постимпрессионизмом, кубизмом, фовизмом и другими художественными направлениями, развивающимися в западных странах.

В общем, период Тайсё можно назвать временем смешения японских и западных черт и приемов практически во всех видах искусства и творчества.

 Период Сёва (1926–1989)[ | код]

Эпоха Сёва — период в истории Японии с 25 декабря 1926 года по 7 января 1989 года, когда императором был Хирохито (1901–1989 гг.). Девизом своего правления он выбрал Сёва, что можно перевести как «Просвещённый мир».

В истории послевоенной живописи одними из самых известных художников были Окумура Тогю (1889–1990 гг.), прославившийся изображением ста видов горы Фудзи, а также Хигасияма Кайи (1908–1999 гг.), ставший известным, в частности, благодаря тому, что создал и отреставрировал стенные росписи многих японских дворцов и храмов (Императорского дворца, храма Тосёдайдзи и т. д.). В живописи на западный манер наиболее известным художником является Хаяси Такэси (1896–1975 гг.), в чьих работах можно проследить сильное влияние Сезанна, Пикассо, Модильяни.

См. также[ | код]

Примечания[ | код]

  1. ↑ Религиозные традиции мира = Religious traditions of the world. — М.: Крон-пресс, 1996. — Т. 2. — С. 495-610. — 640 с. — ISBN 5-232-00313-5.

Литература[ | код]

ru.wikibedia.ru

Японская живопись — Википедия

Кано Санраку. Раздвижная дверь с изображением цветущей сливы, начало 17-го века.

Японская живопись (яп. 絵画 кайга, «картина, рисунок») — один из наиболее древних и изысканных японских видов искусств, характеризуется широким разнообразием жанров и стилей. Для японской живописи, как и для литературы, характерно отведение ведущего места природе и изображение её в качестве носительницы божественного начала.[1] Другим предметом, который широко распространен в японской живописи, является изображение сцен из повседневной жизни и тематических картин, которые часто переполнены цифрами и деталями. Эта традиция, несомненно, началась в период раннего средневековья под влиянием Китая, но со временем стала рассматриваться как часть японских традиций, которая существует и сегодня.

История

Сэссю. Осенний пейзаж. Национальный музей, Токио.

Первая живопись в Японии датируется периодом японского палеолита.

Период Ямато

В периоды Кофун и Асука (IV — VII века) наряду с внедрением китайской письменности (иероглифы), создания государственного режима по китайскому образцу и распространения буддизма, из Китая в Японию были завезены и многие произведения искусства. После этого в Японии начали воспроизводить произведения живописи в стиле аналогичном китайскому.

Период Нара

С дальнейшим развитием буддизма в VI и VII веке в Японии процветала религиозная живопись, используемая для украшения многочисленных храмов, возведенных аристократией, но в целом в период Нара в Японии вклад в развитие искусства и скульптуры был больше, чем в живопись. Ранние из сохранившихся картин этого периода включают росписи на внутренних стенах храма Хорю-дзи в префектуре Нара. Эти росписи включают рассказы о жизни Будды Шакьямуни.

Период Хэйан

Начиная с X века в японской живописи выделяют направление ямато-э, картины представляют собой горизонтальные свитки, которыми иллюстрировали литературные произведения.

Период Муромати

В XIV веке развивается стиль суми-э (монохромная акварель), а в первой половине XVII века художники начинают печатать укиё-э — гравюры на дереве, изображавшие гейш, популярных актёров театра кабуки и пейзажи. Влияние популярности гравюр укиё-э на европейское искусство XVIII века называют японизмом.

Адзути-Момояма

В резком контрасте с живописью периода Муромати выступает живопись периода Адзути-Момояма (1573—1603). Ей характерен полихромный стиль с широким использованием золотой и серебряной фольги. В то время большой известностью и престижем пользовалась школа Кано. Её основатель Эйтоку Кано занимался росписью стен потолка и раздвижных дверей для разделения комнат. Такие расписные элементы служили украшением замков и дворцов военной знати.

Период Эдо (1603—1868) 

В этот период искусство впервые обращается к темам повседневности - мир чайных домов, театра Кабуки, борцов сумо. Появление гравюры на дереве было связано с демократизацией культуры, поскольку гравюре свойственна тиражность, дешевизна и доступность. Вслед за бытовой живописью гравюра стала называться укие-э. Развитие гравюры связано с художником Хасикава Миранобу, который изображал незамысловатые сцены из жизни обитателей чайных домов, ремесленников, совмещая на одной гравюре разнообразные не связанные между собой события. Японская гравюра в 1780-1790 гг. вступает в период расцвета. Судзуки Харанобу впервые применил прием раската, создающий переход от темного к светлому тону, варьировал толщину и фактуру линий. Он не заботился о реальной расцветке, море на его гравюрах розовое, небо песочное, трава голубая, все зависит от общего эмоционального настроя сцены.

Период Мэйдзи

Со второй половины XIX века было отмечено разделение искусства на конкурирующие европейский и традиционный стили. Во время периода Мэйдзи Япония подверглась большим политическим и социальным изменениям в процессе европеизации и модернизации, организованной правительством. Западный стиль живописи официально продвигался правительством. Перспективные молодые художники были посланы за границу для учебы, а иностранные художники приезжали в Японию для разработки школьной программы по искусству.

Тем не менее, после первоначального всплеска интереса к западному художественному стилю, маятник качнулся в противоположную сторону, произошло возрождение традиционного японского стиля. В 1880 году западный стиль искусства был запрещен на официальных выставках и подвергался резкой критике.

Период  Тайсё (1912–1926)

Эпоха Тайсё приходится на краткий период времени, лежащий между ускоренной модернизацией Японии в эпоху Мэйдзи (1868–1912 гг.) и агрессивным милитаризмом первых лет эпохи Сёва (1926–1989 гг.).

Период Тайсё начался 30 июля 1912 со смертью императора Муцухито (Мэйдзи, 1852–1912 гг.) и восхождением на престол наследного принца Ёсихито (1879–1926 гг.). Девизом своего правления новый император выбрал Тайсё, что означает «Великая справедливость». Слабое здоровье вынудило его удалиться от дел в 1921 году, и принцем-регентом был провозглашен его старший сын Хирохито (1901–1989 гг.), будущий император Сёва

В то же время, новый виток получило и развитие живописи. Традиционные жанры продолжали существовать, однако испытали значительное влияние Запада. Одновременно с этим, многие молодые художники увлеклись импрессионизмом, постимпрессионизмом, кубизмом, фовизмом и другими художественными направлениями, развивающимися в западных странах.

В общем, период Тайсё можно назвать временем смешения японских и западных черт и приемов практически во всех видах искусства и творчества.

 Период Сёва (1926–1989)

Эпоха Сёва — период в истории Японии с 25 декабря 1926 года по 7 января 1989 года, когда императором был Хирохито (1901–1989 гг.). Девизом своего правления он выбрал Сёва, что можно перевести как «Просвещённый мир».

В истории послевоенной живописи одними из самых известных художников были Окумура Тогю (1889–1990 гг.), прославившийся изображением ста видов горы Фудзи, а также Хигасияма Кайи (1908–1999 гг.), ставший известным, в частности, благодаря тому, что создал и отреставрировал стенные росписи многих японских дворцов и храмов (Императорского дворца, храма Тосёдайдзи и т. д.). В живописи на западный манер наиболее известным художником является Хаяси Такэси (1896–1975 гг.), в чьих работах можно проследить сильное влияние Сезанна, Пикассо, Модильяни.

Видео по теме

См. также

Примечания

  1. ↑ Религиозные традиции мира = Religious traditions of the world. — М.: Крон-пресс, 1996. — Т. 2. — С. 495-610. — 640 с. — ISBN 5-232-00313-5.

Литература

wikipedia.green


Evg-Crystal | Все права защищены © 2018 | Карта сайта